TSeine diesjährige Saison in Glyndebourne beginnt mit einer Neuproduktion von Ethel Smyths The Wreckers unter der Leitung von Robin Ticciati und unter der Regie von Melly Still. Die erste Oper einer Komponistin, die bei den Festspielen aufgeführt wird, hat eine schwierige Geschichte und einen etwas zwiespältigen Ruf. 1902 zu einem französischen Libretto von Smyths gelegentlichem Liebhaber Henry Brewster begonnen, wurde es 1906 in Leipzig in deutscher Sprache in einer von Smyth verabscheuten stark gekürzten Version uraufgeführt, bevor es 1909 in London mit dem Libretto in englischer Übersetzung zu hören war von Smyth selbst, die als so problematisch angesehen wurde, dass posthume Versuche unternommen wurden, sie umzuschreiben. Eine Urtextausgabe von Martyn Bennett, die auf die französische Originalfassung zurückgeht, wird hier wiedergegeben.
Obwohl The Wreckers seit langem eine Seltenheit ist, wurden große Ansprüche dafür erhoben, dass es die bedeutendste englische Oper zwischen Purcells Tod (1695) und Brittens Peter Grimes (1945) ist, ein Werk, von dem allgemein angenommen wird, dass es The Wreckers vorwegnimmt. Smyth präsentiert uns ein manchmal erschreckendes Porträt einer frommen, aber heuchlerischen Gemeinde Cornwalls, die Schiffe plündert, die auf nahe gelegene Felsen gelockt werden, nur um festzustellen, dass ihre verzerrten Werte in Frage gestellt werden, als Thurza, die desillusionierte Frau des Pastors Pasko, eine Affäre mit dem Fischer Marc beginnt.
Die dramatische Prominenz des Chors, zusammen mit Smyths anspruchsvollem Chorsatz, sind die Hauptansprüche an die Originalität einer Partitur, die anderswo allzu häufig ihre Mischung von Einflüssen verrät. Thematische Umrisse erinnern an Brahms, während das große Duett im zweiten Akt für Marc und Thurza an Wagners Tristan erinnert. Die Harfen und Hörner von Debussys Faune suggerieren immer wieder Regungen der Begierde, während Marcs eigensinniger Ex Avis eine Arie bekommt, die Carmens Séguedille kreuzt Anitras Tanz aus Peer Gynt. Die daraus resultierende stilistische Bandbreite ist allzu oft zu breit, um Kohärenz oder Einheit zu suggerieren, obwohl der letzte Akt straffer ist als der Rest.
Glyndebourne hingegen hat es wirklich stolz gemacht. Ticciati dirigiert mit großer Leidenschaft und Tatendrang, und das Spiel ist dynamisch, präzise und detailliert. Rodrigo Porras Garulo ist der charismatische Marc gegenüber Karis Tuckers intensiver Thurza, scharf in ihrer Verurteilung der Gemeinschaft, von der sie sich entfremdet fühlt, und bewundernswert sicher in der unerbittlichen Bandbreite der Rolle. Philip Horst gibt einen gequälten Pasko ab, der von frustriertem Verlangen nach seiner Frau geplagt wird, während Lauren Fagan, exzellent wie immer, der impulsive, instabile Avis ist.
Die wahren Helden des Abends sind aber die Glyndebourne Chorus: Smyth machen es sich nicht leicht, aber ihr Gesang ist durchgehend sensationell. Sie werden auch von Still hervorragend in einer modernen Inszenierung zusammengestellt, die stark auf die Dynamik setzt, wie Einzelpersonen kollektiv in einen Mob verwandelt werden können. Bühnenbilder und Kostüme beschwören eine unheimliche Welt herauf, die aus den Trümmern des Lebens anderer geschaffen wurde, in der schattenhafte Gestalten wie die Schicksale der klassischen Mythologie im Halbdunkel schweben und die Erzählung unerbittlich vorantreiben. Auf keinen Fall, denke ich, das vernachlässigte Meisterwerk, das einige argumentiert haben, aber es ist schwer vorstellbar, dass es besser gemacht ist.