Christoph OramBühnen- und Kostümbildner: Das Schöne an dem Film ist, dass er sich wie ein klassisches Märchen verhält, aber auch alle Regeln bricht. Frozen ist subversiv und deshalb erfolgreich.
Finn RossVideodesigner: Ich fand das Design von Elsas Magie im Film wirklich schön. Es ist nicht nur ein hübsches Funkeln in der Luft, sondern sehr emotional mit ihrem Geisteszustand verbunden und die Magie wird zu einer Erweiterung von ihr. Theatralisch dachte ich, das könnte reif für das Erzählen sein.
Neil AustinLichtdesigner: Wie bei „Harry Potter und das verwunschene Kind“ bot sich hier die Chance, die nächste Generation von Theaterbesuchern anzusprechen. Bei Potter war ein großer Prozentsatz des Publikums in unserem ersten Jahr zum ersten Mal Theaterbucher. Das war wieder einer dieser Momente – man möchte, dass der erste Theaterbesuch etwas Besonderes ist, man will niemanden abschrecken!
FinnRoss: Ich habe an Harry Potter, Curious Incident, Back to the Future gearbeitet … sie sind alle unglaublich wertvoll für die Menschen. Für das Publikum ist dies fast das Ultimative auf ihrer Reise des Frozen-Fandoms – es ist zu sehen, wie das, was ihnen sehr viel bedeutet, zum Leben erweckt wird. Das ist eine privilegierte Position, die man dann als Designer einnimmt, und eine große Verantwortung.
Christoph Oram: Du versuchst ihr neue Energie und Leben einzuhauchen, bleibst aber der Welt treu, die die Menschen erwarten. Die Silhouetten bleiben also gleich, aber die Details sind unterschiedlich. Sie möchten sicherstellen, dass Elsa ein langes, wunderschönes blaues Kleid trägt. Das Kleid, das Samantha Barks trägt, ähnelt eigentlich kaum dem der animierten Figur, aber es besteht den, wie ich es nenne, Schieltest. Es ist ein ganz anderes Kleidungsstück, das auf unterschiedliche Weise funktioniert. Snow war der Elefant im Raum. Bei Frozen dreht sich alles um Schnee … und Schnee ist auf der Bühne eine völlig unpraktische Sache.
FinnRoss: Wir haben einen massiven Prozess der Charakterisierung von Eis in verschiedene Emotionen durchlaufen – glückliches Eis, trauriges Eis, ängstliches Eis, freudiges Eis. Wenn ich mir jetzt Eis anschaue, kann ich nicht anders, als es zu vermenschlichen! Aber in Elsas Welt ist es nicht nur gefrorenes Wasser – es ist ein Produkt von ihr und repräsentiert, wie sie sich fühlt.
Neil Austin: Bei der Beleuchtung können Ihre Einflüsse eher emotional als von der realen Welt sein. Christopher nahm seinen Einfluss aus Skandinavien. Es gibt eine gewisse Menge Hammershøi (Design) in den sehr kalten und sehr dunklen Szenen, aber es hat so viel mehr mit den Emotionen der Musik und dem Drama der Worte zu tun.
Christoph Oram: Der Rahmen um die Bühne ist der norwegischen Holzarchitektur nachempfunden. Es gibt Schnitzereien von Szenen aus der Geschichte von Frozen sowie anderen Disney-Shows, darunter The Lion King und Aladdin – das ist Teil einer Disney-Tradition, „versteckte Mickeys“ in ihren Themenparks und Filmen zu platzieren.
FinnRoss: Transformation ist ein großes Thema in der Show. Auf seiner einfachsten Ebene könnte sich das von Stein zu Eis ändern. Chris und Richard Nutbourne, die Landschaftskünstler, entwickelten eine Methode, um die „Eisbeine“ so zu bemalen, dass sie unter normaler Theaterbeleuchtung wie Stein aussehen, aber wenn Sie die LED-Leuchten in ihnen aktivieren, sieht es aus wie Eis.
Christoph Oram: Wie viele Shakespeare-Stücke beginnt die Geschichte an einem Ort und führt dann in eine Wildnis, in der sich die Charaktere wiederfinden – wie der Wald von Arden in As You Like It oder Illyria in Twelfth Night. Wir gehen von einem Raum, der Sie umschließt – die schwere Holzarchitektur eines von Kerzen beleuchteten Schlosses – zu einem Raum, der Sie befreit. Wir wollten nicht, dass das Schloss zu bedrückend wirkt – es gibt eine Weichheit und viel Farbe im Rosemaling, einem norwegischen Stil, bei dem Blumenmotive auf Holzarbeiten gemalt werden. Die Fenster in den Mädchenzimmern lassen Sie die Berge draußen und die Aurora Borealis sehen. Es gibt Ihnen ein Gefühl dafür, was kommen wird. Wir fanden eine Farbe für den Boden, die bedeutete, dass es sowohl ein Marmorboden im Schloss als auch eine gefrorene Tundra sein könnte.
