EEdward Münch, in den Courtauld Galleries, ist eine starke Offenbarung. In gewisser Hinsicht könnte es kaum anders sein, da die meisten dieser Gemälde noch nie zuvor in diesem Land gesehen wurden. Sie wurden im 19. Jahrhundert von dem norwegischen Industriellen Rasmus Meyer gekauft, der Getreidemühlen in der Küstenstadt Bergen besaß und fest entschlossen war, dass die Einheimischen genauso gute Chancen haben sollten, den größten lebenden Künstler des Landes zu sehen wie jeder andere in Oslo. Und dort sind sie seitdem geblieben, in einer Stadt, die von Fjorden umgeben ist und den Shetlandinseln über die kalten Gewässer der Nordsee zugewandt ist.
Aber was verblüfft, ist nicht nur die Fremdheit der Gemälde, sondern auch der plötzliche Tag-Nacht-Wechsel. Sie sehen, wie sich Munchs Kunst in Meyers umsichtiger Sammlung mit außergewöhnlicher Geschwindigkeit und mit ungewöhnlicher Klarheit entwickelt. Es gibt nur 18 Werke, die sich über ein paar Jahrzehnte erstrecken, von den 1880er Jahren bis 1909, als Munch 46 Jahre alt war, aber jedes von ihnen ist ein Meisterwerk des energischen und theatralischen Elends.
Bis auf eines: ein frühes Gemälde, das bewusst als eine Art Einstiegspunkt am Eingang platziert wurde. Frühlingstag auf Karl Johan zeigt Oslos Hauptstraße, als wäre sie 1890 von einem anderen Künstler gemalt worden, der eine luftige Mischung aus Pissarro und Seurat versuchte. Kein einziges Zeichen sieht auch nur annähernd wie ein Munch aus. Doch dieselbe Straße, die nur zwei Jahre später vom anderen Ende dargestellt wurde, ist ein klassischer Alptraum von Skelettgesichtern mit seltsamen Hüten, die in der Abenddämmerung auf uns drängen, Gaslichter flackern in den fernen Fenstern.
Eine Figur steht abseits, eine schwarze Silhouette in der Dunkelheit – das charakteristische Alter Ego des Künstlers. Das Gemälde wird im Allgemeinen mit einer Passage aus seinem illustrierten Tagebuch in Verbindung gebracht, in der sich Munch als Einzelgänger darstellt, der in eine Frau verliebt ist, nach der er vergeblich auf den Straßen sucht. Du siehst seinen Schatten über den dunklen Garten fallen Haus im Mondlicht, eine unheimliche Form, die fast die Füße einer Frau berührte, die nur als lange weiße Schürze sichtbar war, der Rest von ihr von der mitternachtsblauen Farbe verdeckt. Der Nachthimmel ist ein unheimliches und arseniges Grün. „Wenn der Mond von Wolken verdeckt wird“, schrieb Munch, „ist er so geheimnisvoll.“ Der Sinn ist von einer zum Scheitern verurteilten und illegalen Affäre.
Dies gehört zu einer Gruppe von Gemälden, die von der Küstenstadt Åsgårdstrand inspiriert sind, wo Munch ein Sommerhaus hatte. Hier wirft die Mitternachtssonne ihr Halblicht entlang der Küste, taucht das Meer in geschmolzene Farbe und erzeugt verträumte Illusionen. Im Mondschein am Strandaus dem Jahr 1892, treten der Strand und der angrenzende Wald scharf in die Ferne und laufen auf einem Fluchtpunkt direkt unter einem gelben Mond zusammen (denken Sie an die Geometrie in Der Schrei). Darunter hängen wie eine Edelsteinkette vier weitere fahle, leuchtende Monde.
Die Åsgårdstrand-Gemälde stecken fest. Hier sitzt Munchs Schwester Inger zwischen glühenden Felsen am Ufer, ihr weißes Kleid glüht in der Dämmerung, die Farbe ist genoppt und dick wie ein Rembrandt. Hinter ihr schwimmt das Meer in lavendelfarbenen, malvenfarbenen und indigoblauen Wellen. Das Gemälde fesselt und verfolgt: Inger sieht in ihrem Mondkleid, einer Form, die so klar und ursprünglich ist wie die Felsen, totenbleich aus.
