AJubiläen bieten eine Chance zur Aufarbeitung. Fünfzig Jahre später der Tod von Noël Coward, ist die Frage wert, ob er als Dramatiker heute noch zu uns spricht. Sie haben vielleicht gedacht, dass seine Welt verblasst sei, aber die Wahrheit ist, dass Coward zwischen 1924 und 1941 fünf Komödien schrieb – Heuschnupfen, Privatleben, Design for Living, Present Laughter und Blithe Spirit – die regelmäßig wiederbelebt werden. Sie mögen wie eskapistische Ablenkungen aussehen, aber ihre strukturelle Symmetrie, verbale Präzision und Möglichkeiten für Schauspieler machen sie zu Bankern, die den Status kleiner Klassiker erreicht haben.
Aber anstatt auf die berühmten fünf einzugehen, denke ich, dass es sich lohnt zu fragen, ob Coward mehr zu bieten hat als die Beherrschung des gesteppten Spaßes und ob wir seine etwa 50 Stücke breiter fächern sollten. Oliver Sodens ausgezeichnete neue Biografie Masquerade offenbart Coward als ein komplexeres Individuum, als wir angenommen hatten: Soden deutet sogar an, dass in seiner Kombination aus manischer Aktivität und tiefer Melancholie ein Hinweis auf das lag, was wir heute als Bipolarität kennen. Sheridan Morley, der erste Biograf von Coward, nannte sein Buch A Talent to Amuse. Aber während Coward sich der Welt gerne als nachrichtenloser Entertainer präsentierte, war er ein mit erhobenem Zeigefinger schwingender Prediger und gelegentlich bissiger Satiriker. Sie könnten tatsächlich eine alternative Studie über Feigling mit dem Titel A Talent to Abuse schreiben.
Ich habe kürzlich vier frühe Coward-Stücke erneut gelesen, die meine Vorstellung bekräftigen, dass er weit mehr als ein liebenswürdiger Narr war. Sein erster großer Erfolg, The Vortex, uraufgeführt 1924, wirkt wie ein Kammerspiel über eine intensive Mutter-Sohn-Beziehung. Es ist tatsächlich in Kürze in Chichester wiederbelebt werden mit einer echten Mutter und einem Sohn – Lia Williams und Joshua James – in den Hauptrollen. Aber während die letzte Konfrontation offensichtliche Echos der Schrankszene in Hamlet hat, fühlt sich das Stück auch wie eine Verurteilung der Raserei und Hysterie des Jazz-Zeitalters an.
Nicky Lancaster, der drogensüchtige Held, sagt an einer Stelle: „Wir wirbeln in einem Strudel der Bestie herum“, und wir werden daran erinnert, dass der Titel sich auf einen Strudel bezieht, der seine Opfer verschlingt und absorbiert. Der Vortex brachte Coward den Erfolg, den er sich ersehnte, und er folgte ihm mit dem allseits beliebten Hay Fever. Aber in derselben produktiven Zeit schrieb er das übersehene Easy Virtue: scheinbar ein Stück aktualisiert Pinero in dem eine zwielichtige Dame mit Vergangenheit in Konflikt mit ihren starken Schwiegereltern gerät.
Was heute auffällt, ist Cowards heftige Verurteilung von gesellschaftlichen Konventionen, sexueller Unterdrückung und Spießbürgerlichkeit der Oberschicht. Beim Rückblick auf die letzte große Wiederbelebung in Chichester im Jahr 1999 sagte ich, dass das Stück seltsame Ähnlichkeiten mit John Osbornes Look Back in Anger hat, da es einen Protagonisten zeigt, der in der umgebenden Welt keinen ansprechenden Akkord findet, und dass die sympathischste Figur ein pensionierter Colonel war, der repräsentierte einen verschwundenen edwardianischen Anstand.
