Noguchi-Rezension – der lebenslustige Bildhauer | Entwurf

ichWenn Isamu Noguchi (1904-88) kein Designer war, blieb seine Arbeit als Bildhauer meist in Vergessenheit. Es zeigt sowohl eine schöne Sensibilität für Materialien als auch ein informiertes Bewusstsein für andere Künstler seiner Zeit – Brancusi (für den Noguchi kurz arbeitete), Picasso, Duchamp, Calder, Max Ernst. Es ist poliert und gut komponiert. Aber seinen Skulpturen fehlt es an Dringlichkeit. Sie lassen einen nicht glauben, dass es für ihren Schöpfer um Leben oder Tod ging.

Wäre er kein Bildhauer gewesen, wäre Noguchis Arbeit als Designer weniger interessant. Er war weder ein Pionier neuer Produktionstechniken wie Charles und Ray Eames, noch hat er sich mit den Herausforderungen der Massenfertigung auseinandergesetzt. Seine berühmtesten Stücke waren Lampenschirme, in denen traditionelle japanische Handwerkskunst angepasst wurde, um sowohl perfekte Kugeln als auch die Freiformformen der westlichen abstrakten Kunst der Mitte des Jahrhunderts zu schaffen. Auch ein Couchtisch, der (ohne eigenes Verschulden) ein Innenarchitektur-Klischee – eine dreikantige, an den Ecken gewölbte Glasscheibe, die fast lässig auf einem Holzträger ruht, der wie eine verkleinerte Monumentalskulptur wirkt.

Die Formen dieser Haushaltsgegenstände wären weniger überzeugend und willkürlicher gewesen, wenn er sie nicht zuerst in der Bildhauerei erforscht hätte. So bekommst du Stücke wie die Akari BB3-33S Licht von 1952-4, dessen Schirm aus Papier und Bambus an die Hörner eines Picasso-Minotaurus erinnert und auf einer schlanken Metallstange befestigt ist, die sich aus einem dichten Metallsockel erhebt. Es könnte etwas von einer stehenden Giacometti-Figur in seiner prekären Magerkeit sein. Es gibt einen Hinweis auf die seltsamen Versionen der Natur, die Noguchi und andere Künstler in einem von Albert Einstein neu konzipierten Universum gefunden haben. Das Licht erkundet sicherlich seine Faszination für Gewicht und Leichtigkeit. Egal, es ist schön.

Als aktuelles der Barbican Art Gallery Noguchi-Ausstellung verrät, seine größten Gaben waren sein Auge und seine Berührung. Sie ermöglichten ihm zum Beispiel, seine Prismatische Tische von 1957, in dem er mit der Fähigkeit dünner Aluminiumbleche (gefaltet) spielt, Substanz zu suggerieren, und sie dann mit einer nicht offensichtlichen, aber makellosen Farbwahl bemalen lässt. Er konnte Basalt hacken und behauen und ihn polieren und melieren, so dass er rau und glatt, geologisch und handwerklich verarbeitet war. Wie die Künstlerin Jeanne-Claude in einem in der Show zu sehenden Filmausschnitt formulierte, handelte es sich um „Objekte, die von einem Menschen geschaffen wurden, der offensichtlich Spaß hatte“. Er sei „frei geblieben“, sagt ein anderer, der ihn kannte, aus der Zeit, als er mit seiner jungen Schauspielerin-Frau im ländlichen Japan der Nachkriegszeit lebte und arbeitete.

Er war charmant. Er sah gut aus. Er war agil. Er entwarf Spielanlagen für Kinder und Wasserspiele und Gärten für Weltausstellungen und Unternehmenszentralen. Er blühte in einem Raum auf, der durch die abstrakte Kunst der Nachkriegszeit ermöglicht wurde: Weil sie in ihrer Bedeutung unspezifisch war, aber eine allgemeine Aura von Aufklärung und Höherem vermittelte, konnte sie den internationalen Institutionen und Unternehmen und Museen, die seine Arbeit in Auftrag gaben, gleichermaßen gut dienen. Es könnte vage von E=mc2 zu IBM und Unesco und MoMA sprechen. Seine Äußerungen könnten langweilig sein und Begriffe wie „Natur“ und „Mensch“ und „Raum“ etwas austauschbar verwenden.

Nicht dass Noguchi den Ernst der Zeit ignoriert hätte, in der er lebte. Seine Tod (gelynchtete Figur) von 1934 ist ein Protest gegen die Morde an Schwarzen. Als Sohn eines japanischen Vaters und einer irisch-amerikanischen Mutter spürte er die Konflikte des 20. Jahrhunderts mehr als die meisten anderen. 1942 internierte er sich freiwillig in einem trostlosen Lager in der 120-Grad-Hitze von Arizona, wo japanische Amerikaner an der Westküste zwangsweise umgesiedelt wurden, obwohl New Yorker wie er davon ausgenommen waren. Die Welt ist ein Foxhole (Ich bin ein Foxhole) von 1942-43 versucht, die Hoffnung und Verzweiflung eines eingegrabenen Soldaten zu vermitteln, mit einer Flagge, die von einem spindeldürren Mast über einem schwarzen ausgehöhlten Sockel weht. Nach dem Krieg besuchte er Hiroshima, wo er ein Denkmal für die Opfer der Atombombe vorschlug.

Dennoch fiel es ihm schwer, Wut und Angst in seine Objekte zu übersetzen. Seine Freude an Form und Oberfläche gewann – Die Welt ist ein Fuchsloch am Ende sieht es aus wie ein einnehmend verrücktes Golfplatz-Feature. Oder er würde über seinen Wunsch, ernst zu sein, stolpern und sein schlimmstes Werk hervorbringen, schwerfällig und reizbar. Manchmal liest man eine Bildunterschrift und wünscht sich, man hätte es nicht getan, da das betreffende Objekt mehr Freude bereitete, bevor man wusste, welche Botschaft es vermitteln sollte.

Noguchis Reiz liegt vor allem in seinem Dazwischen, in seiner Fähigkeit, sich zwischen Skulptur, Möbeln und Gärten zu bewegen, ganz zu schweigen von Bühnenbildern für die Ballette von Martha Graham. Wenn Sie nur einen Aspekt betrachten, verlieren Sie etwas vom Ganzen. Zu den Freuden der Barbican-Show gehört der Blick in und über die zentrale Halle, die von einer Menagerie seltsamer Formen, einer Reihe von Asteroiden und UFOs so schwer wie Granit und so leicht wie Papier bevölkert ist.

Manche sind Kunst, manche sind Design, nicht dass Noguchi sich allzu sehr um den Unterschied gekümmert hätte. „Ich bin kein Designer“, sagte er selbst. „Alle meine Arbeiten, Tische wie Skulpturen, sind als grundlegende Formprobleme gedacht.“ Das ist ein bisschen sensibel – ich würde sagen, jemand, der Möbel entwirft, ist ein Designer – aber egal. Was sein Werk am Ende vereint, ist kein tiefer Sinn, sondern die Freude am Machen. Seine Antwort auf die Schrecken von Weltkriegen und Atomkatastrophen war, wie sich herausstellte, Freude.

• Noguchi ist bis 9. Januar 2022 in der Barbican Art Gallery, London