ichm Jahr 1968 hielt die Künstlerin Carolee Schneemann einen Vortrag am ICA in London, bei dem sie sich immer wieder aus- und neu ankleidete und dabei über einen ihrer großen Einflüsse als Künstlerin sprach. „Hat eine Frau intellektuelle Autorität?“ fragte sie damals. „Kann sie öffentliche Autorität haben, während sie nackt spricht und spricht?“ Die empörte Reaktion auf Schneemanns zeitweilige Nacktheit ließ die Bedeutung des Künstlers, über den sie sprach, eher in den Schatten stellen: Paul Cézanne.
Die Wahl war herzlich und wohlüberlegt. Der Einfluss von Cézanne ist in Schneemanns gebrochenen, entwickelten, sensationsgetriebenen frühen Gemälden, sowohl Landschaften als auch Akten, deutlich. Als zeichenverrücktes Kind suchte sie beim Stöbern in Kunstbüchern nach Inspiration vergeblich nach weiblichen Vorbildern. „Ich entschied, dass ein Maler namens Cézanne mein Maskottchen sein würde; Ich würde annehmen, dass Cézanne zweifellos eine Frau war – schließlich war das „anne“ darin weiblich“, schrieb sie 1975 in ihrer Broschüre Cézanne, She Was a Great Painter.
Es ist ein Klischee der Kunstwelt, bestimmte Persönlichkeiten als „Künstlerkünstler“ zu bezeichnen – diejenigen, die ihre Kollegen faszinieren, und diejenigen, die mit Werken folgen, die radikal, mysteriös und unangenehm sind – vielleicht niemand mehr als Cézanne. Nächste Woche, Tate eröffnet seine erste große Ausstellung seiner Arbeit in einem Vierteljahrhundert. Der Katalog beginnt mit einem Essay über die Zeitgenossen des Künstlers, die seine Werke gesammelt haben, darunter Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Mary Cassatt und Claude Monet. Camille Pissarro – der Cézanne als „kultivierten Wilden“ bezeichnete – besaß 19 Gemälde sowie Zeichnungen und Aquarelle.
Die Faszination hält an, und oft auf unerwartete Weise. „Als Cézanne den Mont Sainte-Victoire malte, ging er hinaus, um eine Beziehung zu einem Berg zu haben, um ihn praktisch mit seinen Augäpfeln zu lecken“, so der Maler Amy Silmann hat geschrieben. „In seinen Bildern existieren Menschen und Dinge gleichermaßen in geschmolzener Form. Seine Bilder sind die Aufzeichnung eines haptischen Sehens, ein endlos flimmernder Stoff aus Farbstrichen, der danach strebt, den Fluss der Empfindung selbst einzufangen.“
In seinem Essay Die Pixel von Paul Cézanne denkt der Filmemacher Wim Wenders über die Fähigkeit des Malers nach, eine Landschaft heranzuzoomen und das sichtbare Feld in Fragmente zu zerlegen. Für diejenigen von uns, die im digitalen Zeitalter leben, ist das Erweitern eines Bildes, bis es sich in Pixel aufteilt, ein alltägliches Phänomen: Mit Blick auf Cézannes Montaigne Saint-Victoire findet Wenders, dass das „Unergründliche“ nicht nur etwas ist, was wir jetzt alle digital machen können Technik „wurde damals zum ersten Mal nur mit einem Bleistift und ein paar Wasserfarben gemacht“, aber dass „er von dem, was er gemacht hat, so bewegt war, dass es für uns heute nicht mehr möglich ist. ”
1996, vor der letzten Cézanne-Ausstellung der Tate, veröffentlichte diese Publikation einen Artikel ihres neu ernannten Kunstkritikers Adrian Searle und fragte die damaligen Künstler, ob er als Vater der modernen Kunst angesehen werden könne. Am Vorabend dieser neuen Ausstellung haben wir dieselbe Frage gestellt und Künstler eingeladen, über seinen anhaltenden Einfluss zu diskutieren.
Ich bin mir nicht sicher, was „Vater der modernen Kunst“ bedeutet, aber ich liebe Cézanne. Ich mag die Gemälde von Hortense viel. Sie sitzt wie eine große Puppe seitlich auf ihrem Stuhl, die großen Hände im Schoß, es herrscht eine unangenehme Spannung zwischen Malerin und Dargestelltem. Die zartesten Gemälde sind von seinem Sohn Paul, seinem schönen Kopf und zarten Hals. Cézannes Bilder fühlen sich sehr aufregend an – sie lassen einen lange suchen, um zu versuchen, sie zu verstehen. Aber während ich dies schreibe, erinnere ich mich an die Badegäste, die Stillleben, die Montagne Sainte-Victoire, die Kartenspieler, seine Farbe, seine Schatten, und ich komme zu der Erkenntnis zurück, dass er der Ausgangspunkt für so viel nachfolgende Malerei ist.
Jede neue Generation findet etwas Frisches und Erstaunliches in Cézannes Vision. Sie inspiriert und entzieht sich, wirft Fragen auf und gibt keine Antworten. „Ma Petite Sensation“ [the phrase Cézanne often muttered] hat den Weg nach vorn geebnet.
1992 begann ich eine Reihe von Landschaften im südlichen Teil Mexikos in der großen Tradition von klare Luft Malen, wahrscheinlich die einzige „Cézannianische“ Episode meines Lebens. Nachdem ich ungefähr ein Jahr in der Sierra gewandert war, gab ich angesichts der Unmöglichkeit zu malen auf, ohne zu denken, dass ich malte, und mir zu erlauben, einfach in Intelligenz mit der Natur zu sein, in die ich eingetaucht war. Ich erinnere mich, dass ich Cézanne (bzw habe ich ihn gesegnet?), weil er mich davor bewahrt hat, mich mit dem Rätsel der Malerei auseinanderzusetzen.
