Spüren Sie die Kraft: die aufregenden isländischen Klanglandschaften von Anna Thorvaldsdottir | Klassische Musik

ADie Arbeitsbereiche von Künstlern sind oft aufschlussreich. Denken Sie an das Atelier der eigenwilligen Malerin Maggi Hambling, das sie einst als „den größten Aschenbecher in Suffolk“ bezeichnete. Oder das dunkle, solide Brontë-Pfarrhaus am Rande der windgepeitschten Pennines. Oder Gustav Mahlers Kompositionshütten, in denen er sich vom städtischen Leben – und seinem anstrengenden Dirigentenplan – zurückzog, um sich auf die Produktion von Sinfonien zu konzentrieren.

Der Gedanke, dass Mahler diese gewaltigen musikalischen Architekturen auf so kleinem Raum errichten könnte, kann umwerfend sein, ist aber nichts im Vergleich zu der kognitiven Dissonanz, die ein Besuch bei der isländischen Komponistin Anna Thorvaldsdottir zu Hause im ländlichen Surrey mit sich bringt.

In den letzten 15 Jahren hat sich Anna Thorvaldsdottir als führende Stimme der zeitgenössischen Musik etabliert. Obwohl ihr Backkatalog umfangreich und abwechslungsreich ist, sind es ihre Orchesterwerke, die für die größte Aufregung gesorgt haben und den Kern ihres Schaffens bilden. Die Liste der Orchester, die sie beauftragt haben – darunter die Berliner Philharmoniker, die New York Philharmonic, die Los Angeles Philharmonic und das City of Birmingham Symphony Orchestra – liest sich wie ein Who-is-Who der heutigen klassischen Musik.

In einer Welt, in der Orchestermusik im großen Stil immer noch eine überwiegend von Männern verfasste Angelegenheit ist, ist das Engagement des 45-Jährigen für riesige symphonische Kräfte umso bemerkenswerter. Ihre Kompositionen zeichnen sich durch eine besondere Art ehrfürchtiger Rhetorik aus: „Gletscherbewegung“, „langsam wandernde Klangmassen“, „demütigende Weite“. Wenn man den geheimnisvollen Schlägen, Rascheln und kaum wahrnehmbaren Klängen zuhört, die „Dreaming“ (2010) eröffnen, den schwindelerregenden Glitschen und monolithischen Basseinbrüchen, die „Metacosmos“ (2017) untermalen, oder den Eingeweiden zitternden Höhepunkten von „Catamorphosis“ (2021), kann man kaum widerstehen Die Vorstellung, dass die kahle Vulkanlandschaft Islands diese Partituren nicht nur geprägt hat, sondern auch noch in ihnen lauert. Thorvaldsdottir selbst hat Islands Berge und Ozeane als „dieSoundtrack zu [my] Leben“.

Sogar im ländlichen Surrey? „Meine Wurzeln schwingen immer stark mit, egal wo ich mich befinde“, beharrt sie und schenkt mir eine Tasse Tee aus einer großen, gemütlich gekleideten Kanne ein. Es ist ein sonniger Frühlingstag und die üppige und hügelige Landschaft der Umgebung könnte nicht englischer aussehen. Thorvaldsdottir und ihr Philosophen-Ehemann leben seit 2017 hier.

Ihr Kompositionsraum ist ein lichtdurchflutetes Studio im gepflegten Garten. Sie schiebt die Tür hinter uns zu, „für den Fall, dass jemand auf die Idee kommt, seinen Rasen zu mähen“, während ich über die ultra-stylische Leere staune. Nur ein geschlossener Block aus großformatigem Manuskriptpapier auf dem Schreibtisch verrät, dass der Raum genutzt wird. „Bei der Arbeit brauche ich viel sensorische Stille“, erklärt Thorvaldsdottir. „Und ich mag es, Platz zu haben. Platz bedeutet für mich: nicht zu viel Unordnung – so wenig Dinge wie möglich.“

Das Studio hat das Gefühl eines Zufluchtsortes: so weit vom Trubel eines Konzertsaals entfernt wie von Island. Und man kann kaum genug betonen, wie gefragt Thorvaldsdottir ist. Allein in Großbritannien erhielt sie im Dezember 2021 einen Ivors Composer Award für Catamorphosis, hatte ein Porträtkonzert in der Wigmore Hall und eine große Weltpremiere bei den BBC Proms. Kürzlich beendete sie eine UK-Tournee mit dem Island Symphony Orchestra, bei dem sie seit 2018 Composer in Residence ist. Mittlerweile werden zwei ihrer Orchesterpartituren vom Choreografen Wayne McGregor in einem verwendet neues Werk für das Royal Balletund sie ist eine der herausragenden Komponistinnen beim Aldeburgh Festival in diesem Monat, wo fünf ihrer Werke aufgeführt werden, darunter drei britische Premieren.

