WWer war Bice Lazzari? In der Estorick-Sammlung im Norden Londons setzt sich der Kurator Renato Miracco mit aller Geradlinigkeit für diesen zu wenig bekannten italienischen Modernisten ein. Gezeigt werden 40 Werke, die kaum kommentiert werden; Wenn Sie zum Beispiel etwas über Lazzaris familiären Hintergrund wissen wollen, müssen Sie nur selbst recherchieren. Doch auch wenn ein solches Vorgehen zuweilen riskant erscheint – in der Galerie ist es zunächst schwer, sich zurechtzufinden – ist Miraccos Zuversicht, dass Lazzaris Kunst am Ende für sich selbst sprechen wird, sicherlich nicht unangebracht.
Was für eine Ausstellung! Im Laufe der Jahre habe ich festgestellt, dass ich einer bestimmten Art von Abstraktion ziemlich überdrüssig geworden bin; was immer es zuerst bedeutet haben mag, es kommt mir immer schwächer vor. Doch hier ist Lazzari, der noch einmal dafür plädiert. Aus Disharmonie, ob innerlich oder äußerlich, schafft sie eine so exquisite Harmonie, dass ihr Werk in Momenten fast zu vibrieren scheint. So heftig es auf die „obskuren Kräfte“ verweist, die sie als Künstlerin antrieben – Urinstinkte, die auch gegen Ende ihres Lebens, als sie ihr Augenlicht verlor, nicht nachließen –, ist es doch zutiefst und dauerhaft ruhig. Unter ihrem Zauber betrachtete ich ihre Bilder als Antworten auf Fragen, von denen ich nicht einmal wusste, dass sie gestellt worden waren.
Auf Fotografien hat Lazzari (1900-81) etwas vom elfenhaften Aussehen von Giulietta Masina, dem Star von Fellinis Meisterwerk von 1954 La Strada – dachte ich jedenfalls und bemühte mich, sie in einen Zusammenhang zu bringen. Nur wenige Künstler haben die ungewöhnliche Abgeschiedenheit und Armut des Nachkriegsitaliens so gut eingefangen wie Fellini, und dies war auch die Welt, die Lazzari geprägt hat. Erst nach dem Krieg fand sie den Weg zur Abstraktion, ohne die Hilfe von Lehrern oder gar künstlerischen Vorbildern (Mussolinis Faschisten hatten die Abstraktion als dekadente Fremdkrankheit verpönt). „Aufgrund des damals herrschenden provinziellen Klimas der kulturellen Isolation wusste ich nichts über das Malen im Ausland“, gab sie später zu. In den Galerien des Estorick erinnert ihre Arbeit – fast zu offensichtlich – an ihre Zeitgenossen Agnes Martin und (seltener) Richard Diebenkorn, die beide mit dem amerikanischen abstrakten Expressionismus in Verbindung gebracht wurden. Aber ihr Minimalismus und ihr Sinn für Farbe waren, wie es scheint, wirklich das Ergebnis einer einsamen Erkundung. Sie reiste zunächst alleine.
Lazzari wurde in Venedig geboren, wo ihre Eltern Großhändler waren; Dort und in Florenz, der Stadt, in die ihre Familie zwischen Ende 1917 und Anfang 1918 zog, studierte sie Künstlerin. Als Frau wurde sie nach ihrem Abschluss ermutigt, nicht zu malen, sondern als Designerin zu arbeiten. Aber das scheint sie nicht entmutigt zu haben. Ganz im Gegenteil. Wie sie es ausdrückte: „Als mein Vater 1928 starb, musste ich mich dem Leben auf praktischer Ebene stellen, und so nahm ich, anstatt mit einem Gemälde unter dem Arm herumzulaufen, einen Webstuhl und fing an, angewandte Kunst zu machen, um weiterzuleben in dem Klima, das ich so verehrte – nämlich Freiheit.“ Im Estorick sind eine gestreifte, handgewebte Tasche und ein Gürtel aus dem Jahr 1929 ausgestellt, die immer noch so gut aussehen – so kühn modern – dass sie genauso gut in Liberty oder Selfridges des 21. Jahrhunderts verkauft werden könnten.
In den 1930er Jahren zog Lazzari nach Rom, um sich durch die Zusammenarbeit mit Designern zu unterstützen, und blieb dort für den Rest ihres Lebens, abgesehen von einer kurzen Zeit während des Krieges, als sie und ihr Mann Diego Rosa mit dem Architekten Gio zusammenarbeiteten Ponti in Mailand. Aber obwohl ihre verschiedenen Projekte oft ausgestellt wurden – im Estorick wurde eines ihrer handgenähten Kissen in einen Rahmen gestellt, wo es fast so verführerisch aussieht wie ihre Arbeit auf Leinwand –, konnte sie es erst nach 1945 sich der Malerei zu widmen.
Vor 1964 arbeitete sie hauptsächlich in Öl; Nachdem sie darauf allergisch reagiert hatte, wechselte sie zu Acryl, „einem undankbaren, aber starken, robusten, widerstandsfähigen Material“, das schließlich ihr fester „Freund“ wurde. Es half ihr vielleicht, ihre Vision klarer auszudrücken. Wie Miracco in einem Katalogaufsatz andeutet, haben Lazzaris späte „Erscheinungen“ von Farbe, so gespenstisch sie auch sein mögen, auch die Qualität von Blitzen: eine Andeutung von Unendlichkeit. Ihre Agnes-Martin-ähnliche Strenge paart sich mit einer ganz eigenen Bravour.
Einige Bilder sind für den Verstand. Aber Lazzaris sind für den Körper: Sie nehmen ihre Stimmung auf wie die einer Person, zu der Sie sich hingezogen fühlen, wobei die Erregung allmählich in ein Gefühl der absoluten Richtigkeit übergeht. Das Frühwerk ist energisch geometrisch: in Abstraktion einer Linie Nr. 2 (1925), farbige Regeln verstreuen sich wie Pick-up-Sticks; das sich wiederholende Muster von Kontinuierlicher Rhythmus (Tempera auf Karton, 1939) könnte als Tapete dienen. Aber dann öffnen sich die Dinge. Weiß und Schwarz (Öl auf Leinwand, 1954) ist absichtlich falsch benannt; sein orange-roter hintergrund ist das ding, das dich wie die sonne ruft. Das wissen Sie schon, bevor Sie den Titel gelesen haben Meeresgeschichte (Öl auf Leinwand, 1956) ist inspiriert von Booten in einem Hafen, Rechtecken in allen Blau- und Grautönen, die schaukelnde Segel beschwören.
Was für eine seltsame und schwer fassbare Formel macht das aus Ohne Titel (Tempera und Bleistift auf Leinwand, 1966) und Acryl Nr. 5 (Acryl auf Leinwand, 1975) so verlockend? Warum fiel es mir so unerwartet schwer, diesen kaum vorhandenen Linien und Kreisen den Rücken zu kehren? Das ist, fürchte ich, nicht einfach mit Worten zu erklären. Ich kann Ihnen nur sagen, dass das Verlassen dieser Ausstellung in mir ein unverhältnismäßiges Gefühl ausgelöst hat, das der Trauer nahe kam – und dass Sie völlig verrückt wären, wenn Sie es verpassen würden.