ichs Bryony Lavery Philip Pullmans Dämon? Ihre Adaption von La Belle Sauvage trifft den Kern des ersten Bandes von Pullman’s Buch des Staubs Trilogie und drückt dämonisch ihre Essenz aus. Klar und schnell bringt es eine zusätzliche Portion Humor in das Gewirr von Spekulation und Salzigkeit, das den Roman gleichzeitig provozierend und fesselnd macht. „Woher kennen Sie das Unsicherheitsprinzip?“ “Ich wohne in einer Kneipe.”
Dies ist nur eine der Möglichkeiten, wie Nicholas Hytners aufregende Produktion (unter der Regie von Emily Burns und James Cousins) die Dinge richtig macht. Pullmans Roman, spielt vor Seine dunklen Materialien, mit Lyra als Baby, das von Potboy und Potgirl Malcolm und Alice beschützt wird, schwimmt zwischen dem Vertrauten und dem Fantastischen: Es ist ein Ansturm von Klimakatastrophen, Abenteuern, Alethiometern, Oxford-Stadtansichten, pubertären Bewegungen und den Repressionen, die von einem eisernen christlichen Regime auferlegt werden . Seine Schichten und sein Wechsel zwischen Antiquität und Futurismus werden hier in Paul Ardittis zart trommelndem Sounddesign und in Luke Halls’ Videos und Jon Clarks Beleuchtung suggeriert, die über Bob Crowleys Sets wirbeln und verwandeln: Ruhig wirkende Holzschnitt-Szenerien scheinen zu splittern und auseinanderbrechen, als eine große Flut (die Bibel ist nie weit von Pullmans agnostischem Verstand entfernt) über die Bühne rauscht.
Unter der Geschwindigkeit gibt es Innerlichkeit. Die entscheidenden Dämonen, entworfen und inszeniert von Barnaby Dixon, sind eher intim als spektakulär: ein um einen Hals gewickelter Lemur, eine sich über die Bühne entrollende Schlange, der Begleiter unseres Helden, der sich (wie?) vom Eisvogel zur Katze vor den Augen des Publikums wandelt. Meist weiß und meist klein – die Nonnen können sich in ihren Windeln hocken – erleuchten sie die Bühne wie Papierlaternen, doch die fies kichernde Hyäne des Bösewichts flattert riesig und aus den Fugen, wie ein halbfertiges Bastelprojekt.
Es ist ein Abend mit einheitlich starken Auftritten. Ella Dacres ist bezaubernd als Alice, anmutig, böse und fähig. Die Bösewichte sind überzeugend verführerisch: Ayesha Dharker seidig und einschmeichelnd – in Stilettos, die langsam wie eine Abkürzung für Schurken aussehen – und Pip Carter lässig räuberisch. Entscheidend ist, dass Samuel Creasey ein erstaunliches Bühnendebüt als jugendlicher Held gibt: klug und unbeholfen, sein Wissen platzen lassen wie ein Polizist, der Verwarnungen ausspricht; undankbar, aber schließlich entwaffnend. Er ist ganz ehrlich: die schauspielerische Entdeckung des Jahres.
Tage zuvor La Belle Sauvage eröffnet, erreichte schließlich eine weitere puppenfreundliche, theologisch getriebene Bühnenadaption London. Lolita Chakrabartis Version von Yann Martels Life of Pi: Schiffbruch mit Tiger, das 2019 erstmals in Sheffield gesichtet wurde, hatte seine Reise nach Süden durch Covid verzögert. Jetzt wurden die Stände von Wyndham’s speziell umgestaltet, um Max Websters feine Produktionen zu präsentieren.
Barack Obama gratulierte Martel zu seinem „eleganten Gottesbeweis und der Kraft des Geschichtenerzählens“. Die Geschichte des kanadischen Schriftstellers über das Leben auf See – mit Tieren und rauen Bedingungen – kann als Fabel, Fantasy oder Wagemut gelesen werden, aber sicherlich als eine Feier der Vitalität.
Early – sowohl auf der Seite als auch auf der Bühne – warnt davor, in Bezug auf Tiere sentimental zu werden. Stoppen Sie, sobald Sie kuscheln oder streicheln möchten, lautet die Botschaft, die dem kleinen Heldenjunge sein Tierpfleger-Vater beigebracht hat, der eine beliebte kleine Ziege an einen bengalischen Tiger namens Richard Parker füttert. Die Anweisung ist in einigen unbeholfenen Dialogen zu buchstabiert, wird aber in den Puppentieren verstärkt. Dies sind die wunderbaren Motoren des Abends, von dem Moment an, als Tim Hatleys schlichtes, gebleichtes Set aufbricht, um eine Giraffe zu zeigen, die durch das Fenster einer Krankenstation rutscht.