Die größte dieser Premieren wird als „elektrisierende Erkundung der Zeit“ angekündigt AIŌN, ein dreisätziges Werk, das vom BBC Symphony Orchestra und der Dirigentin Eva Ollikainen aufgeführt wird. Thorvaldsdottirs schriftliche Notizen zu ihren Werken sind oft knorrig philosophisch, manchmal aktiv gnomisch. So wurde AIŌN (ein griechischer Begriff, der sowohl „ein Zeitalter“ als auch „die Welt“ bedeutet) „von der abstrakten Metapher inspiriert, sich frei in der Zeit bewegen zu können, die Zeit als einen Raum erkunden zu können, den man bewohnt, anstatt ihn zu erleben.“ es als eine einseitige Reise durch eine einzige Dimension.“ Persönlich wird sie direkter: „Es ist ein langes Stück. Es ist ein großes Stück.“

„Ich brauche sensorische Stille, wenn ich arbeite“ … Thorvaldsdottir. Foto: Linda Nylind/The Guardian

AIŌN ist fast 40 Minuten lang und für ein starkes modernes Orchester komponiert und bietet auf jeden Fall beides. Nachdem ich mich an der neuen Aufnahme des Werks durch das Island Symphony Orchestra erfreut habe, schwärme ich von einem spannenden Moment im ersten Satz, in dem es sich anhört, als würde Thorvaldsdottir das Orchester als ein einziges zusammengesetztes Instrument spielen und an einem Knopf drehen, um nicht nur die Lautstärke, sondern auch die Lautstärke einzustellen Tonhöhe und Intensität der Klangfarbe. Sie lächelt über meine Begeisterung. „Ich stelle mir all diese Interpreten, all diese Instrumente absolut wie einen einzigen Organismus vor“, nickt sie. „Durch Orchestrierung rücken Sie Dinge und Strukturen in den Fokus und wieder aus dem Fokus.“

Metacosmos – in Aldeburgh vom BBC Philharmonic unter Rumon Gamba programmiert – ist kürzer, aber genauso ehrgeizig und erklingt in einem geheimnisvollen, finsteren Dröhnen aus dem unteren Teil des Orchesters, bevor sich die Melodielinien zu vervielfachen und zu splittern beginnen. Wie ein Großteil von Thorvaldsdottirs Musik sind Teile der Partitur fein abgestufte Grade der Stille – was sie an einer Stelle als „Nuancen der Stille“ bezeichnet. „Ich neige dazu, in geringerer Dynamik zu schreiben, was für mich eher auf die Atmosphäre hinweist“, erklärt sie.

Dies sind auch Stücke, die sich auf einer scheinbar geologischen Zeitskala entfalten. Die Bewegung ist konstant, aber in der Regel langsam. Es ist wieder diese isländische Klanglandschaft. Fühlt sie sich jemals dazu hingezogen, schnellere Musik zu schreiben? Sie scheint leicht überrascht zu sein. „Ich weiß nicht … ich habe das Gefühl, dass ich mich an manchen Stellen schnell bewegt habe. Aber ich denke auch, dass meine Referenzen ein wenig anders sein könnten als die anderer Leute“, kichert sie.

Die standardmäßige Arbeit an einer solchen „Gletscherbewegung“ hat natürlich praktische Auswirkungen. Thorvaldsdottir schwärmt von der „Verschmelzung der Künste“: Zu ihren Werken gehört eine Kammeroper, UR_, obwohl sie derzeit keine weitere Oper in Arbeit hat („Aber sag niemals nie!“) und sich für die Möglichkeiten digitaler Multimedia interessiert. Sie wird oft gefragt, ob sie Musik für Videospiele geschrieben hat (was nicht der Fall ist) und wurde auf Filmmusik angesprochen. Das Problem sei jedoch, dass „es ein ganz anderer Zeitrahmen ist. Mein Terminkalender ist voll. Und Filmprojekte funktionieren wirklich schnell.“

Die grundlegende Abstraktion der Orchesterkonzertmusik scheint sicherlich gut zu jemandem zu passen, der das Komponieren als „wie Energie, wie das Anzapfen einer Kraft in sich selbst und in der Umgebung“ beschreibt und der darauf besteht, dass „ich mit meiner Musik nichts beschreibe“. – außer der Musik, die ich schreibe“. Ich frage, ob sie sich jemals wünscht, sie könnte für noch größere Streitkräfte schreiben. „Wenn man will, dass seine Visionen Wirklichkeit werden, dann gibt es vielleicht Grenzen“, schmunzelt sie. „Aber wissen Sie, wenn Sie ein volles Orchester haben, können Sie so ziemlich machen, was Sie wollen.“

Das heißt, solange Sie über komplette Orchester verfügen, mit denen Sie arbeiten können. Die beiden BBC-Orchester, die Thorvaldsdottirs Werke in Aldeburgh aufführen werden, sind genau jene Ensembles, deren Größe und Finanzierung kürzlich in Frage gestellt wurden. Der Komponist stöhnt, als ich das anspreche. „Ich wünschte, wir müssten dieses Gespräch nicht führen. In Großbritannien gab es eine großartige Präsenz verschiedener Orchester. Es wäre verheerend für unser Musikleben, wenn dies gefährdet würde.“

In diesem Zusammenhang erklärt Thorvaldsdottir ihren kreativen Prozess: „Es geht darum, zuzulassen, wissen Sie, und zu versuchen, es nicht zu tun.“ Gewalt aber erlauben“ – scheint ein Mantra zu sein, das es wert ist, an alle Förderorganisationen weitergegeben zu werden. Aber vielleicht lässt sich eine Regierung, die davon überzeugt ist, dass die Oper auf Parkplätzen besser aufgehoben wäre, mehr von Thorvaldsdottirs aktuellem Großprojekt inspirieren, das einige der grundlegendsten Konventionen der Orchesteraufführung in Frage stellt und das nächstes Jahr im Harpa, Reykjaviks Staatstheater, uraufgeführt wird. hochmoderner Veranstaltungsort für Musik aus Glas. „Ich mache eine Orchesterinstallation nicht für den Konzertsaal, sondern für das Foyer – im offenen Raum, für ein dekonstruiertes Orchester.“ Sie klingt erfreut, sogar verschwörerisch. Erwarten Sie einfach keine Hintergrundmusik.

* Anna Thorvaldsdottirs Musik ist im Aldeburgh Festival am 12., 16., 20. und 24. Juni.

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