ichWenn es sich anfühlt, als ob man sich für neue Musik nicht bewegen kann, dann sind Bücher über Pop nicht weit dahinter. Allein dieses Weihnachten brachte gewichtige Wälzer von Bono und Bob Dylan, Nick Caves Gespräche mit dem Schriftsteller Sean O’Hagan, Bez’ Autobiographie und das Buch des ehemaligen GQ-Redakteurs Dylan Jones über 1995. In den letzten Jahren wurden in Großbritannien zwei neue Imprints herausgebracht – Neun Acht und weißer Hase – beide betreiben reine Musiklisten innerhalb größerer Verlagsgruppen. Omnibus macht nach 50 Jahren immer noch weiter, und auch die großen Laienverlage haben Notenlisten. Das Musikschreiben hat seine eigenen Literaturfestivals – Lauter als Worte in Manchester, Ja schreiben! in Glasgow – und seine eigenen Preise.
Es gibt wahrscheinlich ein paar Gründe für diese Flut, schlägt Pete Selby, Gründer von Nine Eight, vor. „Vieles davon ist generationsübergreifend“, sagt er – daher neue Bücher von 90er-Acts wie Jarvis Cocker, Mogwais Stuart Braithwaite und Tim Burgess von den Charlatans, „deren Gedanken beginnen, alles zu Papier zu bringen“. Außerdem „war das Kaliber des Musikverlags noch nie so stark wie in den letzten 10 Jahren – die Messlatte liegt wirklich hoch, was als eigener sich selbst erfüllender Tugendkreis fungiert“.
Lee Brackstone, der Faber im Frühjahr 2020 verließ, um White Rabbit zu starten, bezeichnet Viv Albertines Clothes, Clothes, Clothes, Music, Music, Music, Boys, Boys, Boys im Jahr 2014 als einen Schlüsselmoment in diesem Aufschwung und beweist, dass ein Buch von relativ ist Obskurer Punkmusiker konnte Anerkennung gewinnen und Kopien verschieben. „Dadurch entstand die Idee, dass so ziemlich jeder seine Geschichte erzählen kann, wenn er ein guter Autor ist. Du musst nicht Bono oder Bruce sein.“ Heutzutage sind die Kulthelden-Memoiren ein fester Bestandteil des Marktes – Kim Gordon von Sonic Youth und Miki Berenyi von Lush haben beide gefeierte Bücher geschrieben, wobei Berenyis schonungslose Geschichte eine ganz andere Perspektive auf die angeblich glücklichen Tage des Indie der 90er bietet.
Da es schwieriger denn je ist, Bücher im Allgemeinen in die Läden zu bringen, bieten von Künstlern unterstützte Bücher – entweder Memoiren oder offizielle Bücher, bei denen die Fangemeinde mobilisiert werden kann – neue Wege, um das Publikum zu erreichen, sagt David Stock, kaufmännischer Leiter von Omnibus. Für Omnibus bedeutete dies in diesem Herbst ein Buch über den Jam, das von Schlagzeuger Rick Buckler mitverfasst wurde, die Autobiografie von Right Said Fred und Memoiren von Kid Congo Powers, Gitarrist von Cramps/Gun Club; und Karl Bartos, einst Kraftwerk.
In gewisser Weise haben diese Verlage ein Modell, das spezialisierten Wiederveröffentlichungslabels nicht unähnlich ist, die Boxsets mit vier CDs herausbringen, die geheimnisvolle Szenen dokumentieren, und ziemlich genau wissen, wie viele sie verkaufen werden. Wer ist also der Markt? Überwiegend sind es Menschen, die physische Produkte wollen, sagt Brackstone. Während ein Krimi 25-33 % seines Umsatzes mit digitalen Ausgaben erzielt, werden Musikbücher zu 90 % in gedruckter Form verkauft. Bedeutet das im Endeffekt, dass die Leserschaft im Grunde der alte Freund der Musikindustrie „50-Pfund-Typ“ ist? „Die Leute, die diese Bücher kaufen, sind, ja, weiße Männer mittleren Alters“, sagt Stock. „Das ist nicht derjenige, den wir zu erreichen versuchen – es ist nur ein natürliches Ergebnis dessen, worüber zu diesem Zeitpunkt geschrieben wird.“
Es ist auch ein Hinweis darauf, wer hinter den Kulissen steckt: Es kann sich anfühlen, als ob die überwiegende Mehrheit der Musikverleger weiße Typen mittleren Alters zu sein scheinen, die über die jugendlichen Abenteuer anderer weißer Typen mittleren Alters schreiben, für das Lesevergnügen anderer Mittlerer -alte weiße Kerle (und ja, das beschreibt mich perfekt und mein eigenes Buch Denim and Leather, über britischen Heavy Metal). Musikverlage folgen Trends, genau wie Belletristikverlage, daher können sich Formeln wiederholen – in den letzten Jahren waren es die Memoiren des Musikautors mit einer Wendung. Es ist auch derjenige, der es sich leisten kann, sie zu schreiben: Es gibt sehr wenig Geld für das Schreiben von Musikbüchern, es sei denn, Sie landen mit einem Überraschungshit oder Sie sind so berühmt, dass Sie einen Vorschuss von mehreren Millionen Pfund erhalten können. Sie müssen entweder Bücher am laufenden Band produzieren – selten ein Garant für Qualität – oder sich anderweitig selbst versorgen können.
