Die Fashion Week geht mit einem neuen Look aus der Covid-Pandemie hervor, da eine Generation, für die Upcycling die neue Normalität ist, in den Mittelpunkt gerückt ist: Nach zwei Jahren Mode-Tumbleweed ist das Anziehen zurück, aber die Regeln haben sich geändert.
Für den 25-jährigen Modedesigner Connor Ives beginnen die Ideen für seine Vintage-meets-Streetwear-Cocktailkleider nicht in einem Skizzenbuch, sondern im Lagerhaus in Sheffield, wo er alte T-Shirts auf der Suche nach Edelsteinen durchkämmt, die er zerschneiden und zusammenfügen kann in Party-Looks.
„Wir verbringen Stunden damit, Stapel von T-Shirts zu durchsuchen, und was wir herstellen, hängt davon ab, was wir an diesem Tag finden.“ An anderen Tagen wacht Ives mit 50 Fotos von Vintage-Klavierschals auf, die er per WhatsApp-Nachricht von einem Händler in Pakistan erhält, aus denen er die interessantesten Stücke zum Überarbeiten auswählt.
„Ich möchte die Idee dekonstruieren, dass Secondhand irgendwie das Zweitbeste ist“, sagte Ives während einer Vorbesichtigung in seinem Studio. „Ich persönlich ziehe ein Vintage-T-Shirt immer einem neuen vor – das ist so viel romantischer.“ Secondhand-Kleidung macht 75 % seiner Rohstoffe aus, und die Anhänger der Marke tragen das Motto „Things of Quality Have No Fear of Time“.
Ives wurde von Rihanna abgeworben, um sich ihrem Designteam anzuschließen, als sie noch Studentin am Central St. Martins war, und hat bereits ein Kleid in der Kostümausstellung des Metropolitan Museum of Art in New York ausgestellt.
Aber nach zwei Jahren der Einschränkungen war seine Show am Eröffnungstag der Londoner Modewoche auf dem ehemaligen Parkplatz von Selfridges seine erste Erfahrung auf dem Laufsteg. In der 26-teiligen Kollektion wurde aus einem Pariser Touristenstand-T-Shirt ein Sanduhr-Minikleid, dessen Rundungen auf die ikonischen Umrisse eines glitzernden Eiffelturms zugeschnitten sind. Zwei grau melierte T-Shirts der Sportmannschaft wurden zu einem langen Säulenkleid mit einem Makramee-Fransenrock kombiniert.
„Laterales Design ist ein vielversprechendes Geschäftsmodell, weil es schon so viele Klamotten auf der Welt gibt“, sagt Ives. Doch die Verwendung von Fundstücken stellt eine Herausforderung für die Produktion dar. Während Kunden bei der Bestellung ein Farbschema anfordern können, ist jedes der Kleider, die aus alten T-Shirts gepatcht oder aus Vintage-Klavierschals genäht wurden, einzigartig. „Es ist eine andere Art, Dinge zu tun, und der einzige Weg, um herauszufinden, ob wir dieses Geschäft skalieren können, besteht darin, es zu versuchen“, sagte der Designer.
Einer der größten Momente der Londoner Modewoche findet gleichzeitig auf einem Laufsteg in der Tate Britain und im Metaverse statt.
Die fließenden Silhouetten und malerischen Farben der Marke Roksanda, deren raffinierte Kleider eine treue Anhängerschaft unter einer Klientel aus der Kunstwelt und auf dem roten Teppich haben, passen alles andere als offensichtlich zum Metaversum, wo die Ästhetik von Gaming geleitet wird und bisher tendiert hin zu Cyborg Metallics und Tierfantasie.
In einer Verbindung, die widerspiegelt, wie ernst das Mode-Establishment das Metaversum jetzt nimmt, hat sich die Designerin Roksanda Ilincic mit dem Institute of Digital Fashion zusammengetan, um ein NFT-Kleid zu entwerfen, das in einer Reihe von Formaten ab 25 £ pro Stück zum Verkauf angeboten wird von 500 3D-Renderings bis zu 5.000 £ für eines von 10 3D-Animations-Renderings mit Softwaredateien, die es einem Avatar ermöglichen, das Kleid im Metaverse zu tragen.
„Für mich ist das Schöne am Metaversum, dass alles möglich ist“, sagt Ilincic. „Ein Kleid, das seine Farbe ändert oder verschwindet und wieder auftaucht – wenn du es dir vorstellen kannst, dann kannst du es auch machen.“
Sie glaubt, dass Widerstand gegen das Metaversum wahrscheinlich zwecklos ist. „Ich schaue meine Tochter an und ich sehe, dass ich das sehen kann [digital] ist eindeutig, wohin ihre Generation geht. Das Metaverse fühlt sich ein bisschen so an, wie es war, als der E-Commerce anfing und die Luxusindustrie es nicht wissen wollte – und sehen Sie, wie das geworden ist.“
Die Designerin gibt jedoch zu, dass sie von der Komplexität der Herstellung der digitalen Version eines Kleides, das bei ihrer Ausstellung in der Tate Gallery zu sehen sein wird, überrascht war. „Ich dachte, Sie würden einfach einen Knopf drücken, um alles zu bekommen, was Sie wollen, aber es ist viel komplizierter“, lacht sie und fügt hinzu, dass sie hofft, dass Mode das Metaversum „infiltrieren“ kann.
„Mode hat so viel zu bieten. Es bringt nicht nur Glamour mit sich, sondern auch eine Geschichte von Design und Kreativität, die für eine reichhaltigere digitale Umgebung sorgen kann. Ich würde mir wünschen, dass das Metaversum zu einem Ort wird, an dem viele verschiedene Generationen und Gruppen von Menschen Schönheit finden können.“
Eine Woche mit 86 Live-Shows fühlt sich für die meisten Fashion Week-Besucher wie eine gute Nachricht an, aber Caroline Rush vom British Fashion Council ist am meisten begeistert von den 61 Veranstaltungen, die digital bleiben, und glaubt, dass ein Hybridmodell am besten zu einer modernen Modebranche passt.
„Designer denken jetzt wirklich darüber nach, wen sie in einen Raum bekommen müssen und mit wem sie auf andere Weise sprechen können“, sagte sie am Freitag.
Junge Londoner in Trainingsanzügen, die sie zum Friseur tragen, waren die Inspiration für eine lyrische und elegante Hybrid-Show von Saul Nash, einem 29-jährigen, der zu den vielversprechendsten Modetalenten der Stadt gehört. Nash choreografierte Tänzer, die seine Kleidung in einem Kurzfilm spielten, der in einem Friseurladen in Kensal Rise spielte, und lud dann ein kleines Publikum ein, eine Live-Aufführung der Routine zu sehen.