Foder ein Film, der, wenn Sie es ganz offen sagen wollen, an der Abendkasse getankt, Tár hat unverhältnismäßig viel Gesprächsstoff provoziert. Möglicherweise ist der Diskurs um den Film – über eine mächtige, höchst erfolgreiche und äußerst problematische Dirigentin namens Lydia Tár, gespielt von Cate Blanchett – so interessant wie der Film selbst.
Ich habe mehrere widersprüchliche Interpretationen von Tár gehört: dass es eine schändliche Fehldarstellung des Bereichs der klassischen Musik ist; dass es allzu real ist; dass es alles zu surreal ist; dass es ein intellektuelles Gewicht hat, das im Kino selten ist; dass es nicht halb so schlau ist, wie es denkt; dass es nicht ums Dirigieren geht, sondern um Macht; dass es nicht um Macht geht, sondern um Narzissmus; dass es um a geht Konflikt der Ethik zwischen den Generationen; dass es um den Feminismus der dritten Welle geht; dass seine zentrale Figur in all ihrer „Unsympathie“ auffallend komplex ist; dass sein zentraler Charakter unwiderruflich hasserfüllt ist; dass es sich um eine faszinierende, unparteiische Anatomisierung der „Abbruchkultur“ handelt; dass es sich eigentlich um einen „regressiven“ Film handelt, der „erbittert“ auf Identitätspolitik zielt. Dann gibt es eine umfangreiche Online-Debatte widmet sich der Entschlüsselung seines unheimlichen Schlussaktes. Ein Film, der so ein offener Text ist, der so viel Diskussion verlangt, hat etwas Aufregendes.
Unproblematisch ist es trotzdem nicht. Die Welt der klassischen Musik spricht über Tár, und das nicht im positiven Sinne. (Ein führendes Londoner Konservatorium zum Beispiel lehnte es höflich ab, die UK-Premiere auszurichten.) Die Besorgnis rührt nicht zuletzt von der Tatsache her, dass die Biografie der Hauptfigur mehr als nur eine flüchtige Ähnlichkeit mit der eines Dirigenten aufweist Marin Alsop. Wie Tár ist sie Amerikanerin, wurde von Leonard Bernstein betreut, ist lesbisch, Partnerin und Co-Elternteil einer gelegentlichen Orchestermusikerin und hat eine Stiftung für junge Dirigentinnen geschaffen. Alsop selbst hat kritisierte den Film, und ich habe ein gewisses Mitgefühl mit ihr. Tár ist unter anderem ein Mobber und ein Missbraucher, und Alsop ist es nicht. Ihr breiterer Punkt ist jedoch, dass eine kleine Handvoll Frauen sich schwer getan haben, in große Rollen als Dirigentin vorzudringen. Von denen, die es „geschafft“ haben, sind einige sicherlich angenehmer und benehmender als andere. Aber von ihnen ist buchstäblich keiner so geformt wie der fiktive Tár. Die Art von Missbrauch, die von Tár begangen wird – Blackballing, Nutzung von Macht, um Sex zu extrahieren – ist leider in der klassischen Musik präsent, aber die Täter, die größtenteils durch Gerüchte und Mundpropaganda bekannt sind und nicht durch offene Anschuldigungen, sind Männer. Frauen in der klassischen Musik können Tyrannen sein und sich entsetzlich verhalten. Aber meines Wissens schwebt keiner von Missbrauchsvorwürfen in der Art, die zum Beispiel zur Entlassung des verstorbenen James Levine von seinem Posten an der Metropolitan Opera geführt haben.
Das Gegenargument zu dieser Perspektive ist, dass es in dem Film nicht wirklich „um“ klassische Musik in irgendeiner sinnvollen Weise geht, und dass sein Setting nebensächlich für seinen Zweck ist. Dabei würde aber übersehen, dass der Film uns doch etwas über Kunst erzählen will und Kunstwerke über Kunst oft eine faszinierende Meta-Erzählung zu erzählen haben. Denken Sie an andere Filme, die in der Welt der klassischen Musik oder in deren Nähe spielen. Da ist natürlich Amadeus; Michael Hanekes The Piano Teacher, François Truffauts Shoot the Piano Player, Denis Dercourts The Page Turner, das Du Pré-Biopic, Hilary and Jackie, Shine, A Late Quartet (denkwürdigerweise mit Philip Seymour Hoffman als verbittertem zweiten Geiger). Was haben Sie gemeinsam? Hier ist ein Hinweis: die Hauptfiguren in George Cukors Gaslight – the film that have seinen Namen gegeben zu einer ganzen Form von Missbrauch – sind ein angehender Opernsänger und ein Pianist.