Der wohl merkwürdigste der frühen Feiglinge ist Semi-Monde, der 1926 geschrieben, aber bis 1977 nie aufgeführt wurde, als Philip Prowse eine prächtige Produktion für die Glasgow Citizens aufführte. Dies ist Feigling in seiner selbstbewusstesten zynischen Form, wenn er die Oberflächlichkeit einer Gruppe von Prominenten zeigt, die durch die Lounge des Ritz Hotels in Paris ziehen. Mit seiner 28-köpfigen Besetzung ist das Stück unhandlich, aber was einen beeindruckt, ist Cowards vernichtendes Porträt der Unbeständigkeit seiner vielen schwulen, lesbischen und bisexuellen Charaktere. Cowards eigene Neigungen waren nie in Zweifel, aber man könnte aus diesem glitzernden Kaleidoskop schließen, dass er der Meinung war, Homosexualität sei etwas, das praktiziert, aber nicht gepredigt werden sollte.
Das wildeste dieses frühen Quartetts ist Post-Mortem, das 1930 geschrieben und in einer verkürzten Fernsehversion und einer Wiederaufnahme im Londoner King’s Head zu sehen war. Es wird allgemein als Antikriegspolemik bezeichnet. Da es um einen 1917 getöteten Helden geht, der als Geist zurückkehrt, um zu sehen, wie das Kriegsopfer in Frieden verschwendet wurde, ist es wirklich ein Angriff auf Cowards eigene Zeit. Außergewöhnlich ist die Breite des Angriffs: Kirche, Staat, eine verlogene Presse geraten alle unter Cowards kritisches Feuer in einem Stück über das, was in einer Skizze von Beyond the Fringe als The Aftermyth of War bezeichnet wurde. Es ist danach keine Überraschung, dass der Kritiker des Observer, St. John Greer Ervine, Coward einen „Savonarola im Abendkleid“.
Ich behaupte nicht, dass dies die ganze Wahrheit über Coward ist: Einfach, dass wir, indem wir uns so sehr auf sein unvergleichliches Komödienquintett konzentrieren, die Vielfalt seiner Arbeit und seine frühe Rolle als überraschend vehementer sozialer Satiriker ignorieren. Während ich mich für seine Stücke der 20er und 30er Jahre einsetze, würde ich akzeptieren, dass er als Dramatiker nach dem Zweiten Weltkrieg einen steilen Niedergang erlebte. Aus seinen Tagebüchern geht hervor, warum er nicht akzeptieren kann, dass sich die Welt verändert hat: „Es ist entsetzlich zu glauben, dass unsere Verbündeten und Feinde sehen können, wie wir den Mann rausschmeißen, der uns so großartig durch diese schrecklichen Jahre geführt hat“, schreibt er von Churchills Wahlniederlage 1945.
Der einst radikale Feigling wurde zu einem sklerotischen Reaktionär, aber während Nachkriegsstücke wie South Sea Bubble und Nude with Violin heute nicht mehr wiederzubeleben sind, gibt es ein spätes Werk, das einen weiteren Blick wert ist. Dies ist A Song at Twilight, uraufgeführt im Jahr 1966, in dem Coward mitfühlend einen berühmten Schriftsteller betrachtet, der gegen Ende seines Lebens von einer Ex-Geliebten geoutet wird. Der Feigling, der das schwule Leben in Semi-Monde bissig dargestellt hat, plädiert hier für sexuelle Toleranz und argumentiert, dass der Held, indem er eine Lüge lebt, sein Talent rücksichtslos verstümmelt hat. Es ist ein ibsenitisches Thema und eine bewegende Coda zu Cowards Karriere. Es bestätigt auch die grundlegende Wahrheit eines Kommentars des verstorbenen Irving Wardle, dass „Cowards Stücke trotz ihres authentischen Glanzes und Verzichts auf jeden Zweck, der über die Unterhaltung hinausgeht, zu den ernsthaftesten moralischen Werken gehören, die man irgendwo im modernen Drama finden kann“.