Pooja Ghai hatte zunächst Mühe, als professionelle Schauspielerin Fuß zu fassen. Es war Anfang der 1990er Jahre und sie bekam nicht viele Vorsprechen. Als Teile angeboten wurden, beschränkten sie sich auf ältere indische Tanten oder Großmütter. „Meine erste Rolle im Fernsehen war in Holby City als 60-jährige Frau. Ich war 23“, sagt Ghai.
Dann entdeckte sie Tamasha Theatergruppe, gegründet 1989 von Kristine Landon-Smith und Sudha Bhuchar, und alles änderte sich. Ursprünglich bot Tamasha südasiatischen Künstlern Möglichkeiten an (das Unternehmen hat seitdem seine Reichweite auf alle Künstler mit globaler Mehrheit ausgeweitet), fühlte sich Tamasha sofort wie ein Zuhause an, sagt Ghai, jetzt ein preisgekrönter Regisseur sowie Schauspieler.
„Sie erzählten Geschichten, die migrantische, koloniale und postkoloniale Erfahrungen zusammenfassten und ich dachte ‚Dies Deshalb möchte ich tun, was ich tue.’ Ich hatte einen Raum gefunden, um Geschichten zu erzählen, die wichtig waren.“
Mehr als zwei Jahrzehnte später hat Ghai, der als Associate Director bei Theatre Royal Stratford East in London und Associate Artist bei Kali Theatergruppe, ist Tamashas neue künstlerische Leiterin und hat große Pläne für die Zukunft.
Ein wiederkehrendes und problematisches Merkmal von Organisationen, die sich Künstlern mit globaler Mehrheit verschrieben haben, ist ihr dauerhafter Status als „aufstrebende“ Unternehmen, sagt sie. Es ist etwas, das sie ansprechen möchte.
„Tamasha gibt es seit über 30 Jahren und es ist immer noch ein aufstrebendes Unternehmen, das sich mit Talententwicklung beschäftigt. Mein Ziel ist es, dieses Fundament weiter auszubauen, es aber zu einem mittelständischen Tourneeunternehmen zu machen, das sowohl mittelständische als auch etablierte Künstler fördert und mit ihnen zusammenarbeitet. Es gibt keinen Grund, warum Tamasha nicht auf Augenhöhe mit English Touring Theatre oder Headlong stehen sollte.“
Dafür brauche es natürlich mehr finanzielle Unterstützung, ergänzt sie, aber auch die Unterstützung durch etablierte Institutionen. Würde sie Tamasha an unseren größten Veranstaltungsorten wie dem Nationaltheater aufführen wollen?
„Ich denke absolut, dass wir beim National dabei sein sollten, und ich würde ein Gespräch zwischen den beiden Organisationen begrüßen. In meiner 20-jährigen Karriere hat sich das National nicht wie die natürliche Heimat für Geschichten der globalen Mehrheit angefühlt, die den Multikulturalismus unserer Nation feiern.“
Sie glaubt jedoch, dass es mit den Geschichten über die schwarze Diaspora einen Durchbruch gegeben hat. „Diese Arbeit auf unseren Bühnen zu sehen ist großartig, aber wir haben noch einen langen Weg vor uns. Es geht darum, dieses Denken für alle anderen Künstler mit globaler Mehrheit zu öffnen und das, was wir für ein ‚Risiko‘ halten, in Frage zu stellen.“
Clint Dyer, ein schwarzer Brite, wurde letztes Jahr zum stellvertretenden künstlerischen Leiter des National ernannt. Macht sie das hoffnungsvoller? „Clint ist ein brillanter Künstler und ein Krieger. Es ist eine aufregende Sache, ihn dort zu sehen, und ja, ich hoffe, es verändert das Gespräch.“
Geschichten über das Britische Empire, seine Kolonialgeschichte und postkoloniale Erfahrungen sind ihr wichtig und sie möchte diese Themen auf der Bühne ergründen. „Uns wird unsere Kolonialgeschichte nicht in den Schulen beigebracht. Wir sprechen nicht über die dunkle Seite des britischen Empire und wir müssen es tun.“
Zu diesem Zweck möchte sie Tanika Guptas Lions and Tigers, die ursprünglich 2017 im Sam Wanamaker Playhouse in London inszeniert wurde und von Ghai inszeniert wurde, wiederbeleben. „Es ging um junge Revolutionäre aus den 1930er Jahren, die versuchten, die britische Herrschaft in Indien zu stürzen, und es war eines der wichtigsten Theaterstücke, die ich je gemacht habe.“
Außerdem will sie untersuchen, was es heute in Großbritannien bedeutet, Asiatin zu sein und führt bei Lotus Beauty Regie. eine Hampstead-Theaterproduktion in Zusammenarbeit mit Tamasha in diesem Frühjahr. Zufälligerweise wurde Ghai eingeladen, Satinder Chohans Stück zu inszenieren, bevor sie Tamasha übernahm (Chohan war ursprünglich vor 10 Jahren von Tamasha in Auftrag gegeben worden). Lotus Beauty verfolgt das Leben von fünf Frauen aus mehreren Generationen in einem Schönheitssalon in Southall und berührt Identität, weibliche Freundschaft, häusliche Gewalt und Selbstmord. „Es ist sehr lustig, bewegend und zutiefst ehrlich über die Komplexität, eine Migrantin zu sein und gemeinsam eine Gemeinschaft aufzubauen“, sagt sie.