FinnRoss: Mit Frozen wäre es sehr einfach, einen ganzen Abend nur blau zu machen. Das will man nicht – das ist langweilig für das Publikum. Also bin ich jede Szene durchgegangen und habe mir eine Farbreise ausgedacht, die das Eis durchlaufen muss, einschließlich Violett, Cyan und Grün. Der Sonnenaufgang am Ende von Let It Go bringt einen rosa Ton in den Raum. Sie möchten etwas, das gleichzeitig natürlich und fantastisch aussieht.
Neil Austin: Die Rolle des Lichtdesigners ist eine Mischung aus Rollen – wie z. B. aus der Filmwelt, Oberbeleuchter, Kameramann, Kolorist und Cutter. Das Publikum sitzt die ganze Show über mit Weitschuss da. Es liegt am Lichtdesign, Ihren Fokus auf die Bühne zu lenken, hinaus oder über die Bühne zu ziehen. Der Eindruck der Öffentlichkeit von Beleuchtung ist, dass es Beleuchtung ist, aber tatsächlich ist es, wie bei einem Maler mit Hell-Dunkel, viel wichtiger, wo die Schatten fallen und wie das Bild so dynamisch wie möglich werden kann. In Let It Go ermöglichen uns diese Schatten, uns zu verstecken oder zu verdecken, und lenken die Aufmerksamkeit davon ab, wie sich Elsas Kleid ändern wird.
Christoph Oram: Die Let It Go-Sequenz war ein Berg, den es zu erklimmen galt. Viele sehr brillante Leute über, unter und neben der Bühne machen es möglich. Das ist der Nervenkitzel, Theater zu machen. Wir haben Physik und Schwerkraft und Budgets, über die wir für die Bühne nachdenken müssen, das ist anders als bei Animationen. Wir mussten praktisch sein, aber etwas optisch Erstaunliches liefern. Alle ziehen an einem Strang, um einen Moment triumphaler Erlösung zu schaffen.
FinnRoss: Let It Go muss bauen, bauen und bauen und dann, wenn du denkst, dass es nicht weitergehen kann, ein ganz neues Level finden, auf das du gehen kannst. Es sind sehr schwindelerregende vier Minuten. Dies ist ein Disney-Musical – also gehen Sie groß oder gehen Sie nach Hause. Sie haben so viel Zeit und Ressourcen, es ist eine großartige Gelegenheit, das Medium voranzutreiben und ein paar Risiken einzugehen.
Christoph Oram: Elsas Palast hat einen vollflächigen Swarovski-Kristallvorhang, der die fantastische Fähigkeit hat, zu funkeln und zu schimmern. Swarovski baute es nach unserem Design. Es hat ein florales Muster, das an die Rosemaling im Schloss aus Elsas Kindheit erinnert.
FinnRoss: Auf der Bühne befindet sich eine riesige LED-Wand mit einem Pixelabstand von 3,9 mm. Die Farbwiedergabe ist unglaublich satt und gibt Ihnen viel Tiefe. Sobald Sie sich dazu verpflichtet haben, dort oben für den ganzen Abend eine riesige LED-Wand zu haben, wird es zu einer Art Tier, das es zu füttern gilt, aber es macht Spaß, diese Aufgabe zu übernehmen.
Neil Austin: Vor dem „Tor auf!“ Moment habe ich vorher die Lichtstufen heruntergezogen, um die Augen des Publikums an die Dunkelheit anzupassen. Dann hat Finn ein wirklich schönes, helles Bild auf diesem LED-Bildschirm. Es ist eine metaphorische Öffnung ebenso wie das Licht, das hereinkommt – Sie möchten, dass das Publikum die Freude des Sonnenlichts spürt, das durchkommt.
FinnRoss: Videodesign ist unglaublich intersektional – Sie arbeiten in den frühen Phasen der Show eng mit dem Bühnenbildner zusammen und dann, wenn Sie im Theater sind, arbeiten Sie auch eng mit dem Lichtdesigner zusammen. Videodesigner nehmen aufgezeichnete oder Live-Videoinhalte und integrieren sie in die Szenografie, Dramaturgie und den Ablauf einer Show, sei es durch Projektion auf LED-Bildschirme, Fernsehbildschirme oder mithilfe von Kameras. Wir bauen das in ein lebendiges, atmendes Design ein. Die Videoabteilung wird eine Visualisierung des Designs zusammenstellen und diese zur weiteren Diskussion an das breitere Team weiterleiten. Wenn Sie es dann auf die Bühne bringen, können Sie erkennen, dass alles falsch ist und geändert werden muss, weil Sie es sowohl räumlich als auch zeitlich spüren.
