Peter Greenaway, Autor/Regisseur
Eines Sommers, vor mehr als 40 Jahren, wohnten meine Familie und ich in einem Haus in der Nähe von Hay-on-Wye. Ich hatte immer einen Stift in der Hand, ich habe immer gezeichnet. Fasziniert davon, wie sich das Aussehen eines Architekturstücks je nach Sonnenstand verändert, beschloss ich, das Haus aus verschiedenen Perspektiven zu zeichnen. Ich richtete vielleicht fünf Aussichtspunkte im Garten ein, die unterschiedliche Ansichten des Gebäudes boten, während sich die Schatten bewegten und das Licht sich änderte. Und ich dachte, hier ist eine Idee für einen Film. Gleichzeitig war ich fasziniert von Englands großen Landhäusern – wir wohnten in der Nähe der Fonthill-Anwesenund an früheren Feiertagen hatte ich das Prächtige gemalt Holkham Hall in Norfolk. Ich fing an, über das Genre des Landhausdramas nachzudenken, das für das englische Kino so wichtig ist. Und da ich eine gewisse kaufmännische Veranlagung habe, dachte ich an Zahlenzählungen, alphabetische Strukturen und Farbcodierungen.
Ich musste das alles zusammen wickeln. Um es dramatisch zu machen, habe ich den Krimi im Herzen des Films entwickelt. Der Film spielt im Jahr 1694 und handelt von Geld, Eigentum, Sex, Macht und Kunst, aber seine ursprüngliche Prämisse war: Sollte ein Künstler zeichnen, was er sieht, oder zeichnen, was er weiß? Sehen und glauben. Nur weil du Augen hast, heißt das nicht, dass du sehen kannst.
Wir haben mehrere Monate nach dem Standort gesucht. Groombridge Place, ein 1662 erbautes Herrenhaus mit Wassergraben in Kent, ist großartig, aber nicht extravagant, und genau das wollten wir. Es war gut gepflegt, obwohl wir den Garten ein wenig stimulieren mussten – Statuen, Parterres, Orangenbäume und dergleichen einführen. Wir zogen alle für die langen, heißen Sommerwochen der Dreharbeiten ein; Der Mann, dem es gehörte, war – wenn ich mich recht erinnere – ein Rentner, der mit Versicherungen ein großes Vermögen gemacht hatte. Er brach auf, um auf dem Dachboden zu wohnen, und ging uns aus dem Weg, aber wenn man genau hinhörte, konnten wir an ruhigen Nachmittagen gerade das Geräusch der Grille aus einem Radio oben hören. Das Teeservice für die damals sehr modische Szene der Teezeremonie gehörte ihm und war sehr teuer. Die Leute witzelten, dass das gesamte Budget des Films nicht dem Wert des antiken Teeservice entsprach. Wahrscheinlich hatten sie Recht!
Die Schafe gehörten zum Nachbarhof. Ich hatte sie vergessen, bis ich mir den Film vor kurzem noch einmal angesehen habe. Eine ganz menschenleere Einstellung hat mir besonders gut gefallen: Man sieht einfach nur durch den Bildausschnitt des Zeichners, wie die Schafe auf einen zukommen. Sie blieben schön innerhalb des Rahmens. Der Zeichner wurde brillant von Anthony Higgins gespielt. Ich liebte die Art und Weise, wie er seine Hüften schwankte, als er über das Grundstück ging, und den Elan und die Prahlerei, mit der er seine Zeilen vortrug. Alles ist bewusst sehr stilisiert – die Kostüme, die Perücken, sowie die Dialoge – die Leute verwenden 50 Wörter, um etwas zu sagen, wenn 20 es getan hätten. Wenn jemand vom Drehbuch abwich, bekam er einen Klaps auf die Finger: Die Künstlichkeit war ein Charakteristikum des Films.
Ich hatte feste Vorstellungen davon, wen ich besetzen wollte und wie sie auftreten würden. Ich arbeite gerne mit theatererfahrenen Schauspielern, da einige meiner Takes extrem lang sind. Das meiste Kino ist „Cut. Schneiden. Cut“, was viele Schauspieler mit, sagen wir mal, weniger Erfahrung aus dem Schneider lässt. Ein amerikanischer Kritiker sagte, The Draughtsman’s Contract sei eigentlich kein Film, weil es nur etwa 60 Schnitte gebe. Er glaubte, dass „richtige“ Hollywood-Filme mindestens 300 haben müssten.
