no Schwüle auf der Veranda, keine Scuppernongs, keine eingelegten Schweinshaxen. Vor allem kein wirkliches Gefühl für die gleichzeitige Fremdheit und Nähe anderer Menschen. Regisseur Bartlett Shers Inszenierung des fesselnden Romans von Harper Lee Eine Spottdrossel zu töten kommt mit Böen des Broadway-Erfolgs und Fluten des richtigen Denkens. Es hat eine starke zentrale Leistung von Rafe Spall, voller bescheidener Überzeugung als weißer Anwalt Atticus Finch, und eine lodernde von Patrick O’Kane als Klan-anhänglicher Schläger. Trotzdem ist dies ein dünner, oft unangenehmer Abend. Mehr Argument als Erfahrung.
Aaron Sorkins „neues Stück“ stellt das Gerichtsdrama, in dem Finch einen schwarzen Arbeiter gegen eine erfundene Anklage wegen Vergewaltigung verteidigt, von Anfang an in den Mittelpunkt. Es ist eher der Rahmen des gesamten Abends als der Höhepunkt von Ausgrenzung und langjährigem Tribalismus. Zum ersten Mal überhaupt hielt mich ein Entwurf der großen Miriam Büther vom Geschehen ab, anstatt mich hineinzustürzen: Gerichtssaal, Gehöft und Gefängnis hocken abwechselnd in einer trostlosen grauen Lagerhalle. Das Gefühl einer angeborenen Gemeinde, in der Familien Merkmale über Generationen hinweg identifizieren können – „jeder dritte Merriweather ist krankhaft“ – fehlt, visuell und verbal. In Lees Roman ergeben Duft und Wut eine giftige Mischung: damenhafte weiße Frauen, die ihre Vorurteile anfachen, während sie ihren Tee schlürfen, sind die zierliche Version der Männer, die sich in Kapuzen versammeln, bereit zum Lynchen. Das Gefühl des Gruppendrucks würde dramatische Kraft hinzufügen: Die Bühne ist oft unterbevölkert, nicht zuletzt in der Gerichtsszene (vergleichen Sie die wimmelnden Menschenmengen des Gregory-Peck-Films!), wo sich die Zuschauer nicht erwartungsvoll in die Handlung lehnen, sondern in einen kleinen eingepfercht werden Raum wie fragende Wellensittiche.
Auch fehlt die üppige Eigenart des Romans. Die Geschichte des von den Kindern gefürchteten und verfolgten Außenseiters Boo Radley fehlt bis zu den Schlussszenen, als er in einem plötzlichen Geschwätz von Handlungszusammenfassungen hinter einer Tür auftaucht (Boo!). Lees Roman schafft eine Landschaft, in der jeder verdächtigt wird, dessen Leben nicht bekannt ist. In Sorkins Stück geht es um einen einfachen Zusammenstoß.
Das N-Wort wird mehr als einmal verwendet, aber einige Aspekte des Romans wurden angepasst. Die schwarze Haushälterin Calpurnia – in Lees Bericht mehr oder weniger schweigsam – greift Finch energisch und nicht ganz plausibel an, weil sie erwartet, dass sie dankbar ist, während Finch als weniger heldenhaft angesehen wird, nicht zuletzt, weil er Dankbarkeit erwartet. Trotzdem hat Calpurnia nicht das innere Gewicht der weißen Kids (eines nach dem Vorbild von Lees Kindheitsfreund Truman Capote), die die Handlung herumkommandieren und dem Publikum sagen, was los ist. Sie tun dies oft beim Herumtollen – viel zu sauber und gespenstisch alt aussehend. Sie belehren uns, anstatt uns, wie es der Roman tut und was jedes große Theater tun sollte, zu erlauben, in den Schuhen anderer zu stehen.
Ich hoffe, dass das West End-Publikum jetzt auf die Beine kommt Töten eine Spottdrossel vielleicht bald das gleiche tun für Die Mozart-Frage. Was für eine strahlende Inszenierung Jessica Daniels aus Michael Morpurgos Kurzgeschichte gemacht hat. Ich habe seit der Eröffnung im Jahr 2018 Probleme, zu Cirencester’s Barn zu gelangen. Es steht jetzt ganz oben auf meiner Liste der Theater, um die ich einen Tagesausflug aufbauen kann. Die ehemalige Nissenhütte am Rande einer goldenen Stadt mit 200 Plätzen unter ihren Holzsparren lädt nicht nur etablierte Stücke auf, sondern schafft neue Werke. Wie hier.
