“HEr hat in seinem Leben noch nie ein Gemälde verkauft, in Hütten gelebt und ist dennoch im Wert von etwa 100 Millionen Dollar gestorben“, sagt Anthony Williams, Vorsitzender der Boris Lurie Art Foundation, bei einer Pressevorschau für Boris Lurie: Nothing to Do But Try. „Er war“, sagt er später seufzend, „ein komplizierter Mann“.
Das Paradox der Lebensumstände von Boris Lurie ist nur eine Kontur im tragischen und faszinierenden Leben des Malers, Illustrators, Bildhauers, Tagebuchschreibers, Mitbegründers der No!art-Bewegung und KZ-Überlebenden, dessen Arbeiten im Museum ausgestellt sind des jüdischen Erbes – Ein lebendiges Denkmal für den Holocaust in Lower Manhattan.
Die Ausstellung ist die erste zeitgenössische Kunstschau in der 24-jährigen Geschichte des Museums. Die Schönheit und das Grauen der fast 100 Stücke, von denen die meisten 1946 in rasantem Tempo entstanden und seitdem Luries „War Series“ heißen, finden neben der Kernsammlung des Museums von Holocaust-Zeugnissen und Judaica einen angemessenen Rahmen Gedenkgarten, der von Andy Goldsworthy entworfen wurde, und die Heimat des National Yiddish Theatre Folksbiene, der am längsten ununterbrochen produzierenden jiddischen Theatergruppe der Welt und der am längsten ununterbrochen produzierenden Theatergruppe jeder Sprache in den Vereinigten Staaten.
„Dies ist eine andere Art von Zeugnis“, sagt Museumspräsident Jack Kliger über die oft alptraumhaften und verstörenden Bilder, die ausgestellt werden.
Lurie wurde 1924 in Leningrad, dem heutigen St. Petersburg, geboren, aber seine Familie zog im Alter von zwei Jahren nach Riga in Lettland. Als er 16 Jahre alt war, besetzten die Nazis die Stadt, und nach kurzer Zeit im Rigaer Ghetto gehörten die Menschen, die ihm am nächsten standen – seine Mutter, Großmutter, Schwester und Freundin – zu den 25.000 Menschen, die im Rumbula-Wald ermordet wurden.
Der junge Boris und sein Vater wurden als Zwangsarbeiter in Fabriken (ua für Lenta, Herstellung von Luxusgütern für die Nazis) gezwungen, in das Konzentrationslager Salaspils bei Riga, dann über eine tückische Bootsfahrt nach Stutthof bei Danzig gebracht und schließlich das Außenlager Magdeburg bei Buchenwald. Hier arbeiteten sie als Arbeiter bis zur Befreiung der Lager. Nach dem Krieg arbeitete Boris im United States Counter Intelligence Corps und emigrierte dann nach New York City.
Er stürzte sich sofort in seine Arbeit, obwohl er fast keine formale künstlerische Ausbildung hatte. Der zentrale Abschnitt von Nothing to Do but Try – ein Satz, der in den Memoiren des Künstlers über seinen eigenen Autodidaktismus zu finden ist – enthält eine Reihe hastig gezeichneter Skizzen, die aus Notizbüchern gerissen wurden, von denen viele, sagt Kuratorin Sara Softness, die meiste Zeit seines Lebens privat gehalten wurden . Die Breite des zusammengestellten Konvoluts umfasst sogar den Schriftzug „eine mit Sojasauce befleckte Serviette“.
Die Bilder sind Erinnerungsblitze an seine späte Jugend, unterbrochen von Nazi-Gräueltaten: Gebäude in Flammen, bewaffnete Truppen, Zwangsdurchfahrten. Man findet wiederkehrende Themen, wie verlängerte Arme (die auf einen Hitlergruß hindeuten können, aber auch einen geliebten Menschen, der sich ausstreckt, um Kontakt aufzunehmen), gesichtslose Männer mit einem X auf dem Rücken und unheimliche, beunruhigende Bäume mit knorrigen Ästen, die bereit aussehen, jemanden vom Boden reißen.