2009 nahm ich an der Gruppenausstellung Cézanne and Beyond im Philadelphia Museum of Art teil, für die ich eingeladen wurde, einen Beitrag zu Cézannes Werk zu leisten. Meine Antwort auf die Einladung war, ein Originalgemälde von Cézanne mit Luftpolsterfolie zu verhüllen. Der Vorschlag war kein Akt ikonoklastischer Respektlosigkeit; es war ein Akt der Ehrerbietung und Hingabe.
Warum wird Cézanne von Künstlern besonders geschätzt? Ich denke, dass viele Versuche in seiner Praxis heikel sind und nur seine Gegenüber ihre Werte wahrnehmen können. Wenn ich Cézannes Werk betrachte, vernebele ich gerne meine Sicht, normalerweise durch Schielen, damit ich die Kompositionen ohne den chromatischen Aspekt sehen kann. So kann ich sehen, wie Cézanne durch unterschiedliche Tonalität Formen konstruiert.
Wie viele andere stimme ich zu, dass die Struktur von Cézannes Malerei eine seiner bedeutendsten Errungenschaften darstellt. Seine Art, den Bildraum wiederzugeben, ist sehr auffallend. Und ich bin besonders inspiriert von seinem analytischen Umgang mit Farbe. In seiner Malerei offenbart sich Farbe hauptsächlich durch Kontrast, während Form durch Farbe offenbart wird. Jedes einzelne Detail wurde berücksichtigt und durch einen präzisen und logischen Denkprozess unterstützt.
Direkt von einer Cézanne-Reproduktion zu arbeiten war die beste Malstunde, die ich je gemacht habe – zweimal habe ich versucht, eine Grisaille-Version von Gemälden der Montagne Sainte-Victoire zu machen – eine als Idee, über eine Schwarz-Weiß-Reproduktion seiner Arbeit zu fliegen aus einem Flugzeugfenster. Aufgrund seines Verständnisses von Ton und Farbton in der Malerei kann man nicht von einer reinen Schwarz-Weiß-Version aus arbeiten, damit das Gemälde das tut, was es im Original tut – er konnte zwei Farben nebeneinander stellen, die perfekt waren tonale Übereinstimmung – um also eine Version in Grautönen zu malen, musste ich jeden tonalen Pinselstrich erfinden, damit er die physische Arbeit im Originalbild erledigt.
Ich kann nicht glauben, dass seit der letzten Cézanne-Ausstellung in der Tate 25 Jahre vergangen sind – um seine Arbeiten zu sehen en masse für jeden Maler ist ein überwältigendes Erlebnis. Je länger man malt, desto außergewöhnlicher wird seine Leistung. Cézanne brachte die formalen Aspekte eines Gemäldes als künstlich zu neuen und schwindelerregenden Höhen und platzierte damit sein Werk als das wichtigste für die Malerei (mit einem großen P) im letzten Jahrhundert und allen noch kommenden.
Ein Stillleben ist weder ein Porträt noch eine Landschaft, aber es wurde und wird vielleicht immer noch als der kleinste Nenner innerhalb der Malerei als Disziplin angesehen. Als Cézanne es wiederbelebte, war seine Bedeutung so gut wie bedeutungslos. Ich vermute, dass die Vernachlässigung des Stilllebens es für Cézanne attraktiv machte. Es eröffnete ihm gewissermaßen eine Freizone, in der er ziemlich ungehindert experimentieren konnte. Andererseits könnte seine Wahl sogar ein hinterhältiges politisches Statement gegen die urbaneren, weltlicheren und banaleren Themen in der Malerei seiner Zeit gewesen sein, da die Früchte lokal angebaut und die Töpferwaren aus Ton aus der umgebenden Landschaft hergestellt wurden. Alles in allem denke ich, dass Cézannes Suche nach der Bestätigung seiner eigenen Ewigkeit war, angetrieben von einer monumentalen Beharrlichkeit.
Die Ironie ist, dass Cézanne durch die Verwendung der bescheidensten und unwichtigsten Motive – wie eines Apfels – die Darstellung im Alleingang knacken konnte.
Was ist mit der Dauerhaftigkeit, die Cézanne anstrebte? Steckt in den Bildern, die er gemacht hat, noch etwas Wichtiges für uns? Tragen sie ihr Alter leicht? Pablo Picasso erklärte für ihn: „Es gibt keine Vergangenheit oder Zukunft in der Kunst. Wenn ein Werk nicht immer in der Gegenwart leben kann, darf es überhaupt nicht berücksichtigt werden.“ Künstler, die glauben, dass ihre Arbeit alle wichtigen Kriterien erfüllt, die von Museen hochgehalten werden, müssen dies verinnerlichen, um durchzuhalten.
Im Jahr 2022 haben wir jedoch die revolutionäre Phase der Kunst weit hinter uns gelassen, als die Bedingung der Malerei als wesentliche Darstellungsweise heftig bestritten wurde. Heutzutage wird jedes Bild, das gemacht wird, so präsentiert, als ob es einen Anspruch auf Relevanz hätte. Niemand betrachtet die Natur oder das Selbst als Quelle der Offenbarung in der Kunst, wie es Cézanne tat. Heutzutage lernen Künstler das Malen nicht einmal, indem sie andere Gemälde kopieren. Die Untersuchung von Bildern von Gemälden scheint ausreichend zu sein. Trotzdem hat die Kunst des Malens nach einem Rückzug aus dem Können und einem erneuten Autoritätsverdacht wieder fast mystische Untertöne angenommen.