Von den vielen Themen, die von In the Black Fantastic, einer neuen vom Afrofuturismus inspirierten Ausstellung in der Hayward Gallery, angesprochen werden, ist die Auseinandersetzung mit dem schwarzen Körper vielleicht das nachhallendste.
Nehmen Sie Chain Reaction, einen dramatischen neuen Auftrag des amerikanischen Bildhauers Nick Cave, bei dem Abgüsse des Arms des Künstlers, die sowohl in Einheit als auch im Kampf miteinander verbunden sind, von der Decke hängen und die Finger nacheinander greifen. An anderer Stelle ragen Cave’s Soundsuits – farbenfrohe Kostüme, die Gesicht und Körper des Trägers bedecken – mit beunruhigender und doch feierlicher Inbrunst auf. In Bewegung, im Rahmen von Caves Performances, sorgen sie dafür, dass der schwarze Männerkörper gesehen wird. Es ist kein Zufall, dass Caves erster Soundsuit 1992 nach der Prügelstrafe von Rodney King in Los Angeles entstand. Soundsuit 9:29, die neueste Version, die hier gezeigt wird, ist eine Hommage an George Floyd und die Zeit, in der der ehemalige Polizeibeamte von Minneapolis, Derek Chauvin, auf seinem Nacken kniete. Für Cave ist die Aufnahme von Raum und Klang eine Form des Protests und ein Mittel, sich neue Realitäten vorzustellen.
Mit ihrer hoffnungsvollen, sprudelnden Energie ist diese Sammlung von Werken von 11 zeitgenössischen Künstlern aus der afrikanischen Diaspora wichtig, weil sie einen Ausblick auf den weiteren Weg bietet. Es verkörpert die Botschaft des Afrofuturismus, ein Begriff, der erstmals 1993 geprägt wurde, um eine Bewegung zu beschreiben, die versucht, das stagnierende Klischee von Afrika als einem Kontinent des Elends und der Unterdrückung zu entwurzeln, auseinanderzunehmen und neu zu erfinden, indem sie sich eine neu selbst definierte Macht über ein zukünftiges Ideal vorstellt und Bild, das die unendlichen, fantastischen Möglichkeiten der Schwarzen Zukunft erforscht.
Wie Cave nutzen auch Hew Locke und Lina Iris Viktor ihren Körper. Viktors vergoldete Kosmologien vereinen Fotografie, Malerei und Skulptur, um eine imaginäre Geschichte Liberias zu erschaffen, aus der ihre Familie stammt. Liberia wurde 1847 von freien Afroamerikanern gegründet, und so wird symbolisch die Vorstellung einer „Rückkehr“ nach Afrika navigiert, die für viele Schwarze mit inhärenten Problemen verbunden ist. Die liberianische Gesellschaft würde dann viele Merkmale der europäischen Kolonialisierung assimilieren, weshalb Viktors Liberia zu einem verlorenen Paradies wird. Wo liegt Mulciber? Viktor inszeniert sich sowohl als Priesterin als auch als Abolitionistin – in der vergoldeten Möglichkeit der Emanzipation. Lockes Fotoserie How Do You Want Me? parodiert die exzessive Porträtmalerei in Herrenhäusern, die der Künstler umfunktioniert, indem er seinen eigenen Körper vor den Hintergrund traditioneller guyanischer Häuser wirft, die mit unheimlichem, kunstvollem Pomp und Insignien geschmückt sind. Macht ist so zerbrechlich wie die billigen Plastikmangos, die diesen selbstgestalteten Helden um den Hals hängen.
Wangechi Mutus The End of Eating Everything bietet etwas anderes: eine kosmische Animation, die mich an Goyas Saturn Verschlingt Seinen Sohn erinnert. In Mutus Werk ragt ein fliegendes Monster mit humanoidem Körper und scharfen Haarsträhnen in dichtem grauem Rauch auf. Als sie auf einen Vogelschwarm trifft, schluckt und frisst sie sie, bevor sie in weiterer Asche implodiert. Eine offensichtliche Lesart warnt uns vor Überkonsum, aber vielleicht ist hier auch etwas dran am römischen Mythos von Saturn, der seine Nachkommen aß, nachdem Gaea prophezeit hatte, dass er von seinen Kindern gestürzt werden würde. Ist die Welt so zutiefst unsicher, so festgefahren im Treibsand des Egos, dass wir lieber uns selbst zerstören – uns selbst und damit unsere Zukunft verschlingen – als uns zu ändern?
Kara Walkers aus Papier geschnittene Bastelphantasien enthüllen die rassistische Geschichte der USA mit der skurrilen Nostalgie der Schattenpuppensprache. Während diese mutigen, gequälten Charaktere ein alptraumhaftes Drama an strahlend weißen Wänden erzählen, führt Cauleen Smith im Raum nebenan utopische Möglichkeiten ein, indem sie sentimentale Objekte auf Videoaufnahmen von Landschaften projiziert, um nach Transzendenz zu streben.
Neue und imaginierte Welten sind wichtig. Ellen Gallagher taucht tief in Drexciya, das mythische Schwarze Atlantis, ein. Ganz in der Nähe teleportiert sich Chris Ofili durch Geschichte und Mythologie, ruft Szenen aus der Bibel und Homers Odyssee ab und bringt sie nach Trinidad, wo der Künstler seit 2005 lebt Migration auf die Diversifizierung der Kultur und die Geburt neuer Kulturen und Geschichten?
Rashad Newsomes Build or Destroy ist ein passender Abschluss der Show. Es zeigt eine schillernde, juwelenbesetzte Tänzerin, die sich in Mode bringt, während Feuer die fiktive Landschaft hinter ihnen verschlingt. Das symbolisiert er sicherlich Die Erde befindet sich in ihrer Flop-Ära und zweifellos das hervorrufen „Das ist in Ordnung“-Meme die die sozialen Medien in den letzten Jahren verschlungen haben, während wir uns gemeinsam durch verschiedene Krisen weltweit bewegen. Mit Newsome treffen sich Popkultur, traditionelle afrikanische Skulptur und die schwarze queere Community an einem Höhepunkt.
Für all das vielfältige Material, das gezeigt wird, gibt es eine starke Botschaft zum Mitnehmen. Wenn wir uns in Richtung eines wirklich bewegen wollen entkolonialisierte Kunstwelt Dann müssen wir erkennen, dass es nicht erforderlich sein sollte, dass ein Künstler genau oder wiederholt in eine Kategorie passt – insbesondere in solche, die durch Geographie, Geschlecht oder eine andere flache Definition eng definiert sind. Es sollte auch Künstler nicht in kunsthistorische Bewegungen und Philosophien hineinschleudern, die ihre vollen menschlichen Erfahrungen leugnen. Wir müssen den Insignien des Kanons widerstehen. Ausstellungen wie diese zeigen uns wie.