Tie Welt hat endlich das eingeholt, was Cocks zentrale Figur den „Eintopf“ der sexuellen Identität nennt. Die Komödie von Mike Bartlett, die 2009 uraufgeführt wurde, mag damals kantig gewirkt haben, aber heute spiegelt und bestätigt sie Vorstellungen über die Schlüpfrigkeit der sexuellen Kennzeichnung.
Sein bisher schwuler Protagonist John (Jonathan Bailey), der mit seiner langjährigen Partnerin M (Taron Egerton) zusammenlebt, löst ein dreifaches existenzielles Erdbeben aus, als er sich in eine Frau, W (Jade Anouka), verliebt und aneinander stößt soziale Erwartungen, sich selbst zu definieren – oder neu zu definieren. „Schwul“, „bi“ und „hetero“ seien längst vergangene Begriffe aus den 1960er-Jahren, beteuert John, verspüre aber dennoch den Druck, sich in ein Lager zu stellen.
Bartletts Dialog funkelt immer noch in seinen besten Momenten und erforscht Leidenschaft, Beziehungsentscheidungen, Feigheit und Hingabe. Aber die zentrale, angsterfüllte Achse des Stücks – die Frage, ob die sexuelle Identität fest und genetisch ist oder auf einer gleitenden Skala, in der Wahlmöglichkeiten ins Spiel kommen – scheint heutzutage weniger rätselhaft zu sein.
Sein Vorteil liegt nun in seiner theatralischen Neuverpackung durch Marianne Elliott in dieser kühn stilisierten Wiederbelebung – mit gemischten Ergebnissen. Das Spiel beginnt im hyperaktiven, welpenhaften Modus; Bailey und Egerton sind mit ihrem theatralischen Gezänk und ihrer körperlichen Komödie ein Doppelpack. Ihre Darbietungen sind amüsant bogenförmig, bügeln aber feinere Stimmungs- und Gefühlswechsel weg. Wenn sie sich niederlassen, beschwören sie kraftvolle Momente herauf. Egerton ist besonders in seiner romantischen Verzweiflung betroffen, da er in der Beziehung an Kraft verliert. Anouka bringt Spaß und schaumige Komödie über alles, was durchdringender ist, obwohl die Chemie auf der Bühne erfolgreich echt erscheint. Bailey gibt eine starke Leistung ab und wird immer unsympathischer, bis er das verwöhnte, mürrische Kind des Endes ist, aber wir sehen nie ganz, was M oder W an diesem zaudernden, respektlosen Spieler eines Partners so liebenswert finden.
Merle Hensels Set ist in seiner Kargheit sowohl leer als auch klaustrophobisch, mit nur einer Drehtür und einer Bank, zusammen mit einer Schulhallen-Streifenbeleuchtung (entworfen von Paule Constable). Unser Auge wird zu jedem Zucken und jeder Wendung geführt, die diese Charaktere in dieser Leere machen. Ähnlich wie die jüngsten Wiederaufnahmen von Lungs und Constellations, die einer einzelnen Beziehung einen ähnlich forensischen Fokus verliehen haben, werden sie bis auf die Knochen entblößt und ihre emotionale Nacktheit betont.
Dieser Minimalismus wird von einer offensichtlichen, etwas zu niedlichen Theatralik begleitet – Schauspieler gestikulieren, sich auszuziehen, John dreht eine Schulter im Kreis, um den Akt des Sex darzustellen, M mimt statt Essen zu servieren, wenn sein Vater (Phil Daniels) kommt der Dinnerparty-Showdown. Es ist eine Aufforderung, wie spielerisch das Publikum auch sein mag, sich einfallsreich zu engagieren, aber es scheint auch, als hätte Elliott eine tiefere Bedeutung konzeptualisiert, die unser Verständnis übersteigt. Zelebriert das Stück nur seine eigene Theatralik oder steckt mehr dahinter? Die verspiegelten Wände des Sets vermitteln ein Gefühl von Innerlichkeit und die Schauspieler führen zwischen den Szenen Matrix-ähnliche Zeitlupen-Choreografien auf, die die emotionalen Veränderungen in den Beziehungen widerspiegeln, aber manchmal kitschig wirken.
Das alles verbindet sich zu einem leicht rätselhaften Nicht-Naturalismus, der gleichzeitig extravagant und schnörkellos ist. Und wo die theatralischen Ticks in Elliotts und Miranda Cromwells Inszenierung von Death of a Salesman dem Stück eine erstaunliche Erfindung und Kraft verliehen, dienen die stilisierten Elemente hier nicht der Bedeutung dieses Stücks, sondern wirken wie spielerische Add-Ons.
Eine der mächtigsten Szenen kommt am Ende, in Johns kindlich mürrischer Unnachgiebigkeit, und hier offenbart sich Cocks Drama letztendlich nicht als Wettstreit zwischen Heteronormativität und schwulen Partnerschaften oder als Stück über das Recht, sich einer festen Identität zu widersetzen, sondern als weit mehr altmodisches Liebesdreieck mit einer egoistischen, destruktiven und grausamen Figur im Zentrum.