Dasselbe Ufer wird zur Bühne für Munchs berühmten Gemäldezyklus, bekannt als Der Fries des Lebens. Im Melancholiesitzt ein Mann allein auf dem dunklen Sand, den Kopf in der Hand, grübelnd und ängstlich, während sich der Strand in Richtung eines anderen Lebens bewegt. Frau in drei Stufen, am selben zeitlosen Strang angesiedelt, zeigt eine jungfräuliche Braut (möglicherweise verlassen?), eine von Munchs nackten Verführerinnen mit knisterndem rotem Haar und eine hagere Gestalt in Schwarz, deren Züge möglicherweise von Drogen oder der von Munch so obsessiv gefürchteten Syphilis verwüstet werden . Alles, was sie von der gespenstischen Präsenz eines Mannes trennt, der sich wie ein Skelett in einem Schrank ganz rechts im Bild befindet, ist ein Strang dunkelroter Farbe, der nichts so sehr ähnelt wie blutiges Ektoplasma.
Die Show ist so großzügig präsentiert und so sorgfältig beleuchtet, dass das Auge und der Geist genügend Zeit haben, Munchs außergewöhnliche Technik in sich aufzunehmen – die glänzenden Perlen- und Silberstriche, die hartnäckigen Windungen, die sickernden Flecken und die mit Heiligenschein versehenen Köpfe. Sie beginnen, die obersten Markierungen zu bemerken, die leicht skizziert sind, um Haarrisse und wacklige Vorgebirge anzuzeigen; die Art und Weise, wie Haare ein Eigenleben entwickeln, sich in psychedelischen Wirbeln um weibliche Gesichter winden, Männer mit dem Lasso einfangen, Paare kläglich aneinander spannen.
Allen voran Munchs sensationeller Ausschnitt. Stehen Sie in der zweiten Galerie, und Figuren scheinen direkt auf Sie zu zu marschieren und erschreckend nah an der Bildfläche auftauchend. Am seltsamsten ist das blauäugige Mädchen, das direkt auf den Maler zugegangen zu sein scheint – und den Rand des Rahmens. Hinter ihr liegen drei Jungen auf der Sommerstraße auf dem Bauch; haben sie sie gemobbt? Sie steht zwischen dem Mann und den Jungs, trotzig, beharrlich frontal und in der Taille kurz geschnitten, und wirft ihm einen anklagenden Blick zu. Ihre himmelblauen Augen sind ohne Pupillen dargestellt, die Farbe fast beunruhigend intensiv. In anderen Gemälden sind Augen nur durchdringende schwarze Punkte; manchmal gibt es keine Nase, keine Augenbrauen oder keinen Mund. Im Mann und Frauist das abgewandte Gesicht der weiblichen Figur unter einem Inferno aus feuerrotem Haar auf ein einziges zyklopisches Auge reduziert.
Es geht alles zur Hölle – oder doch nicht? Munchs Kunst zeigt eine so spektakuläre Darbietung von Angst, Isolation und allseitigem menschlichem Elend, dass man die Show nur genießen kann. Das letzte Gemälde hier ist ein Selbstporträt aus dem Jahr 1909, das nach einer Behandlung wegen eines Zusammenbruchs nach Jahren betrunkener Paranoia entstand. Es ist ein elektrisierendes Bild – alle unterbrochenen Linien aus reinen Farben schießen wie horizontale Interferenzen über einen Bildschirm: Zinnoberrot, Violett, Kobalt und Gelb. Doch Munch selbst sitzt ruhig unter ihnen, aufrecht und gefasst in einem adretten Dreiteiler; seine Geisteskraft und Kunst unverändert.
Es ist ein Zeugnis ihrer Beziehung, dass Meyer das Selbstporträt im Entstehungsjahr direkt von Munch kaufen konnte. Aber danach gab es keine Käufe mehr. Der Sammler starb wenige Jahre später im Ersten Weltkrieg. Munch lebte noch fast drei Jahrzehnte weiter und malte noch während des Zweiten Weltkriegs bis zu seinem Tod im Alter von 80 Jahren im Jahr 1944.