Neil Austin: In Summer ist ein verrückter kleiner Varieté-Moment mitten in der Erzählung, in dem Sie in die innere Welt von Olaf eintreten – es ist eine meiner Lieblingsnummern.
Christoph Oram: Es gab viele Probleme zu lösen, also umgibt man sich mit großartigen Menschen – wie Finn, Neil und Michael Curry, dem Puppendesigner. Sie alle bringen ihre Expertise ein. Und Sie verlassen sich darauf, dass der Darsteller die Puppe animiert. Craig Gallivan hat eine so gute Beziehung zu der Puppe – sie ist sowohl eine Erweiterung von ihm als auch ihr eigener individueller Charakter.“
Christoph Oram: Ein Gefühl der Einheit und Harmonie kommt von einer Person, die sowohl Bühnenbilder als auch Kostüme entwirft. Wolf Halle [which Oram designed for the RSC] war eine riesige Kostümshow – wir brauchten einen neutralen szenischen Raum, um die Geschichte visuell durch das Kostüm zu erzählen.
„Frozen“ ist ein Ort, an dem Kostüm und Kulisse wirklich zusammen die Geschichte erzählen. Nicht ohne Ironie ist Frozen auch ziemlich heiß auf die Schauspieler. Im Whiteout am Ende tragen sie Kostüme, die dick und wollig aussehen müssen, aber es gibt auch eine riesige physische Tanzsequenz, also mussten wir Stoffe finden, die schwerer erscheinen als sie sind, und Stücke herausschneiden, damit sie nicht unpraktisch zum Tanzen waren .
FinnRoss: Einige der in der britischen Produktion verwendeten Technologien unterscheiden sich stark von der Broadway-Produktion, und zwischen ihnen liegen nur ein paar Jahre – das zeigt die bedeutenden Entwicklungen, die gemacht wurden. Die Systeme und Tools, die wir verwenden, sind so konzipiert, dass sie genau dasselbe ohne Variation wiederholen. Die Videoeffekte laufen alle nach Timecode – bei so vielen sich bewegenden Kulissen braucht man aus reiner Sicherheitssicht für den Darsteller Präzision. Es bedeutet auch, dass jedes Publikum die gleiche Showqualität erhält.
Neil Austin: Die Erfindung des blauen LED-Lichts und der Farbwechseltechnologie hat die Theaterbeleuchtung völlig verändert. Es gibt eine geringere Leistungsaufnahme und auch künstlerisch hat sich die Auswahl erweitert. Alle diese LED-Einheiten ändern ihre Farbe, und Sie können dies aus der Ferne von der Beleuchtungsplattform aus tun.
Christoph Oram: Die Bühne in London ist doppelt so tief wie unser Theater in New York, also haben wir Platz, um die große Brücke hinter der Bühne zu verstauen. Auch die Treppe im Palast haben wir für London neu gebaut. Durch den zusätzlichen Platz, den wir haben, ist es nicht so chaotisch – das ganze Garderobendorf befindet sich hinter der Bühne, sodass niemand fünf Stockwerke hochlaufen muss, um sich umzuziehen.
Neil Austin: Die Renovierung der Drury Lane ist erstaunlich – nicht nur was Sie als Publikum sehen, sondern auch hinter der Bühne. Sie haben viel Geld für ein neues Netz, neue Dimmer und eine neue Infrastruktur ausgegeben.
Christoph Oram: Das Theatre Royal Drury Lane hat ein Gefühl von Erhabenheit und Königlichkeit, das sich für die Geschichte eignet, sogar die Farben im Auditorium ähneln denen auf der Bühne.
Neil Austin: Sie haben die Verantwortung dafür zu sorgen, dass jeder eine gute Show sieht. Bei Vorbesichtigungen schaut man von den billigsten, am meisten verdeckten Plätzen hinten auf dem Balkon aus, um zu prüfen, ob von dort aus alles in Ordnung ist. Sie sitzen und sehen es sich mit einem Publikum an und erkennen, was Sie verpasst haben. Man prüft, ob man Storytelling ist, was wir alle sind – ja, jede Designabteilung hat eine technische und künstlerische Disziplin – aber Storyteller sind wir alle.