„Es ist definitiv nicht so vielfältig, wie es sein sollte“, sagt Brackstone. „Das ist etwas, dessen ich mir wirklich bewusst bin. Wenn ich 14 bis 16 Bücher pro Jahr veröffentliche, sind zu viele von weißen Männern mittleren Alters. Daran besteht kein Zweifel. Es muss mehr Geschichten von Autoren geben, auf die diese Beschreibung nicht zutrifft.“
Und einige der besten Bücher der letzten Jahre waren das Gegenteil von alten weißen Typen, die die glorreichen Tage des Rock wiedererleben. Hannah Ewens’ Fangirls dokumentierte die Welt des Fandoms, eine der großen musikalischen Antriebskräfte des digitalen Zeitalters; Why Solange Matters von Stephanie Phillips von der Punkband Big Joanie war teils Biographie, teils kritische Analyse, teils Memoiren; Kelefa Sanneh zeichnete die Geschichte des Genres in Major Labels auf; Jessica Hopper hat in dem pointiert betitelten Buch ihr Lebenswerk anthologisiert Die erste Kritiksammlung einer lebenden Rockkritikerin.
Im Moment haben Musikbücher jedoch ihren Moment. Aber wie lange? Selby rechnet damit, dass dieser aktuelle Boom 20 Jahre andauern könnte. Brackstone beziffert es auf 10 bis 15. Warum wird es enden? Denn das jetzige Publikum werde sterben: „Sie sind alle im mittleren Alter“, sagt Brackstone. „An wen übergeben wir den Staffelstab?“
Fünf aktuelle Musikbücher, die es wert sind, gelesen zu werden
Gute Beute: Liebe und Sex, Schwarz und Weiß, Körper und Seele in der amerikanischen Musik von Ann Powers
Von einem der führenden Kritiker Amerikas, eine ehrgeizige und brillante Untersuchung des US-Pop, die Sex in den Mittelpunkt der Bedeutung von Musik stellt. Ihr zentrales Argument auf den Punkt gebracht: „Wir als Nation erkennen die Kraft der Sexualität durch Musik am wahrsten und offensten an.“
Dilla Time: The Life and Afterlife of J Dilla, the Hip-Hop Producer Who Revented Rhythm von Dan Charnas
Die seltene Biographie, die auch das Wie und Warum der Musik erklärt – was wichtig ist, denn für den Laienleser oder -hörer erschließt sie, warum Dilla eine so revolutionäre Figur war, und zeigt, warum jede Biographie über seinen Tod hinausgehen musste, um zu erzählen seine Geschichte.
Gebrochenes Griechisch von Pete Paphides
Das Vorbild der Musikschriftsteller-Memoiren-mit-einem-Twist, wobei der Twist darin besteht, dass das Buch nur die Kindheit von Paphides behandelt – aber es erklärt mit enormem Witz, Wärme und Pathos, warum Popmusik zu seiner lebensverzehrenden Leidenschaft wurde. Auch empfehlenswert für Fans von Büchern über Pommesbuden.
Before We Was We: The Making of Madness von Madness und Tom Doyle
Vielleicht die beste Bandbiografie aller Zeiten, da es weniger um die Gruppe als musikalisches Unterfangen geht, als vielmehr um die Sozialgeschichte eines kleinen Fleckens im Norden Londons in den 1970er Jahren. Sie werden eine Menge darüber lernen, wie man Schallplatten stiehlt und sich in Züge einschleichen kann. Ziemlich brillant, von Anfang bis Ende.
Ich von Elton John
Das Modell einer Blockbuster-Autobiografie (gehostet von Guardian-Musikkritiker Alexis Petridis). Lustig, aufschlussreich, derb und voller Anekdoten, die die Kiefer völlig hängen lassen, verdiente Elton mit Sicherheit seinen angeblichen Vorschuss von 10 Millionen Pfund für seine Offenheit.