TDer Erzähler von Ennessee Williams beginnt damit, dass er von all den Arten spricht, auf die ein „Erinnerungsspiel“ seine Wirkungen heraufbeschwört: gedämpftes Licht, Sentimentalität, ein Mangel an Realismus. Diese Produktion nutzt diese Kunstgriffe und rühmt sich auch eines zentralen Star-Castings in Amy Adams, hält uns aber kurz davor, uns in ihren Bann zu ziehen.
Adams’ Debüt im West End ist solide, aber unauffällig. Sie spielt Amanda Wingfield, die temperamentvolle Matriarchin, die verzweifelt versucht, einen Ehemann für ihre behinderte Tochter Laura (Lizzie Annis) zu finden und ihren Sohn Tom (Tom Glynn-Carney) im Griff zu behalten, dessen Arbeit in einem Schuhlager ihm juckende Füße bereitet – und der Wunsch, von diesem erstickenden Haushalt in St. Louis wegzukommen.
Amanda ist verblüffend fröhlich und gesund, zunächst nicht wiederzuerkennen als die verblasste Südstaatenschönheit aus Mississippi, die damit prahlt, einmal 17 Verehrer an einem einzigen Tag angezogen zu haben.
Unter der Regie von Jeremy Herrin wirkt die erste Hälfte plattfüßig und ohne Williams‘ berauschende Mischung aus Sehnsucht, Leidenschaft und Verzweiflung. Paul Hilton als Erzähler spielt den älteren Tom im Rückblick und ist eine belebende Kraft, auch wenn er ohne genug zu tun über die Bühne streift. Die Schauspieler liefern ihre Texte im Großen und Ganzen effizient genug, aber das emotionale Zentrum ist einfach nicht da. Annis’ Laura scheint eine Randfigur zu sein und Glynn-Carneys Tom ist feurig, aber für immer marschiert er wütend von der Bühne.
Das Stück ist von einem Gefühl der Verlassenheit durchdrungen – zuerst von dem abwesenden Vater, der die Wingfield-Brut verlassen hat, und dann von Toms eigener Flucht am Ende. Aber wir spüren nicht das emotionale Gewicht der Entscheidung des letzteren, zu gehen. Wir nehmen auch keine Zärtlichkeit zwischen Geschwistern wahr. Es gibt bessere Synergien in der Mutter-Tochter-Beziehung, da Amanda Laura vor den begrenzten Möglichkeiten für unverheiratete Frauen warnt und sie drängt, sich in der Ehe zu wehren.
Eines der größten Probleme ist die Größe der Bühne, die riesig aussieht und der Intimität dieser Geschichte entgegenwirkt, wodurch sie sich unfair klein anfühlt. Vicki Mortimers Set ist aller Illusionen beraubt und hat sein Inneres freigelegt, vom Soundsystem bis zu den Scheinwerfern. Das entspricht der Metatheatralik des Dramas, macht die Bühne aber zu nackt. Die Glasmenagerie selbst ist darin untergebracht eine Glasvitrine in Museumsgröße und sieht eher aus wie eine von Damien Hirsts trendigen Apothekenschränken als die Sammlung von niedlichen Glastieren in Williams Text.
Auch die riesigen Backscreen-Projektionen funktionieren nicht (Videodesign von Ash J Woodward). Sie bieten visuelle Begleitung – eine Schreibmaschine mit weichem Fokus erscheint in einer Szene über Lauras Schreibmaschinenkurs an der Business School; ein Halbmondbild wird vergrößert, wenn ein Teil des Mondes erwähnt wird, und das Gesicht von Amandas flüchtendem Ehemann taucht auf, wenn das Drehbuch von seinem lächelnden Foto spricht – aber diese Beschilderung erscheint abgedroschen und übertrieben wörtlich.
Interessanterweise wurde dort, wo Amanda in Williams’ ursprünglichem Drehbuch nostalgisch von Dienern und Plantagenmännern im segregierten tiefen Süden ihrer Jugend spricht, alle bis auf einen solchen Hinweis herausgeschnitten. Der Auftritt des „Gentleman Callers“, Jim O’Connor, bringt eine emotional engagiertere zweite Hälfte. Er wird überzeugend von Victor Alli gespielt.
Das Stück verlagert sich schließlich in die Intimität, als Jim seinen Zauber über Laura wirft, deren eigener Charakter lebendig wird. Ein Stromausfall führt zu einer Romantik im Kerzenlicht (wunderschönes Lichtdesign von Paule Constable) und wir spüren Lauras Bestürzung, als der Traum von einem Leben mit Jim jenseits dieser vier Wände verebbt. Aber für ein Stück mit einem so großen, schlagenden Herzen schneidet dies nicht tief genug in eine Produktion ein, die ernsthaft unterfordert erscheint.