Hektische Versammlung‘s aufgeraute, am Nacken gepackte Version von Othello wirft immer wieder neue Lichter auf Shakespeares Stück. Als ich die Adaption von Scott Graham und Steven Hoggett vor 14 Jahren zum ersten Mal sah, war der Wechsel der Kulisse – zu einer Poolbar im 21. Jahrhundert – belebend, aber die größte Aufregung war die Art und Weise, wie die Bühne ihr Vokabular zu erweitern schien. Shakespeares Worte waren zwar vorhanden, aber ihre Bedeutung wurde sowohl getanzt als auch gesprochen.
In Grahams neuer Produktion, die eine landesweite Tournee mit einem London-Auftritt abschließt, ist die Geschwindigkeit und Agilität der Bewegung immer noch atemberaubend. Charaktere scheinen sich an die Luft zu lehnen oder von ihr geschoben zu werden; Die Atmosphäre könnte ein anderer Darsteller sein. Die Dynamik der Handlung ist offensichtlich, bevor irgendjemand spricht: Jago schiebt sich zwischen Othello und Desdemona; männliche Körper wölben sich hin und her, als würden sie von Gewaltböen zerrt; Desdemona und Emilia schwenken für ein Gespräch aufeinander zu, ihre Gliedmaßen bilden eine schützende Kammer, während sie sich zusammenbeugen.
Doch dieses Mal ist die Offenbarung anders. Was mich jetzt am stärksten beeindruckt hat, ist die Art und Weise, wie Othellos Gewalt aus den festgefahrenen Kampfgewohnheiten wächst, die ihn umgeben. Mit der schieren Überzahl von Frauen gegenüber Männern, die offensichtlicher denn je ist, wird das Stück ohne Anstrengung zu einer Tragödie, in der Männer automatisch gegen Frauen ausgespielt werden. Michael Akinsulires Othello mag von Joe Laytons muskulösem, schlüpfrigem Jago angekurbelt werden, aber er fährt fort zu töten, weil Knüppeln so natürlich ist, so allgegenwärtig ist.
Der Abend beginnt mit dem Klang von Trommeln und dem Anblick fliegender Fäuste und rasender Gliedmaßen – mit suggestiv herumgeschobenen Pool-Queues. Kein Wunder, dass es in einem Geschrei der Gewalt enden sollte. Akinsulires Vortrag ist abgehackt, als wäre jede Phrase ein Stich. Neben ihm ist Chanel Waddocks Desdemona (große Reifen und Lycra) frisch, ungehobelt, entspannt. Der Schlüssel zu ihrer Beziehung ist Emilias spätes Plädoyer für Frauen, sich mit der gleichen Freiheit zu verhalten wie Männer. Es ist eine mächtige Rede von einer der lebhaftesten Figuren Shakespeares, der jedoch nicht immer das gebührende Gewicht beigemessen wird. Fein umrahmt von dieser Inszenierung macht Kirsty Stuart sie zum verbalen Höhepunkt des Abends.
Der Unfriend Transfers zum West End nach dem Erfolg bei Chichester. Sherlocked-up – unter der Regie von Mark Gatiss, geschrieben von Steven Moffat und mit Amanda Abbington in der Besetzung – ist es am anderen Ende des Comedy-Thriller-Spektrums als das, das jetzt schon lange läuft 2:22 Eine Geistergeschichte: humorvoll, mit ein paar kühleren Berührungen.
Ein Paar findet sich bei einer Urlaubsbekanntschaft wieder, die sie für einen Serienmörder halten. Absurdität wird mit Scharfsinn gestreut: Die Reaktionen des Paares werden, nun ja, durch Höflichkeit erstickt. Die Mörderin entpuppt sich als befreiende, segensreiche Wirkung auf die bis dahin mürrische Familie.
Robert Jones’ Design des vorstädtischen Interieurs und der Dachlandschaft zwinkert Sitcoms zu; Der schlaue Michael Simkins fügt sich nahtlos als Flatpack-Nachbar ein, so langweilig, dass sich niemand an seinen Namen erinnern kann. Plot und Performances flirten mit Farce. Frances Barber, sowohl üppig als auch beängstigend, hat ein so breites Lächeln, dass sie imstande zu sein scheint, ihre Drohung wahr werden zu lassen, jeden zu verschlingen; Lob gebührt der Garderobenchefin Amy Jeskins, die ihr einen apricotfarbenen Velours-Trainingsanzug mit der glitzernden Anweisung „Love Life“ auf dem Rücken schenkt. Reece Shearsmith, der zwischen dem Schwachen und dem Unheimlichen schwebt, liefert eine umwerfende Kacke-Episode: Gesicht rutscht überall hin, Klobürste im Wohnzimmer hochgehalten, stolpernd stellt er weit entfernte Routinefragen zu Fäkalien an einen Polizisten.
Keines der Hänseleien oder Anstupser landet viel von einem Punkt, und Nervosität verflüchtigt sich schnell – obwohl es eine beeindruckende Leistung von Gabriel Howell als Teenager gibt, der sich von der Krise zum Sonnenschein bewegt. Doch bei einer Matinee strahlte ein dankbares Publikum mein Erlebnis aus: Es herrschte Gemütlichkeit; das Theater schien ein riesiges Gemeinschaftssofa zu sein.
Versammelt um einen Boxring, das Publikum für An den Seilen sehen Sie, wie Mensah Bediako in einem von Vanriel selbst geschriebenen Stück mit Dougie Blaxland als Vernon Vanriel spielt. Sie beobachten eine Windrush-Schlacht, einen Kampf zwischen britischen Behörden und Menschen, die sie als Untertanen behandeln – nicht als Bürger.
Vanriel, der in Tottenham aufgewachsen ist, wurde als extravaganter Kämpfer (in den Union Jack gehüllt) berühmt, kämpfte mit Sucht und Depression und wurde nach einem längeren Besuch in Jamaika durch bürokratische Wirren daran gehindert, in das Land zurückzukehren, in dem er war hatte 43 Jahre verbracht. Er wurde schließlich aus 13 Jahren Not gerettet, als Amelia Gentleman über seine Notlage in der schrieb Wächter und MP David Lammy nahm seinen Fall auf.
Es ist eine wichtige Geschichte und sie übt einen Halt aus; es verdient eine einschneidendere Behandlung. Anastasia Osei-Kuffours Inszenierung ist mit dem episodischen, allumfassenden Drehbuch nicht hart genug: Sie zappelt. Dennoch sind die gereimten Dialoge oft leichtfüßig und die Musik – von Jimmy Cliff bis Nina Simone – wunderbar. Und niemand kann Amber James das gestaltverändernde Talent vorwerfen, wenn sie sich von einer frommen Mutter zu einer arbeitswürdigen Beamtin und zu einer süßen, hüftschwingenden Schwester entwickelt. Wenn sie die Musik aus ihrer Kehle lässt, willst du, dass sie die ganze Aktion singt. Was wäre das für eine Blues-Ballade.
Sternebewertung (von fünf)
Othello ★★★★
Der Unfriend ★★★
An den Seilen ★★★