GWenn Sie in Ghana rudern, ist es unmöglich, nicht in die Mode einzutauchen. Ein endloser Strom von Farben und Stoffen ist eine ständige Präsenz; eine Affinität zu Design und Stil ist spürbar. Jeden Tag ging ich auf dem Weg zur Grundschule in Cape Coast über den Markt der Stadt, das war wie ein Spaziergang durch das schönste Textilmuseum der Welt. Es gab die Läden und Stände, ja, aber auch lebende Exponate: die stilvollen Frauen, die in Kaba an ihren Ständen arbeiteten, und die Kunden mit großen Augen, die die neuesten Drucke und Fotokataloge durchstöberten, um sich inspirieren zu lassen, was sie für eine bevorstehende Veranstaltung oder Kirche anziehen sollten Gottesdienst am Sonntag. Diese Sinneserinnerungen bleiben bei Ihnen.
Nach meinem Abschluss in Wirtschaftswissenschaften und Statistik an der Universität im Jahr 2006 kehrte ich zu diesen Erfahrungen zurück und bastelte an siebbedruckten T-Shirts, bevor ich meinen Weg zur Stickerei fand. Fast ein Jahrzehnt später strebte ich eine anspruchsvollere Karriere an und ging nach Südafrika, um Modedesign zu studieren. Ohne mein Wissen hatte ich mich für ein Mode-Merchandising-Programm eingeschrieben, das später zu einem MA in Modedesign führen würde. Vielleicht durch meinen wirtschaftlichen Hintergrund angeregt, stellte ich fest, dass der unbeabsichtigte Weg mein Interesse an der globalen Lieferkette der Mode geweckt hat. Mir wurde ziemlich schnell klar, dass ich in die reichhaltige Vielfalt afrikanischer Mode eintauchen und die nächste Welle von Designern dabei unterstützen wollte, ihre jeweiligen Volkswirtschaften zu beeinflussen, anstatt nur meine eigene Kleidung zu machen.
Die Art und Weise, wie junge Menschen hier entwerfen und sich kleiden, ist in ständigem Wandel. Es ist Teil einer umfassenderen Neuinterpretation an der Schnittstelle von Kultur und Geschichte, die Afrikaner dazu bringt, ihre Identität in Frage zu stellen. Mein vollständiger Name ist Kenneth Kweku Nimo. Ich bleibe bei Ken, weil es für Menschen außerhalb meiner Kultur einfacher ist, es auszusprechen. Wenn es nach mir ginge, wäre ich nur Kweku Nimo. Zunehmend lassen junge Ghanaer christliche Namen fallen, die ihren Eltern und Großeltern unter der Kolonialherrschaft aufgezwungen wurden, und nehmen die traditionellen Namen ihrer Gemeinschaft und Kultur an. Man kommt nicht umhin, sich zu fragen, was sonst noch verloren ging, als Afrika dem Imperialismus unterworfen war. Aus diesem Grund verändert diese neue Generation auch die Art und Weise, wie sie darüber denkt, was sie trägt und wie es hergestellt wird.
Diese Schnittmenge von Identität, Kolonialismus und Mode in Afrika ist nichts Neues. Meine Stadt Cape Coast war ein wichtiger Ort im transatlantischen Sklavenhandel. Kolonialisten exportierten Afrikaner nicht nur gewaltsam, sie brachten auch Kleidung, Textilien und Luxusartikel mit. Spuren dieser Importe sind noch heute in der Art und Weise sichtbar, wie wir uns kleiden.
Als Missionare eintrafen, wurden Frauen, die sich dem Christentum angeschlossen hatten, von weißen europäischen Frauen begrüßt, die ihnen Handarbeiten und Schneidern beibrachten. Nach dem Ende der Kolonialherrschaft war kultureller Aktivismus ein wichtiger Bestandteil des Wiederaufbaus Afrikas. Kwame Nkrumah, der erste Präsident eines unabhängigen Ghana, verkündete die Geburt eines neuen Afrikaners, nicht wie erwartet im Anzug, sondern im Fugu, dem traditionellen Kittel. Nkrumahs Freiheitsideologie ging über die Befreiung von der Kolonialherrschaft hinaus und umfasste die Rückgewinnung einer afrikanischen Identität.