Es sei die Aufgabe von Theatermachern, sich mit schwierigen Themengesprächen auseinanderzusetzen, sagt sie, gerade wenn es so viele Spaltungen in der Gesellschaft gebe und die „Kultur abbrechen“ die künstlerische Freiheit bedrohe. „Die Frage ist, wie wir den Raum für schwierige Gespräche und Debatten mit gegensätzlichen Meinungen respektvoll halten und eine gemeinsame Basis finden, um voranzukommen, damit wir nicht nur in unseren Silos und Echokammern bleiben.“
Welche schwierigen Debatten meint sie? Geschichten über Rassismus, Kolorismus und Frauenfeindlichkeit innerhalb globaler Mehrheitsgemeinschaften sowie Islamophobie: „Seit 9/11 erleben wir die Kapitalisierung der Angstkultur. Für mich fühlt es sich wichtig an, Gespräche über Islamophobie und ihre Bedeutung zu führen, nicht nur über die Auswirkungen eines Systems der weißen Vorherrschaft, sondern auch über die Einstellungen innerhalb unserer eigenen Gemeinschaft – was drinnen vor sich geht und wie es sich auf unsere jungen Leute auswirkt.“
Ghai wurde in Kenia als Tochter kenianischer indischer Eltern geboren und verbrachte dort ihre ersten 14 Jahre. Sie meldete sich im Alter von 11 Jahren im Internat für ihr erstes Theaterstück an und war sofort begeistert. „Es war Tom Sawyer und ich spielte Tante Polly. Ich verliebte mich in das, was ich nach unserem ersten Auftritt erlebt hatte. Und wenn ich mir die Besetzung um mich herum ansah, gab es alle Glaubensrichtungen, Kulturen und Farben. Wir alle feierten die Unterschiede des anderen und lebten davon. Ich könnte es mir nicht anders vorstellen.“
Nachdem sie nach Großbritannien kam und ihre Karriere als Schauspielerin begann, begegnete sie einer ganz anderen Welt. Während ihres Psychologie- und Soziologiestudiums in Oxford Brookes gründete sie eine Universitäts-Drama-Gesellschaft und nahm jedes Jahr mit Shows am Rande des Edinburgh Festivals als Produktion, Regie und Schauspiel teil. „Es hat mir ein echtes Gefühl gegeben, etwas aufzubauen. Es war aufregend.“
Aber auf einem Schauspielkurs an anderer Stelle wurden ihr die Augen für die Grenzen und Etiketten geöffnet, die ihr auferlegt wurden. Sie erinnert sich, dass ihr gesagt wurde: „Du bist eine ziemlich gute Schauspielerin, aber du bist Inderin und du bist fett, also wirst du nicht arbeiten.“ Es habe sie „am Boden zerstört“, sagt sie. „Ich wusste nicht, dass ich nicht dazugehöre. Erst als ich in den Beruf wechselte, dachte ich ‘Warum ist für mich alles so begrenzt?’“
Fünfzehn Jahre später als Schauspielerin fühlte sie sich immer noch eingeschränkt: „Ich habe viel Radio, Fernsehen und Theater gemacht, aber ich konnte sehen, dass ich als Schauspielerin nie wirklich herausgefordert werden würde, wegen der Rollen, die ich bekam oder für welche ich gesehen wurde .“
Sie war so entmutigt, dass sie beschloss, die Branche zu verlassen, aber nach einem Herzinfarkt und der Diagnose Lupus kehrte sie zurück, jetzt entschlossener, sich für Veränderungen einzusetzen. „Ich hatte das Gefühl, dass ich nicht weg von der Schauspielerei und dem Geschichtenerzählen sein könnte. Ich hatte das Gefühl, wir brauchten mehr Wege, wir mussten People of Color mehr Stimme geben, wir brauchten eine neue Führung am Tisch, um unsere Vorstände zu diversifizieren. Ich konnte mich nicht zurücklehnen und mich darüber beschweren, was ich nicht bekam. Ich musste rausgehen und verstehen, wie wir Veränderungen bewirken können und nicht das Gefühl haben, dass wir keine Stimme hatten, weil wir keine Weißen waren.“
Sie hat sich der Kampagnengruppe angeschlossen Künstlerische Leiter der Zukunft, wo sie Co-Vorsitzende ist, die darauf abzielt, Führung entmystifizieren. Der Silberstreif am Horizont der Pandemie ist, dass sie uns eine Chance gegeben hat, neu zu bewerten und wieder aufzubauen, denkt sie. So wie sie Lösungen sah und an Stärke gewann, nachdem sie den Tiefpunkt erreicht hatte, denkt sie, dass wir gemeinsam dasselbe tun können. „Es war eine harte Zeit für die Branche, aber wir als Künstler fordern die Strukturen heraus. Wir denken darüber nach, wie wir aufsteigen und über die vorhandenen Systeme und Strukturen, die dieses Aufsteigen nicht zulassen. Es ist ein langer Weg.”