EINm der neuen Blockbuster-Ausstellung Matisse: Life & Spirit der Art Gallery of NSW gibt es ein Werk, das für ein zeitgenössisches Publikum auffallen könnte. Dekorative Figur auf ornamentalem Grund (1925-26) zeigt eine nackte weibliche Figur, die mit kunstvollen Teppichen und Tapeten verziert ist; es ist schön, aber wie so viel kunst aus dieser zeit wirft es die frau nur als objekt – sogar als dekoration.
Die prominente feministische Kunsttheoretikerin Linda Nochlin hat über Henri Matisse und seinen Zeitgenossen Pablo Picasso gesagt, dass sie „am weiblichen Akt fressen, aber echte Frauen verunglimpfen“. Als wir uns in der Ausstellung treffen, erzählt mir Co-Kuratorin Jackie Dunn: „Matisse selbst sagte, ‚die Figur ist dekorativ, der Hintergrund ornamental‘.“
Die vom Centre Pompidou in Paris gemeinsam präsentierte Schau ist die größte Ausstellung des französischen Künstlers, die jemals in Sydney zu sehen war, mit mehr als 100 Werken der Malerei, Zeichnung und Skulptur. In der begleitenden Ausstellung Matisse Alive kontextualisieren, hinterfragen und komplizieren zeitgenössische Künstler die Kunst und das Erbe des modernen Meisters.
Matisse ist bekannt für seinen dramatischen und ausdrucksstarken Einsatz von Farbe und für seine Rivalität mit Picasso bei der Durchsetzung der Konventionen der Malerei – gespielt inmitten seiner Lieblingsthemen, Frauen und Stillleben, die in dieser Ausstellung prominent vertreten sind. Nackte Frauenkörper – Badende, Tänzerinnen und Models – werden in Gemälden, Zeichnungen und einer Reihe monumentaler Bronzeskulpturen von Rücken wiedergegeben.
Aber sie werden durch den Schwerpunkt der Ausstellung ausgeglichen: die größte Ausstellung seiner späten „Cut-outs“, die jemals in Australien gezeigt wurde.
1941 war Matisse 72 Jahre alt und an Bauchkrebs erkrankt. Nach einer komplizierten Operation war er monatelang bettlägerig und konnte nie wieder stehen und malen. Stattdessen wandte er sich Papierausschnitten zu: Zeichnungen, die mit einer Schere direkt in farbiges Papier gemalt wurden. Besonders inspiriert wurde er von einer Reise nach Tahiti im Jahr 1930; der leuchtende Blues der Werke Polynesia, the Sky und Polynesia, the Sea von 1946 erinnern an Matisses Erlebnis des Schwimmens in einer Lagune vor Tahiti und die Beziehung des Himmels über dem Wasser unter ihm.
„Matisse hat schwere Zeiten durchlebt, aber seine Leichtigkeit hebt die Stimmung der Menschen und ihre Seelen“, kommentiert Co-Kurator Justin Paton. Dies kommt in lebendigen, verspielten Werken wie Matisses spätem Selbstporträt The Sorrow of the King (1952) und einer Nachbildung seines letzten Meisterwerks, der Rosenkranzkapelle in Venedig, Frankreich, zum Ausdruck, deren Bau 1951 fertiggestellt wurde .
Aber Matisse setzte auch die französische Tradition des Orientalismus fort: Er malte Szenen aus französischen Kolonien, die weiße männliche Fantasien widerspiegeln, und unterjochte Frauen aus Nordafrika und dem Pazifik. Der Kulturtheoretiker Edward Said beschrieb den Orientalismus als Teil der gewaltigen Kontrollmechanismen des Kolonialismus – und im Stockwerk unter der großen Ausstellung versucht die begleitende Ausstellung Matisse Alive, einige der Komplexitäten seines Erbes zu entwirren. Im Zentrum stehen Auftragsprojekte von vier zeitgenössischen Künstlerinnen: Robin White, Nina Chanel Abney, Angela Tiatia und Sally Smart.
Wenn Sie die Rolltreppe hinunterfahren, zieht Nina Chanel Abneys überschwängliches Gemälde 2 Step (2021) Ihre Aufmerksamkeit auf sich. Ihre kühnen, kantigen Figuren überfluten ihre große Leinwand. Abneys Arbeit sei leicht zu schlucken, aber schwer zu verdauen, sagt Paton: Sie steckt voller Farbe und Energie, erforscht die Erfahrungen der Afroamerikaner und bietet eine starke Kritik an Polizeigewalt.
Abney wurde in Chicago geboren und lebt in New York City; in einem anderen Gemälde, Framily Ties (2021), wendet sie ihre Aufmerksamkeit ihren Freunden oder ihrer auserwählten Familie zu. Ihre Figuren sind geschlechtlich fließend und kantig und nehmen eine ganz andere Themenposition ein als die, die Matisse oben porträtiert. Aber ihre Verwendung von Farbe und Maßstab entspricht Matisses Tanzwandmalereien, und ein Gefühl von Lyrik und kinetischer Freude ist in den Arbeiten beider Künstler spürbar.
The Pearl (2021) ist eine faszinierende Videoarbeit von Angela Tiatia, das Ergebnis einer kürzlichen Recherchereise nach Tahiti. Tiatia ist eine in Sydney lebende Künstlerin, die in Neuseeland mit samoanischer Herkunft geboren wurde.
In The Pearl öffnen und schließen sich leuchtend rosa Plastikmuscheln, während hyperreales, computergeneriertes Wasser schäumt und zu einem Crescendo von Trommeln darüber fließt. Tiatia erzählt den klassischen Mythos von der Geburt der Venus neu, wobei sie Matisses eigene Venus in einer Muschel (1930) als Ausgangspunkt nimmt.
“[Tiatia is] Sie möchte die Position von Künstlern und anderen ansprechen, die in den Pazifik reisen und den weiblichen Körper auf eine Weise betrachten … Sie spricht darüber aus einer sehr zeitgenössischen Position – der Fähigkeit, sexuell, vital … die koloniale Sicht auf den Pazifik“, sagt Dunn.
Die collagierte Stoffinstallation von Sally Smart lenkt die Aufmerksamkeit auf die Arbeit der Assistentinnen von Matisse, die seine Cut-outs schufen – sichtbar auf Fotografien, die in der Ausstellung gezeigt werden.
Robin Whites auf Rindentuch gemalte Innenszenen zeigen Gespräche mit Matisse im Pazifik, wobei der Künstler durch Symbole repräsentiert wird: Hut, Schuhe und Stuhl.
Die Show bietet auch einen schönen Hang von Tivaevae: bestickte Steppdecken, die in ganz Polynesien hergestellt werden, mit kühnen, reduzierten Designs, die die klare Inspirationslinie zeigen, die Matisse daraus gezogen hat. Er nahm zwei Tivaevae mit nach Frankreich.
Mit vier zeitgenössischen Künstlern – zwei mit Verbindungen zum Pazifik –, die fast 70 Jahre nach seinem Tod auf Matisse zurückkommen, signalisiert Matisse Alive die Verpflichtung, die komplexen Hierarchien innerhalb der Kunstgeschichte und die Rolle unserer Institutionen umfassender und kritischer zu betrachten spielen, sie für die Zukunft zu dekonstruieren.