Der Fluch allen Kinos ist die Lust, Geschichten zu erzählen. Ich habe mich immer geweigert, Komponisten zu erlauben, Drehbücher zu lesen – ich möchte nicht, dass sie versuchen, es zu illustrieren. Michael Nyman und ich hatten schon früher zusammengearbeitet und ich kannte ihn als brillant. Ich erzählte es ihm, als der Film gedreht war, und sprach über die Landhäuser, die mich inspiriert hatten, aber ich glaube nicht, dass ich ihm weitere Hinweise gegeben habe. Ich sagte, geh weg und schreibe die Musik, die du willst, und ich fühlte mich zuversichtlich genug, es zu wissen seine Musik in der Lage zu sein, in der Bearbeitung zu arrangieren, welches Bit wohin gegangen ist.
Der Film war ein großer Erfolg und noch immer, 40 Jahre später, bekomme ich alle drei Monate eine kleine Gage. Kunstfilme sollten kein Geld verdienen – was für eine absurde Idee!
Und die Zeichnungen? Sie wurden von mir gemacht – das ist meine Hand, sehen Sie. Ich habe sie immer noch, alle 13, irgendwo auf einem Dachboden. Um ehrlich zu sein, weiß ich nicht genau wo, aber das BFI ist sehr daran interessiert, sie zu bekommen, also muss ich sie eines Tages finden.
Dame Janet Suzman (gespielt Virginia Herbert)
Das Drehbuch, das mir zugeschickt wurde, war enorm dick. So viele Worte voller Strophen nach der Restaurierung, Verschleierung und Einbildungen. Es war lächerlich rückgängig zu machen, aber das faszinierte mich. Peter tat etwas, was noch niemand zuvor getan hatte, und seine völlige Originalität und Kühnheit gefielen mir. Als wir mit den Dreharbeiten anfingen, wurde mir klar, dass er filmisch ein Labyrinth baute.
Peter hat das Auge eines Künstlers. Er liebt Gemälde, er platziert alles perfekt, jedes Detail zählt. Er filmte nur mit natürlichem Licht und Kerzenlicht. Kubrick war die einzige Person, die das zuvor gemacht hatte – bei Barry Lyndon – und er hatte ein spezielles, sehr teures Objektiv, das schwaches Licht aufnehmen konnte. Peter stellte stattdessen hinter jede Kerze eine kleine Fackelbirne, um die Wattzahl zu erhöhen.
Die Komplexität der Kostüme und unsere aufwändigen Perücken waren außergewöhnlich. Wir mussten jeden Morgen um sechs Uhr aufstehen, um uns anzuziehen. Wohlgemerkt, ich habe schon schlimmeres getragen – ich musste für eine RSC-Produktion in ein authentisches Elizabeth-Kleid mit einer 19-Zoll-Taille geschnürt werden. Erst als einer der anderen Schauspieler bei der Probe ohnmächtig wurde, gab der Regisseur nach.
Es wurde in lang anhaltenden Einstellungen gefilmt. Ich erinnere mich an eine bestimmte Szene, die acht Minuten lang war, eine Innenszene mit vielen Dialogen. Wir mussten während der gesamten Aufnahme sehr schnell und deutlich sprechen. Das war nervenaufreibend. Er war ein sehr einfallsreicher und intuitiver Regisseur. Als er eine weitere Szene auf einem Hügel drehte, verschwand die Sonne hinter den Wolken, und anstatt „Schnitt“ zu sagen, wie es die meisten Regisseure tun würden, sagte er „Nein, weiter so!“ Während dieser Szene sehen Sie also, wie die Gesichter beschattet werden und dann, wenn die Sonne wieder herauskommt, wieder ans Licht kommen.
Das Budget war so gering, dass es diese wunderbare Freundschaft gab und es eine Leichtigkeit zwischen den verschiedenen Disziplinen am Set gab, die sehr produktiv war: Ein Kostümmädchen konnte eine Requisite bewegen, ohne verhaftet zu werden, das Make-up oder die Beleuchtungsteams machen konnten Anregungen. Es herrschte eine herzliche und kooperative Atmosphäre.
Als ich es fertig sah, mit Michael Nymans Musik, ich dachte nur: „Ja!“ Es treibt den Film auf die großartigste Weise voran und verleiht ihm einen perfekten Drive. Wann immer Sie filmen oder proben, möchten Sie, dass etwas gut ist, aber Sie haben keine Ahnung, ob es das ist oder nicht. Aber ich hatte das Gefühl, dass hier eine Qualität am Werk war, die höchst ungewöhnlich war. Wir wussten, dass es etwas Besonderes werden würde.
Der Vertrag des Zeichners ist ab sofort in ausgewählten Kinos und auf Blu-ray erhältlich. Eine retrospektive Saison, Frames of Mind: Die Filme von Peter Greenaway liegt bis zum 30. Dezember bei BFI Southbank, London.