Diese Kreaturen – entworfen von Finn Caldwell mit Nick Barnes – haben Ecken und Kanten, ein fast provisorisches Aussehen, wie aus Treibholz, und wirken dabei unendlich elastisch; Caldwell ist auch der Bewegungsdirektor. Auf der Bühne von Puppenspielern manipuliert, bewegen sie sich schnell und flüssig, haben jedoch keine weichen Kanten. Sie sind keine Haustiere. Diese verehrte Ziege – genannt Buckingham – ist stämmig und munter; der mächtige Tiger, der ihn tötet, kräuselt sich mit äußerster Geschmeidigkeit – irgendwie vermittelt es eine außergewöhnliche Stille – aber man sieht auch die kantigen Ebenen seiner Schulterblätter, wenn er umherstreift. Es gibt keine Süße, sondern nur Genauigkeit, wie eine Ratte über ein Boot huscht und eine Schildkröte mit schwerfällig angeordneten Gliedmaßen durch die Wellen krallt.
Hiran Abeysekera ist der Held und das Herz des Geschehens. Mit schnellen Augen, schnellen Gliedmaßen, schnellen Stimmen erfüllt er alle Versprechen, die er in Peter Brooks gezeigt hat Der Häftling vor drei Jahren. Er ist Pi-Quadrat.
Maß für Maß ist ein immer wieder überraschendes Shakespeare-Angebot: ein Stück, das einen zum Text eilen lässt, um zu sehen, ob ein Regisseur etwas hinzugefügt hat, um die zeitgenössische Relevanz zu unterstreichen. Die zentrale Begegnung – in der Angelo, ein zeitweiliger Herrscher und ein Mann von scheinbar tadelloser Rechtschaffenheit, versucht, die Novizin Isabella ins Bett zu erpressen – hat schon immer Schauder hervorgerufen; in einem Post #MeToo-Publikum keucht es: „Bei wem soll ich mich beschweren? Habe ich das erzählt, wer würde mir glauben?“ Doch bei der Eröffnung der anregenden Produktion von Blanche McIntyre hatte sich der Fokus der Anerkennung erneut verschoben. Angelo hat gerade drakonische Maßnahmen eingeführt, um seinen Mitbürgern Keuschheit aufzuzwingen. Eine Regel für ihn, eine für den Rest des Landes. Ein beunruhigendes Gefühl der Vertrautheit schlich sich über die Stände.
McIntyre hat das Stück 1975 inszeniert und dies als eine Zeit sozialer Zerrüttung und eines verbleibenden christlichen Ethos betrachtet. Es ist ein Schalter, der dem Abend eine coole Überzeugung verleiht. Der zentrale Austausch zwischen Georgia Landers’ Vollkehle Isabella und Ashley Zhangazhas locker betiteltem Angelo ist stark. Ungewöhnliche Verdoppelungen unterstreichen die Doppelmoral des Stücks: Ishia Bennison knurrt als Sträfling und ist als Beamtin maßgebend. Die musikalisch gestimmte Eloise Secker ist eine coole Zuhälterin – raucht, überreicht einem Zuschauer ihre Visitenkarte – spielt aber auch zwei der Frauen, die selbst faktisch gepimpt sind. Am auffälligsten spielt Hattie Ladbury den Duke, der in jeder Hinsicht zweideutig ist: mit Kopftuch und Trenchcoat wie eine Sloane aufgestanden, aber leicht in ihre Verkleidung als Priester integriert; befehlend, klangvoll und doch selbstzweifelnd. Fragend gleitet sie durch ein Stück, das anfängt wie das Dilemma des Herzogs auszusehen: Wie kommt es dazu, dass sich die Dinge so entwirren?
Man kann sich das Sam Wanamaker Playhouse leicht als eine Art Pomander-Theater vorstellen, das jedem Stück seinen würzigen Duft verleiht. In keinem anderen Raum wird ein Publikum so warm umschlossen, schneller verzaubert – und dadurch schneller alarmiert. In McIntyres Händen wird es zu etwas anderem: eher zu einem strukturellen Gerät als zu einem atmosphärischen Gehäuse. Eine funktionierende Maschine. Der Herzog klettert auf die Galerie, um sich zu verstecken, während er das Geschehen darunter beobachtet. Kandelaber werden abgesenkt, um sich während eines Selbstgesprächs um einen Sprecher zu wickeln. Oh – und es sind die 70er: Die Beleuchtung geht aus, um Stromausfälle zu signalisieren.
Sternebewertungen (von fünf)
Das Buch des Staubs: La Belle Sauvage ★★★★
Life of Pi: Schiffbruch mit Tiger ★★★★
Maß für Maß ★★★★