Wie der neue Film ‘Spencer’ Kristen Stewarts Diana im Fokus hielt

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Pablo Larrains “Spencer” verströmt “The Shining”-Vibes, lange bevor wir es sehen zwei Frauen in passenden Outfits im Schritt einen Korridor hinuntergehen. Dann iss Kubricksche Symmetrie, die bedrückende Umgebung, die erstickende Präsenz anderer, des Rituals, der Pflicht – all das ist vorhanden in Larrains imaginärer Interpretation von Prinzessin Dianas Weihnachten aus der Hölle. Andererseits ist der Moment, an dem zwei Dienstmädchen beteiligt sind, so weggeworfen, dass es auch ein Nichts sein könnte, ein Phantom. Es wäre nicht das einzige Gespenst, das in den Gängen dieses Films lauert.
Es ist sowohl banal als auch eine Untertreibung zu sagen, dass die königliche Familie noch nie so ausgesehen hat. Larrains Horrorfilm kündigt sich als “Fabel aus einer wahren Tragödie” an und stellt sich 1991 drei Tage auf dem Anwesen der Queen in Sandringham vor. Die Ehe von Diana und Charles steht auf dem Kippen und “Die Firma” hofft, dass sie das Schiff über ein oder zwei Weihnachtsfeste aufrichtet. Sie hat verständlicherweise andere Ideen, die von den Frauen heimgesucht werden, die vor ihr gekommen sind (in mehr als einer Hinsicht).

Kristen Stewart spielt Prinzessin Diana in “Spencer”. Kredit: Claire Mathon/STX-Filme

Kristen Stewart als Diana scheint auf eine lange und möglicherweise fruchtbare Preisverleihungssaison eingestellt zu sein, aber um ihrer Leistung gerecht zu werden, war das sorgfältige Auge von Claire Mathon erforderlich, einer der heißesten Kamerafrauen, die derzeit arbeiten.

Larrain wandte sich an die französische Kamerafrau, nachdem er ihre mit dem Caesar Award ausgezeichnete Arbeit in “Portrait of a Lady on Fire” gesehen hatte, sagte Mathon gegenüber CNN. In ihren ersten Gesprächen über “Spencer” sagte Mathon, der Regisseur sei an “etwas viel Größerem und (mehr) Zeitlosem” interessiert als Weihnachten mit den Royals: eine Erforschung dessen, was hinter lebensverändernden Entscheidungen steckt.

“Er sagte von Anfang an, es ist ein (auf den Kopf gestelltes) Märchen. Es ist eine Prinzessin, die die Entscheidung trifft, keine Prinzessin mehr zu sein”, erklärte sie. “Es ist eher eine Dekonstruktion und weniger Geschichte.”

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Visuell sei Larrain von Kubrick inspiriert, sagte Mathon. Sie und Larrain sahen sich in Vorbereitung auf “Spencer” Kubricks William Thackeray-Adaption “Barry Lyndon” und eine Sequenz von “A Clockwork Orange” an und studierten auch zeitgenössische Fotografien. Aber der Film wäre nicht an Geschichte oder Biopic-Konvention gebunden.

Larrains Mise-en-Scène “ist sehr weit vom Naturalismus entfernt”, sagte Mathon. “Es ist ein sehr choreografierter Film, denke ich, bei dem die Musik wichtig ist. Es ist ein Film, in dem wir uns viel bewegen (und) wir viel fühlen.”

Wie “Spencer”, Mathons Filme “Portrait of a Lady on Fire”, “Atlantik“und die kommenden”Petite Maman” alle zeigen intime weibliche Porträts (zufälligerweise enthalten alle auch paranormale Elemente). Keines jedoch hat sie so nah und persönlich an ihr Motiv herangebracht.
Mathon, Stewart und Larrain am Set.

Mathon, Stewart und Larrain am Set. Kredit: Frederic Batier/STX

Mathons Kamera arbeitet mit 16-mm-Film und führt einen ausgeklügelten Tanz mit Stewart aus und fängt jede ihrer Gesten ein, aber auch die Welt, wie Diana sie sieht, voller Ghule (sowohl Fleisch als auch Fantasie) und wenigen vertrauenswürdigen Gesichtern.

“Es war Pablos Idee, diese sehr, sehr nahe Nähe”, sagte Mathon. “Es ist mehr als Intimität, es ist fast Innerlichkeit.”

Einige Aufnahmen seien improvisiert, andere nicht, sagte sie. Die Methode wendet sich dem Metatheater zu, wenn man bedenkt, wie Paparazzi die echte Diana mit der Kamera in der Hand verfolgten.

“Ich war noch nie einer Schauspielerin mit einer Kamera so nahe gewesen. Ich hatte sogar Angst, sie zu berühren”, sagte Mathon. „Aber ich denke, dass ihre Interpretation mit der Kamera gespielt hat … Es ist eines der Themen des Films: (Dianas) Beziehung zwischen Verstecken und Verschließen, während sie gleichzeitig ständig im Blick ist – auch gesehen offenbart sich (ist), wie sie frei bleibt.”

Diana konfrontiert mit der Presse in "Spencer."

Diana steht in “Spencer” der Presse gegenüber. Kredit: NEON

Wie um die subjektive Perspektive des Films zu verdeutlichen, bleibt Diana auch ohne Nahaufnahme im Mittelpunkt. Während eines anstrengenden Abendessens fängt Mathon Ereignisse mit einer so geringen Schärfentiefe ein, dass Dianas königliche Mitstreiter in der Bedeutungslosigkeit verschwimmen. Stattdessen werden unsere Augen von Stewarts schmerzerfülltem Gesicht angezogen, von der Suppe vor ihr und einer Perlenkette (die auch Camilla gegeben wurde, vermutet Diana), die wie ein Amboss um ihren Hals wiegt. Jonny Greenwoods Jazz-inspirierte Filmmusik reibt sich gegen die erdrückende Tristesse des Raums, und die Klaustrophobie des Films entwickelt sich zu einer wilden Fantasie, die gleichermaßen aufregend und verstörend ist.

