ichEs war ein schönes Jahr, um die Arbeiten von Künstlerinnen zu sehen, zu hören und zu riechen. Zu meinen Highlights der letzten 12 Monate gehören gewalttätige Installationen von Cornelia Parker; federleichte Drahtskulpturen von Ruth Asawa; alte Textilreste, belebt durch Familienbande in den Händen von Louise Bourgeois; Carolee Schneemanns gewagte Darbietungen von Sexualität, Gender und Krankheit; die fleischigen Flechtskulpturen von Magdalena Abakanowicz; die zerebralen Gemälde von Allison Katz; Wandteppiche und Tussockhügel aus farbigen Fasern von Sheila Hicks; und die schlauen Straßenfotografien von Vivian Maier.
Es gab Momente des Triumphs. Letzte Woche wurde Veronica Ryan als Gewinnerin des Turner-Preises aus einer rein weiblichen und nicht-binären Shortlist bekannt gegeben. Im April gewann Sonia Boyce einen Goldenen Löwen für ihre Ausstellung im britischen Pavillon auf einer Biennale in Venedig, bei der die großartige zentrale Ausstellung – Milk of Dreams – von Künstlerinnen, aktuellen und historischen, dominiert wurde.
Dies ist das fünfte Jahr, in dem mich ein Redakteur beauftragt hat, den gegenwärtigen Moment als einen großartigen Moment für Künstlerinnen zu besingen. In der Version, die vor vier Jahren geschrieben wurde, habe ich eine junge Kuratorin interviewt, die sich mit sozialen Medien auskennt und mit einem Instagram-Account namens The Great Women Artists Wellen schlägt. In der Zwischenzeit ist Katy Hessel zu einer Multi-Plattform-Sensation geworden, ihr Buch The Story of Art Without Men wurde gerade zum Waterstones-Buch des Jahres gekürt, und sie schreibt jetzt eine Kolumne für den Guardian.
Also … Arbeit erledigt? Sollten wir aufhören, uns Gedanken über das Geschlechtergleichgewicht in der Kunstwelt zu machen? Ist es wirklich ein großartiges Jahr für Künstlerinnen? (Können wir das Jahr, in dem Roe v Wade gestürzt wurde, als gutes Jahr für Frauen bezeichnen – Künstlerinnen oder andere?)
In ihrem Podcast Death of an Artist untersucht die Kuratorin Helen Molesworth die Kunst, das Leben und den Tod von Ana Mendieta, die 34 Stockwerke aus einem Fenster stürzte. Ihr Ehemann Carl Andre wurde wegen Mordes angeklagt. Molesworth, ein fesselnder Geschichtenerzähler, nutzt das True-Crime-Format, um Machtstrukturen in der Kunstwelt zu untersuchen und zu fragen, ob man Kunst jemals getrennt vom Künstler betrachten kann. Sie beschreibt den Prozess nach Mendietas Tod, in dem Andres Anwälte den in Kuba geborenen Künstler als heißblütigen Säufer darstellten, der sich mit okkulten Praktiken beschäftigte. Die Kunstwelt schloss die Reihen um Andre, der freigesprochen wurde und dessen Arbeiten weiterhin gezeigt wurden. Molesworth beschwört ein Milieu herauf, in dem das Vermächtnis des männlichen Genies über das Leben und Werk einer Frau gestellt wird.
Aber das war in den 1980er Jahren. Es hat sich doch sicher einiges geändert? Die letzte Folge des Podcasts wird von den Kunstautorinnen Charlotte Burns und Julia Halperin geleitet, deren Burns Halperin berichtet analysierte 2018 und 2019 Daten zu afroamerikanischen und weiblichen Künstlern. Trotz der weit verbreiteten Meinung, dass die Kunstwelt integrativer geworden ist, stellten sie fest, dass viele offensichtliche Fortschritte oberflächlich waren. Museumsankäufe von Werken von Künstlerinnen erreichten vor über einem Jahrzehnt ihren Höhepunkt und gingen dann zurück. Warum sind Museumsankäufe wichtig? Weil diese Kunst als wichtig genug erachtet wird, um sie zu konservieren. Ausstellungen sind temporär – sie spiegeln keine Veränderungen in der Sammlung eines Museums wider.
