TZwei Wochen im Jahr 2023 und wir sind bereits bei einer der heißesten und am meisten gehypten Shows des Jahres angekommen. Die Aufregung um diese Produktion von Tennessee Williams’ Drama aus dem Jahr 1947 über Verlangen, Wahnvorstellungen und Geisteskrankheiten lag sowohl an der Besetzung des Filmstars Paul Mescal als auch an der Regisseurin Rebecca Frecknall, deren Wiederbelebung von Cabaret im vergangenen Jahr zahlreiche Auszeichnungen erhielt.
A Streetcar Named Desire rechtfertigt den Hype, obwohl es zunächst so aussieht, als ob Frecknalls Regievision von einer zügellosen Theatralik angetrieben wird, die Mescals (und jede andere) Leistung in den Schatten stellen und dem Stück seine emotionale Kraft entziehen könnte.
Es gibt Zeitlupenbewegungen und einen plötzlichen Regenguss auf der Bühne, während die Darsteller Requisiten tragen und wieder wegnehmen, um die Tatsache hervorzuheben, dass sie sowohl die Rolle des Schauspielers als auch die Rolle spielen. In seinem Geist ähnelt es dem verblüffend überarbeiteten Oklahoma! letztes Jahr inszeniert, obwohl sich die stilistischen Innovationen dieser Produktion kantiger anfühlten.
Vor allem in der ersten Hälfte scheint es, als würden wir eher zuschauen als in die Welt des Stücks einzutauchen, obwohl es nie aufhört, in seiner Wirkung zu fesseln.
Aber allmählich gewinnt es an Bedeutung. Schauspieler außerhalb der Bühne sitzen an der Seitenlinie und starren oder umkreisen das fast leere Set, das von Madeleine Girling entworfen wurde, während die Handlung stattfindet. Ihre umherstreifende Präsenz erzeugt in der winzigen Wohnung in New Orleans, in der Blanche DuBois (Patsy Ferran) zusammen mit ihrer Schwester Stella (Anjana Vasan) und Stellas Ehemann Stanley Kowalski (Mescal) zusammengepfercht ist, eine physische Art von Klaustrophobie und Besorgnis. Stanley zieht sich aus, um die brutale Bedrohung seiner muskelbepackten Gestalt zu enthüllen; Blanche tut dasselbe, um ihre Schwachstellen offenzulegen.
Es ist am stärksten in der Verwendung von Sound (entworfen von Peter Rice) und Musik (komponiert von Angus MacRae). Mescals plötzliche Schreie landen wie Schläge und manche Worte verwandeln sich in tierisches Jaulen. Zeilen aus Liedern wiederholen und hallen wider, als wäre Blanche in einer halluzinatorischen Schleife gefangen. Vor allem schlagen und dröhnen Trommeln, während Becken krachen und ihre eigene akustische Gewalt erzeugen (sowohl die Sängerin Gabriela García als auch der Schlagzeuger Tom Penn sind exzellent). Wo Benedict Andrews‘ Produktion von 2014 mit Gillian Anderson in der Hauptrolle dem Drama durch eine ständige Bühnenrotation einen destabilisierenden Schwindel verlieh, ist es hier der Sound, der die verwirrende Aufregung erzeugt. Die zweite Hälfte behält alle theatralischen Ticks bei, aber sie kommen voll zur Geltung und bringen Angst und Gefahr.
Mescal erscheint auf der Bühne so natürlich wie auf der Leinwand. Er hat eine verständnislose Verachtung für Blanche und ihre herrischen Urteile über ihn, aber wir sehen seine eifersüchtige Unsicherheit durch seine Wut und dass der wahre Kampf zwischen Stanley und Blanche um Stellas Herz geht.
In seinem Angriff auf Blanche wird er zu dem „Tier“, das sie ihm vorgeworfen hat – räuberisch, bedrohlich, ausgestreckt auf allen Vieren. Obwohl diese Szene als eine Art Gruppentanz choreografiert ist, enthält sie ein starkes Gefühl der Verletzung.
Mescals Leistung wird von seinen beiden begleitenden Leads übertroffen. Ferran, der letzten Monat für die Rolle von Blanche einsprang, als Lydia Wilson verletzungsbedingt zurücktrat, ist ein Schmetterling in durchsichtigen Kleidern, dessen Nerven schnell durcheinander sind, der aber in ihren Machtkämpfen mit Stanley eine stählerne Front behält. Vasans Stella hingegen hat eine sanfte, sinnliche Chemie mit Mescal und eine brisantere Beziehung zu ihrer Schwester.
Trotz all seiner raffinierten Künstlichkeit und seines Nicht-Naturalismus ist es die Kraft dieser Darbietungen, die dieser Produktion ihre wilde und gefährliche Energie verleiht.