Mathon sagte, die Szene gehöre zu ihren Favoriten. “Die Musik kam noch vor der Szene”, erklärte sie. “Die Idee für die Weiterentwicklung dieser Szene kommt wirklich von diesem üppigen Candle-Light-Dinner mit einem Orchester … nach und nach harmonisiert und verwandelt es sich, es wird dissonant.”

“Wir laufen immer mit (Diana), aber die Frage ist, wie man diese Blicke spürt, die Spannung der (königlichen) Traditionen. Für mich war visuell (das) eine Herausforderung.”

Abendessen am Heiligabend im Pablo Larrain's "Spencer."

Abendessen am Heiligabend in Pablo Larrains “Spencer”. Kredit: NEON

Mathon hatte nur Lob für Stewart (“beide sehr schön, aber auch ziemlich erstaunlich”), ihren Regisseur (“Ich hatte viel Spaß bei der Arbeit mit Pablo”) und auch die Einstellung des Films über die Prinzessin. “Ich mochte die Tatsache, dass es viele Facetten (für sie) gibt, dass dieser Charakter etwas sehr Komplexes hat”, sagte sie.

“Letztendlich ist es etwas Aufrichtiges und letztendlich sehr Einfaches, (Diana) nahe zu sein.”

“Spencer” kommt am 5. November in die Kinos.

Zur Warteschlange hinzufügen: Die subjektive Linse

SEHEN: “Dame im See” (1947)
Robert Montgomerys “einzigartig seltsam” Die Adaption von Raymond Chandlers Roman hätte wie jeder andere Noir der Zeit sein können, nur hat er sich dafür entschieden, ihn aus der Perspektive des Protagonisten zu drehen und ihn in eine echte Ich-Erzählung zu verwandeln. Montgomery, der auch Chandlers berühmten Gummischuh Philip Marlowe spielt, erscheint in Spiegeln und wendet sich gelegentlich an das Publikum (Studio MGM zwang ihn, einen Prolog zu drehen), aber ansonsten sieht es so aus, als würden wir durch Marlowes Augen sehen.
Akira Kurosawas Film von 1950 mit Toshiro Mifune in der Hauptrolle macht aus Subjektivität eine ganze Handlung. Seine Figuren erzählen eine Geschichte von Vergewaltigung und Mord und erzählen dreimal dieselbe Geschichte, wobei jede Version der anderen widerspricht. Die Kamera präsentiert ihre Beweise als Tatsachen und zwingt das Publikum, die Wahrheit von den Lügen und Täuschungen zu trennen. Kurosawas Film lebt am Firmament der Popkultur (sogar den ultimativen Tribut in einem “Simpsons” Witz) und begeistert bis heute, das Format erhebt seinen Kopf in “Star Wars: Die letzten Jedi“und dieses Jahr”Das letzte Duell.”
SEHEN: “Sohn Saulis” (2015)

Der erschütternde Film von László Nemes nimmt den umgekehrten Takt zu Montgomerys ein, indem die Kamera kaum das Gesicht des Protagonisten verlässt. Nemes’ Debütfilm über einen ungarischen Juden, der in Auschwitz gezwungen wird, Leichen zu entsorgen und die Gaskammern des Lagers zu reinigen, ist in einem kastenförmigen Akademieverhältnis gedreht und zwingt das Publikum, sich auf Saul (gespielt von Géza Röhrig) zu konzentrieren. In Nahaufnahme und oft in scharfem Fokus gedreht, verarbeiten wir Ereignisse durch Sauls Reaktion darauf, abgeschirmt von den visuellen Schrecken, aber nicht von ihrer emotionalen Wirkung.

LESEN: “Women vs Hollywood: Der Fall und Aufstieg der Frauen im Film” (2021)

So wie der Film Ereignisse subjektiv betrachten kann, so kann dies auch die Filmgeschichte. Helen O’Haras Buch leistet fantastische Arbeit, um die Auslöschung der Pionierinnen des Films rückgängig zu machen und die Erzählung in ihrem Namen zurückzugewinnen. Vollgepackt mit augenöffnenden Anekdoten aus den Tagen des alten Hollywood, setzt sich O’Hara für diese von den Studios und den Geschichtsbüchern marginalisierten Frauen ein, ohne die es das Kino, wie wir es kennen, nicht gäbe.

SEHEN: “Kameramann” (2016)
Kirsten Johnson drehte Filme anderer Leute, lange bevor sie sich als Regisseurin durchsetzte. Bevor sie “Dick Johnson ist tot“, machte sie “Cameraperson”, einen Dokumentarfilm, der unser Verständnis davon neu kalibriert, was es bedeutet, hinter der Kamera zu stehen. Der Film besteht auch aus Filmmaterial früherer Projekte für andere Regisseure (Johnson hat Kameras für Michael Moore und Laura Poitras bedient) als Home-Footage, geschnitten zu visuellen Memoiren. Johnson hinterfragt die Ethik der Dokumentation des Lebens durch eine Linse und liefert gleichzeitig reichlich Beweise für die tiefe menschliche Verbindung, die das Medium bietet. Es ist ein durchdachtes und überzeugendes Manifest.

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