Der neue Bericht von Burns und Halperin wird diesen Monat veröffentlicht. War das also ein großartiges Jahr für Künstlerinnen? „Sagen wir mal so: Wenn das die Zahlen für männliche Künstler wären, würden sie als Krise angesehen werden“, sagen sie. „Insgesamt zeigen die Daten eine systemische Apathie und eine völlige Loslösung von der Tragweite des Problems, insbesondere bei Museen. Der Kunstmarkt hat in den letzten Jahren eine deutliche Verbesserung für Werke von Frauen erlebt, aber sie bleiben so stark unterbewertet, dass es Generationen dauern wird, bis sie aufgeholt haben.“
Für Burns und Halperin verschärfen feierliche Artikel das Problem: „Sie verkaufen eine verlockende Version der Realität, die leider falsch ist, und ermutigen die Leser, an einen Fortschritt zu glauben, der einfach nicht existiert.“ Anhand von Daten statt der vorherrschenden Stimmung „haben sie begonnen zu verstehen, dass die meisten Medienberichterstattungen über den Fortschritt in der Kunstwelt auf Emotionen beruhen“. Das Fazit für Burns und Halperin ist, dass sich die Kunstwelt für fortschrittlicher hält, als sie ist.
Letzte Woche veröffentlichte Zahlen von der Freelands Foundation erzählen in Großbritannien eine ähnliche Geschichte. Frauen und nicht-binäre Künstler machten 32 % der Werke aus, die 2021 für die Sammlung der Tate erworben wurden: eine kleine Verbesserung, die wenig dazu beiträgt, das historische Geschlechtergleichgewicht anzugehen. Die National Gallery erwarb 2021 vier Werke, alle von Männern.
Die Kunsthistorikerin Eliza Goodpasture argumentiert, dass es mehr als uneingeschränkten Enthusiasmus braucht, um sich einen Platz im Kanon zu sichern. „Es ist nicht so fortschrittlich, wie es scheinen mag, ‚Künstlerinnen’ über die Zeit hinweg als diese Kategorie zusammenzufassen, die sich von ‚Künstlerinnen’ unterscheidet“, sagt sie. Goodpasture wendet sich gegen die aktuelle Tendenz, Künstlerinnen in bestehende kunsthistorische Erzählungen zu „kopieren und einzufügen“, anstatt zu fragen, warum sie möglicherweise nicht in die bestehende Geschichte passen und warum es sich lohnt, diesen Unterschied zu untersuchen. „Es ist viel schwieriger, Dinge zu schreiben oder Ausstellungen zu kuratieren, die sich mit dieser Nuance auseinandersetzen. Ich finde es frustrierend, dass die Dinge, die wir über Künstlerinnen zu lesen und zu sehen bekommen, oft sehr ‚Girlboss-Feminismus‘ sind: Sie sind sehr marktfähig und weniger kritisch.“
In den letzten sieben Jahren hat die Freelands Foundation mit einem jährlichen Preis zur Unterstützung einer Ausstellung einer Künstlerin in der Mitte ihrer Karriere in einer Galerie außerhalb von London darauf gedrängt, das Kunstökosystem zu verändern. Zwei der vier Künstler auf der Shortlist des diesjährigen Turner-Preises – Ingrid Pollard und Veronica Ryan – wurden für ihre Freelands Award-Ausstellungen nominiert. Ich kontaktierte Pollard und Jacqueline Donachie, die erste Preisträgerin, um ihre Wirkung zu besprechen.
„Freelands hat für mich zweifellos einen großen Unterschied gemacht“, sagt Donachie. Die Organisation hat eine unterstützende Infrastruktur in London bereitgestellt und sich seit ihrer Ausstellung 2017 auf dem Fruitmarket in Edinburgh dafür eingesetzt, dass ihre Arbeiten in die Sammlung von Tate aufgenommen werden. Dennoch fühlt sie sich als in Glasgow lebende Künstlerin für die Londoner Kunstwelt und ihre kommerziellen Galerien unsichtbar. „Ich bin kommerziell nicht durchgestartet“, sagt sie.