Die Gemälde aus dieser Zeit rufen ein wahres Grauen hervor. Der Appell im Konzentrationslager mit seinem dunklen, wirbelnden Himmel und dem höllisch rostfarbenen Boden zeigt eine Reihe gequälter Seelen, deren Gesichter bis zur Unkenntlichkeit verzerrt sind. (Einer, der den Betrachter direkt ansieht, sieht fast aus wie der klassische Max Schreck Nosferatu.)
Ähnlich auffallend – als ob der Titel nicht genug wäre – ist Portrait of My Mother Before Shooting, in beigem Monoton gehalten, nur vage genug, um unerreichbar zu sein. Erinnerungsstücke in der Ausstellung deuten darauf hin, dass sie am härtesten daran gearbeitet hat, die Familie trotz aller Widrigkeiten zusammenzuhalten, und sogar in der Nacht vor der Ermordung der Lurie-Frauen eine Dinnerparty veranstaltet hat. Neben dem Gemälde Ohne Titel (Ludzas Street 37), dem letzten Zuhause der Familie (und in der Nähe seiner Freundin), gibt es den Hinweis, dass Lurie für den Rest seines Lebens „Bankette immer gehasst“ habe.
Einige der Arbeiten, die in dieser Ausstellung auf War Series folgten, umfassen ein faszinierendes Gemälde ohne Titel aus dem Jahr 1970, das im Dialog mit dem Porträt seiner Mutter arbeitet. Das mit Hellblau akzentuierte menschliche Gesicht ist verschwommen und verzerrt, fremd und skelettartig, was wahrscheinlich die trübe Erinnerung eines Erwachsenen bedeutet, der sich an die letzte Erinnerung eines geliebten Menschen klammert, die ihm noch in jungen Jahren genommen wurde.
Es gibt auch große Fotos von Lurie, der 1975 Riga besuchte und den Ort des Massakers von Rumbula besuchte. Die Bilder sind ein wenig aus dem Gleichgewicht geraten, angeblich wegen seiner zitternden Hände, als er durch die geisterhafte Gegend ging. Die neueste Arbeit in der Ausstellung heißt Axe Series, eine Sammlung von Holzstümpfen und alten Werkzeugen, wahrscheinlich ein Spiegelbild der Arbeit, die er und sein Vater geleistet haben, um in den Nazi-Lagern zu überleben.
Etwas beschönigt in dieser Ausstellung ist Luries Arbeit mit der No!art-Gruppe, einer radikalen und konfrontativen Bewegung, die 1959 begann. Ihre Ausstellungen trugen einprägsame Titel wie The Doom Show und The Vulgar Show. Wie Anthony Williams von der Lurie Art Foundation mir gegenüber prahlte, gab es einige Schwierigkeiten, Luries Scheißskulptur durch den Zoll zu einer kürzlichen Ausstellung in Berlin zu bringen.
Wo Lurie in die Kunstszene des 20. Jahrhunderts passt, wird mit Hilfe der Stiftung, die 2009, ein Jahr nach dem Tod des Künstlers, gegründet wurde, noch immer definiert. Obwohl er im Elend lebte – sein heruntergekommenes East Village Studio wird als „mein New Yorker Surrogat Riga Ghetto“ beschrieben – war Lurie am Ende seines Lebens tatsächlich äußerst reich. Dies lag zunächst an einigen Investitionen in New Yorker Immobilien. „Er hatte ein Stück Ansonia“, sagt Williams und meint damit den wunderschönen Apartmentkomplex an der Upper West Side, in dessen Keller zeitweise die legendären Continental Baths untergebracht waren. Später engagierte er sich in Penny Stocks, wobei er sich auf Mobiltechnologie in Märkten der Dritten Welt konzentrierte. Dies erwies sich als unglaublich erfolgreich, daher das große Glück zum Zeitpunkt seines Todes.
Während seiner Karriere hat er kein einziges Mal „ein beachtliches“ Kunstwerk verkauft, und er habe sogar Käufer davon abgehalten, wenn ein Geschäft kurz vor dem Abschluss stand, so Williams. Er schlief tagsüber und arbeitete nachts, und einige seiner Freunde fragten sich, ob er in gewisser Weise versuchte, sein Leben in Buchenwald nachzubilden.
„Diese Ausstellung“, sagt Kuratorin Sara Softness, „denkt wirklich über sein verheerendes Gefühlsleben nach und wie er in die Welt hinausging – alles unweigerlich geprägt von seinem Trauma.“