Nkrumahs tadelloser Stil und seine Beherrschung der Semiotik der Mode waren beispiellos, da er in einem Repertoire diplomatischer Gesten treffend indigene Kleidungsstile übernahm. Schauen Sie sich an, wie Nkrumah ein besonderes Kente-Tuch trug, das gleichbedeutend mit Vergebung ist, als er mit Prinzessin Marina, der Herzogin von Kent, auf dem großen Präsidentenball tanzte. Er stimulierte auch die Modeindustrie durch Importsubstitutionspolitik und sponserte Ghanas ersten professionell ausgebildeten Designer, Chez Julie, zum Studium in Paris. In den 1990er Jahren wegweisender ghanaischer Designer Kofi Ansa brachte den modernen afrikanischen Stil auf die globale Bühne. Mode wurde zum Katalysator für eine neue Identität auf einem Kontinent, der zu lange einer jahrhundertelangen europäischen Akkulturation ausgesetzt war.
Die neue Kohorte von heute der Designer geht einen Schritt weiter – sie stellt nicht nur westliche Kleidungsformen in Frage, sondern sucht nach verloren gegangener Ästhetik, Handwerk und Prozessen und haucht ihnen neues Leben ein. Soziale Medien und Popkultur sind wesentliche Katalysatoren für dieses Phänomen. Instagram-Konten, die restaurierte Fotografien von Darstellern aus alten Filmen zeigen, beschwören eine nostalgische Vergangenheit herauf, dienen aber auch als Inspiration für zeitgenössische Designer.
Unter der Kolonialherrschaft wurde den Afrikanern der Zugang zu ihren eigenen Ressourcen verweigert und ihre Freiheit, Geschäfte zu betreiben, eingeschränkt. Importierte europäische Textilien wurden von den Machthabern bevorzugt, was der heimischen Wirtschaft zugute kam, die einen systematischen Abbau der zuvor bestehenden Infrastruktur erlebte. Durch Forschung, Innovation und ein unermüdliches Streben nach Exzellenz trotzen zeitgenössische Designer den Widrigkeiten, um historische Herausforderungen zu meistern, die die Textil- und Bekleidungslieferkette seit der Kolonialisierung geplagt haben.
Die Avantgarde zeitgenössischer afrikanischer Designer bewegt sich weg vom Klischee afrikanischer Drucke hin zur Übernahme und Aufwertung einheimischer Textilien. Ab dem späten 18. Jahrhundert kam ein Zustrom von Imitationsdrucken aus Europa und wurde bald begehrt. Aber diese stammten tatsächlich nicht aus Afrika, sondern aus Orten wie Manchester und den Niederlanden. Heute herrscht Skepsis gegenüber diesen Materialien, und Designer stehen ihrer Herkunft kritisch gegenüber. Dies könnten die Kleidungsstücke ihrer Großeltern gewesen sein, aber die neue Generation blickt weiter zurück und entscheidet sich für lokal gewebte Textilien für ihre Kollektionen. Und anstatt das zu wiederholen, was im Westen passiert, schätzen wir unseren eigenen lokalen Markt. Wir produzieren für unseren eigenen Kontext und exportieren Designs auch stolz an ein globales Publikum. Workshop-Moodboards bestehen nicht mehr nur aus Bildern der Laufstege der Modewochen in Paris und London. Stattdessen fungieren afrikanische Bilder als Inspiration und Referenz, sei es für Couture oder zugänglichere Alltagskleidung.
Da ist der nigerianische Designer Tokyo James, der tadellose Savile-Row-Schneiderei auf Aso-Oke-Stoffe anwendet. Kente Gentleman aus der Elfenbeinküste fertigt exquisite moderne Anzüge aus handgewebtem Kente-Stoff. Kapstadt ansässig Lukhanyo Mdingi, die beim LVMH-Preis 2021 den begehrten Karl Lagerfeld Award gewann, setzt sich für einheimische Materialien und Modeproduktion ein. Kamerunischer Designer Imane Ayisi wird weltweit für seine Geschicklichkeit im Umgang mit Textilien wie Akwete, Faso Dan Fani und Kente, während der südafrikanischen Marke, gefeiert Maxhosa Afrika erforscht die farbenfrohen Perlen- und Handbemalungstraditionen der isiXhosa. Auf dem ganzen Kontinent erleben wir Designer in ständiger Zusammenarbeit mit Produzenten, um lokale Industrien und historische Prozesse zu unterstützen. Das Ergebnis sind hochmodische, moderne Designs, die auch unserem kulturellen Erbe echte Ehrerbietung zeigen.
Wie es Michael Segalov gesagt wurde
Africa in Fashion: Luxury, Craft and Textile Heritage von Ken Kweku Nimo wird herausgegeben von Quercus am 5. Mai um 30 £