Donachies Erfahrung wird von Pollard, der im Nordosten ansässig ist, wiederholt. Trotz eines baltischen Künstlerpreises, a Paul-Hamlyn-Preis, den Freelands Award und dieses Jahr eine Turner-Nominierung, wird Pollard nicht von einer kommerziellen Galerie vertreten. „Es gab schon immer diese Vorliebe für London“, bemerkt Pollard. „Galerievertretungen haben einen enormen Einfluss, weil Ihre Arbeit auch außerhalb Großbritanniens gesehen wird.“
Eine kommerzielle Galerie ist nicht nur für den Verkauf wichtig, sondern auch, um die Teilnahme eines Künstlers an Biennalen und institutionellen Ausstellungen zu unterstützen. Ohne die Unterstützung einer kommerziellen Galerie ist es weitaus unwahrscheinlicher, dass ein Künstler eine hochkarätige Ausstellung erhält. Während derzeit 66 % der Kunststudenten in Aufbaustudiengängen weiblich oder nicht-binär sind, sind 67 % der von kommerziellen Galerien vertretenen Künstler männlich.
Mit 69 Jahren ist Pollard lange genug dabei, um skeptisch zu sein, was ihre Turner-Nominierung bringen wird. „Ich warte ab, was danach passiert. Es hat eine Verschiebung gegeben – sicherlich öffnen sich die Dinge für jüngere Farbkünstler und nicht-binäre Künstler. Aber manchmal fühlt es sich so an, als wäre viel Luft in der Nähe und dann wird der normale Dienst fortgesetzt. Ich möchte nicht wie ein Wermutstropfen klingen: Es gibt Veränderungen. Ich hoffe, ich lebe lange genug, um zu sehen, wie es in 10 Jahren laufen wird.“
Gegen Ende des Jahres zieht Making Modernism, eine Ausstellung deutscher Künstler des frühen 20. Jahrhunderts, zu der auch Paula Modersohn-Becker und Käthe Kollwitz in ihrer rein weiblichen Besetzung gehören, Menschenmassen in die Londoner Royal Academy. Die Ausstellung ist „die erste Gruppenausstellung von Künstlerinnen, die die RA seit 1999 veranstaltet hat“, sagt Kuratorin Dorothy Price. Der Vorgänger vor 23 Jahren mit dem Titel Amazonen der Avantgarde sollte ein Wendepunkt sein. Aber es kam keine Wendung. So geht es: Die Arbeit, Frauen wieder in die Geschichte der Kunst zu bringen, war eine lange Arbeit mit „Höhen und Tiefen, Tälern und Gipfeln“.
Wenn wir aus der aktuellen Energie Kapital schlagen wollen, „müssen Institutionen mutiger sein: Sie müssen Risiken eingehen“, sagt Price. Und selbst wenn sie es sich nicht leisten können, Werke zu erwerben, „müssen sie diese Ausstellungen fortsetzen. Es kann nicht nur ein Strohfeuer sein.“
Price’s eigene Show ist das Ergebnis von 30 Jahren Lehre und Forschung. Keine der aktuellen Ausstellungs- und Wissenschaftswellen ist über Nacht entstanden. Es basiert auf über 50 Jahren intensiver Forschung früherer Generationen feministischer Kunsthistorikerinnen. Namhafte Gelehrte wie Griselda Pollock und Linda Nochlin haben die Namen ausgegraben, die Werke identifiziert und neue theoretische Strukturen für eine umfassendere Kunstgeschichte vorgeschlagen.
Ich fragte Pollock, ob sie dachte, es sei ein gutes Jahr für Künstlerinnen? Das sei keine interessante Frage, sagte sie mir, aber was sagt es über unsere Gesellschaft aus, dass wir es noch fragen müssten? „Denken Sie daran, wie viel Kreativität erstickt wurde, wie verarmt unsere Welt ist, wenn sie nur einseitig ist. Hinter dem Wort „Frauen“ verbirgt sich diese viel faszinierendere Komplexität: Jede einzelne ist ein einzigartiger Beitrag zum sich anhäufenden Reichtum dessen, was die Kultur als Möglichkeit bietet, unsere Welt zu verstehen.“
Gleichberechtigung ist nicht nur ein Ankreuzen von Kästchen. Das Streben nach Vielfalt in unseren Sammlungen und Ausstellungen ist wichtig, weil Kunst ein Ausdruck menschlichen Denkens und Erlebens ist. Eine Kunstwelt, die voreingenommen bleibt, spiegelt nicht nur den Reichtum der Gesellschaft nicht wider – sie drückt eloquent aus, wessen Ideen und Gefühle die Gesellschaft schätzt.