Nicht alle dieser Filme handeln von Missbrauch und Gewalt, aber alle handeln auf die eine oder andere Weise von Besessenheit und Geisteskrankheiten. Ich kann mich der Vorstellung nicht entziehen, dass klassische Musik für Filmemacher eine Möglichkeit bietet, einige ihrer dunkelsten und verdrehtesten Gedanken über Kunst und Kreativität darzustellen. In gewisser Weise kann man sehen, warum: Von allen Ecken der ineinandergreifenden künstlerischen Welten erfordert die klassische Musik neben dem Ballett die edelste und intensivste Form lebenslangen Engagements. Es bietet Autoren von Romanen eine extreme Version des Kunstschaffens.
Kinofilme hingegen sind eher von Nostalgie oder Sentimentalität geprägt (man denke an La La Land oder Sam Mendes’ neues Reich des Lichts). Steven Spielbergs neuester Film The Fabelmans, der zusammen mit Tony Kushner geschrieben wurde, hat ein bisschen von beidem: Es ist wirklich Spielbergs eigener Bildungsroman, sogar ein Ursprungsmythos, und – natürlich! – gibt es einen frühen Moment, in dem die Hauptfigur Sam als Kind zum ersten Mal ins Kino geht. Natürlich sehen wir das reflektierte Licht des Bildschirms über sein Gesicht spielen; natürlich üben die Streifen auf diese Weise ihren Zauber unauslöschlich auf ihn aus.
The Fabelmans ist viel interessanter, als diese Beschreibung vermuten lässt, und wie Tár hat es etwas mit Macht zu tun, in diesem Fall mit der, die in den Träger der Filmkamera investiert ist – den unfreiwilligen Geheimnisträger, den Heldenmacher, der Manipulator. Klassische Musik wird im Film auch durch Sams Mutter, eine vereitelte Pianistin, beschworen, und wieder besetzt sie das vertraute thematische Gebiet von Verlust und Geisteskrankheit. Die Fabelmans jedoch berühren und treffen genau, was Kunst tatsächlich ist, wie sie sich anfühlt und woraus sie besteht. Es gibt einen schönen Hinweis darauf in seiner witzigen Nomenklatur: Der Name Spielberg erinnert an das deutsche oder jiddische für „Spiel“; das Wort Fabelman des Wortes für „Geschichte“. In diesem Film entstehen Geschichten aus dem Spiel: Es gibt eine klare Linie von Sams ersten Filmen, die zum Spaß mit seinen Pfadfinderkollegen gemacht wurden, zu der Arbeit, für die der echte Spielberg bekannt ist.
Freude, Verspieltheit: Das sind Qualitäten, die in der Vision von Kunst, die Todd Fields Tár präsentiert, völlig fehlen, vielleicht absichtlich. Lydia Tár ist eine Diktatorin – ein Machtmodell für Dirigenten, das stark im Niedergang begriffen ist und für Frauen tatsächlich weitgehend unerreichbar ist, da es stark auf traditionell männlichen Autoritätsmustern basiert. Die meisten Begegnungen zwischen Dirigenten und Orchestermusikern funktionieren tatsächlich am besten durch Zusammenarbeit und, ja, Verspieltheit; Dirigenten setzen eher auf Überzeugungskraft und Charme als auf unverblümte Befehle, um ihre Ideen voranzubringen. Das Machtgleichgewicht liegt nicht ausschließlich auf der Seite der Dirigenten: Orchestermusiker können gnadenlos gegenüber Dirigenten sein, die sie nicht respektieren.
Es gibt einen Film, den ich nicht erwähnt habe, in dem es um Dirigenten und Komponisten geht, und auch um Ballett: Powell und Pressburgers The Red Shoes (1948). Auch hier gibt es Missbrauch, Besessenheit und Geisteskrankheit. Wie The Fabelmans, wie Tár, deutet es darauf hin, dass Kunst und häusliches Leben möglicherweise unmöglich in Einklang zu bringen sind. Aber im Gegensatz zu Tár bietet es inmitten seiner Dunkelheit ein fröhliches Bild davon, was es bedeutet, Kunst zu lieben, ein Künstler zu sein, Teil einer Gruppe von Künstlern zu sein. Im Gegensatz zu Tár, das sich eher auf Mahler beruft, als etwas besonders Interessantes zu sagen hat, enthält The Red Shoes ein seltsames und schönes Kunstwerk in Form des Balletts im Film, das auch The Red Shoes genannt wird. Es ist ein Film, der Generationen beeinflussbarer Jugendlicher zu Künstlern heranwachsen ließ. Wird Tár jemals diese galvanisierende Wirkung haben? Diskutieren.