Dies ist die wichtige Geschichte von jüdischen Musikern, die von Nazis gezwungen wurden, ihre Instrumente in den Konzentrationslagern zu spielen, oft als schrecklich desinfizierende Begrüßung für Neuankömmlinge aus den Zügen. Es ist ein lebendiges Mahnmal, das auch die Frage aufwirft, ob Kunst durch Umstände kontaminiert ist. Vicki Berwicks Adaption könnte ein paar Biesen vertragen; es gerät manchmal ins Flache („Du hast unsere Musik verloren … verliere nicht unseren Sohn“) in einer Produktion, die wunderbar zeigt, dass Worte nicht die einzige Möglichkeit sind, eine theatralische Handlung im Theater zu steuern.
Acht der neun Mitwirkenden sind Musiker: ein dichtes Ensemble aus Streichern, die ihren Dialog mit Tönen von Rossini, Klezmer und Vivaldi sowie Wolfgang flichten. Ein Duett für Violinen, die sich langsam ineinander verflechten, ist zu hören, während sich zwei Charaktere ineinander verlieben. Ein Heranwachsender findet eine einzigartige Stimme, wenn er die Geige in die Hand nimmt, und bewegt sich vom Kratzen eines Teenagers zu einem silbrigen Klang. Während Häftlinge von einem Leben außerhalb des Lagers träumen, hören sie – unerreichbar, aber dennoch präsent – Harmonie um sie herum klingen.
Ein traditionelles Venedig – Straßenlaternen, Marionetten und warme Sommernächte – wird durch Ceci Calfs wunderschön schlichtes Design heraufbeschworen, bei dem eine bröckelnde Backsteinmauer mit kleinen Notenblättern bedeckt ist. Die prächtige Beleuchtung von Sam Rowcliffe-Tanner schnitzt einen warmen Raum für einen freundlichen Friseurladen (in einer netten Geste wird der Musiker, der seine Geige zugunsten einer Schere niedergelegt hat, für den Rhythmus gelobt, mit dem er Haare schneidet). Dann läuft die Farbe ab. Die Lager, die in einer Rauchwolke wie von einem Zug erreicht werden, werden durch den Mangel an Licht und die Stille evoziert. Wie mit eiserner Faust zusammengedrängt, verzerren Musiker in einem schmerzhaften Moment ihre Körper, heben Celli ebenso wie Geigen in die Luft: Die Instrumente scheinen ein Eigenleben zu haben.
Clybourne-Park war ein Knockout, als es vor 12 Jahren am Royal Court eröffnet wurde. Das Stück von Bruce Norris ist eine Antwort auf Lorraine Hansberrys gewaltige Erforschung von Rassismus und Geld in Amerika im Jahr 1959. Eine Rosine in der Sonne: Seine Fähigkeit besteht darin, Satire als Salonkomödie zu tarnen, das Publikum mit unangenehmen Witzen zu ärgern und die Ressourcen des Theaters zu nutzen, um ihre Vorurteile zu korrigieren. Die erste Hälfte zeigt eine gemütliche, bürgerliche weiße Nachbarschaft – Stehlampen, die Nationalgeographisch, eine Frau in einem gestärkten Rock, die mit Eisgetränken herumhantiert – erschrocken über die Ankunft einer schwarzen Familie (können sie Ski fahren?); Die zweite zeigt dieselbe Nachbarschaft eine Generation später, wenn die meisten Grundstückseigentümer schwarz sind und die eingehende Bedrohung von einem weißen Paar kommt, das die Geschichte der Gegend durch Abriss zerstören will. „Die Geschichte Amerikas ist die Geschichte des Privateigentums“, erklärt eine Figur; James Turners ordentliches, sparsames Design unterstreicht die Argumentation, indem es mit einem großen Puppenhaus beginnt und endet, das in der Mitte der Bühne erleuchtet ist.
Dies fühlt sich immer noch schlau und manchmal durchdringend an, aber der Biss seiner Neuheit hat nachgelassen: Die zweite Hälfte verjüngt sich; es ist eher stechend als bedrohlich. Dennoch ist die sehr helle, klare Produktion von Regisseur Oliver Kaderbhai ein gutes Argument für seine Wiederbelebung. Es gibt eine großartige Leistung von Katie Matsell, die gleichzeitig eine zutiefst taube, bevormundete Ehefrau und eine gormless, geschwätzige Liberale ist. Oh, und der beste Tampon-Witz seit der Zeit der armen Charles und Camilla. Warum sind Tampons wie weiße Frauen? Antworten auf einem Nicht-PC-PC.
Sternebewertung (von fünf)
Eine Spottdrossel zu töten ★★★
Die Mozart-Frage ★★★★
Clybourne-Park ★★★