HMenschen bestehen hauptsächlich aus Wasser. Dvořáks Nymphe, Russalka, die der neunten und schönsten Oper des tschechischen Komponisten ihren Namen gibt, ist ganz Wasser. Für den Mann, der in dem Waldsee schwimmt, in dem sie wohnt, ist sie nur eine weitere wässrige Welle. Ihre einzige Möglichkeit, ihn zu gewinnen, besteht darin, ein Mensch zu werden. In den hübschen Insignien eines slawischen Märchens, Russalka (1901) ist eine erschütternde Geschichte über die Gefahr des Versuchs, anders zu sein, als wir sind. Für ein Publikum von heute ist es auch eine Fabel über die Pflege des Planeten, auf dem wir leben. Ohne auf die Probleme einzuhämmern, vereinten sich all diese Elemente in der eleganten, manchmal minimalen, neuen Inszenierung der Royal Opera, dirigiert von Semyon Bychkov und Co-Regie, in ihrem Mainstage-Debüts von Ann Yee und Natalie Abrahami.
Von Anfang an deutete das Zerren und Necken des Orchesters an der traurigen Eröffnungsmelodie darauf hin, dass dies ein musikalisch fesselndes Ereignis werden würde. Bychkov ist unter anderem Musikdirektor der Tschechischen Philharmonie. Seine herausragende Stellung im Umgang mit Dvořáks Folk-inspirierten Rhythmen und Modi steht außer Frage. Die Besetzung war luxuriös: die litauische Sopranistin Asmik Grigorian, vielseitig und berührend in der Titelrolle, der britische Tenor David Butt Philip, ein intelligenter und musikalisch beeindruckender Prinz, mit Aleksei Isaev (Vodnik), Sarah Connolly (Ježibaba) und Emma Bell (die Herzogin) an der Spitze das tragende Ensemble. Im berühmtesten Moment der Oper, dem Lied an den Mond, zeigte Grigorian all ihre stimmlichen Farben, wobei sich das Orchester zart um jede Phrase wickelte und jedes Instrument – sinnliche Harfe, pochendes Horn, melancholische Klarinette – seinen eigenen Lichtstrahl warf.
Für Dvořák war der Einfluss von Wagner allgegenwärtig (umso auffälliger in einer Woche, in der ich hörte Das Rheingold). RussalkaDie Wood-Spirit-Schwestern von sind blasse Versionen von Rhinemaidens, aber die gesamte Klanglandschaft, die Dvořák mit ihrem gurgelnden Sog der Holzbläser erschafft, ist Welten von Wagner entfernt. Die Yee-Abrahami-Inszenierung – entworfen von Chloe Lamford mit Kostümen von Annemarie Woods und Beleuchtung von Paule Constable – beginnt mit einer naturalistischen Darstellung einer Unterwasseroase mit Wedeln und Blättern, die im Interesse der Nachhaltigkeit aus Stoffresten früherer ROH-Produktionen hergestellt wurden . Im Verlauf der Oper wird diese grüne Welt zerstört: Süßwasser wird zwangsläufig zu Abwasser, Wachstum zu Verfall, Überfluss zu trauriger Abwesenheit und Verlust. Ein Ansturm von Applaus begrüßte besonders das ROH-Orchester. Sie waren gleichberechtigte Sterne.
Stehlen Sie vom Dieb. Lust, aber nicht lieben. Unmoral nagt am Kern von Wagners Das Rheingold – Das Rheingold in der Version der English National Opera in einer neuen Übersetzung von John Deathridge – die erste Oper im Vierteiler des Komponisten Ring. Der Regisseur, Richard Jones, und der Dirigent, Martyn Brabbins, haben alle Unsicherheiten in der letzten Saison abgelegt Die Walküre (die zweite Oper im Zyklus). Das Fragezeichen, ob dieser Zyklus aufgrund der Finanzkrise von ENO abgeschlossen werden kann, schwebt als deprimierender Hintergrund für eine der stärksten Errungenschaften des Unternehmens in letzter Zeit.
Die Aktualisierung von Wagner ist keine Neuheit. Lycra, Shell-Anzüge, weißer Van: alles kommt mir bekannt vor. Der Unterschied besteht darin, dass Jones mit seinem Bühnenbildner Stewart Laing, der Choreografin Sarah Fahie und dem Lichtdesigner Adam Silverman Erzählung und Charakter in den Vordergrund stellt. Wenig schön ist der allgegenwärtige Fliegengittervorhang aus schwarzem Kunststoff, der ablenkend flimmert; oder in den seltsamen, bauchigen weißen Strukturen, die Walhalla sein könnten oder auf böse, umweltschädliche Tenside hindeuten, die auf dem Rhein schäumen. Wie in Russalkadie Entblößung der Natur ist ein grundlegendes Thema.
Zwei zentrale Figuren, der Gott Wotan und sein Erzfeind, der Nibelung Alberich, fungieren als unverwüstliche Säulen. Der kanadische Bassbariton John Relyea besitzt eine warme, würdevolle Stimmqualität, die Sympathie für diesen gierigen, egozentrischen Gott auslöst. Dagegen strotzt der britische Bariton Leigh Melrose als Alberich vor angespannter, muskulöser Energie: ein goldhungriger Chef, dessen Fließbandarbeiter Goldbarren wie Bomben herstellen. Als er seinen Fluch auf Wotan spuckt, bringt Melrose jede Silbe mit eisiger Wucht hervor. An anderer Stelle in der starken Besetzung stechen Christine Rices Star-Qualität Erda und John Findons Mime heraus. Frederick Ballentine vermittelt in einem Rollendebüt viel von den schlauen, hinterhältigen Eigenschaften von Loge, obwohl die Stimme noch ein wenig unverändert ist. Simon Bailey macht einen skurrilen und berührenden Fasolt. Ich hoffe, dass ENO einen Weg findet, den Kreislauf zu schließen.
Die Reaktion auf Details, die letzte Woche bekannt gegeben wurden, über Musik, die für die Krönung von König Charles im Mai in Auftrag gegeben wurde, war mit unvermeidlichem Nörgeln verbunden, nicht zuletzt, weil sie das immer leichte Ziel, Andrew Lloyd Webber, beinhaltet. Die Komponisten haben unterschiedliche Hintergründe und schreiben innerhalb einer breiten Tonsprache in unterschiedlichen Stilrichtungen. Alle haben eine bewährte Einrichtung für Chormusik, ein zentraler Grundsatz der Veranstaltung in der Westminster Abbey, und können enge Fristen einhalten. Der König hätte einen Beatbox-Komponisten wählen können oder jemanden, der in Klangspektren und unhörbar wechselnde Mikrotöne eintaucht. Stattdessen ist die Wahl ein durchdachtes Stück Intarsien, das zu Ort und Anlass passt. Ist das so doof?