EINAls junger Mann spielte Antonín Dvořák (1841-1904) Bratsche im Prager Operngraben, als Richard Wagner kam, um seine eigene Musik zu dirigieren. Die Erfahrung hinterließ Spuren, insbesondere in der beliebtesten von Dvořáks 10 Opern, Russalka (1900) mit seinen tschechischen Wassernymphen, die sicher enge Verwandte von Wagners Rheintöchtern sind. Die ehrgeizige neue Produktion des Garsington Festivals, komplett mit Aerialists und Tumblern, Seilen, Leitern und Laufstegen, finsterem Tintenbecken und Ausweidung vor dem Abendessen, ist gleichzeitig natürlich und industriell, gespenstisch und spektakulär. Unter der Leitung von Douglas Boyd und unter der Regie von Jack Furness zeigt es auf beunruhigende Weise, wie die Geschichte eines Wassergeistes, der Licht und Leben unter Menschen sucht, unsere Wünsche und unsere schlimmsten Ängste widerspiegelt.
Die Kulisse in Tom Pipers Entwürfen (Beleuchtung von Malcolm Rippeth) hat eine Belle-Époque-Atmosphäre, die dem Kompositionsdatum der Oper entspricht. Dekorative Eisenarbeiten erinnern an ein mitteleuropäisches Seebad, etwa die Kolonnaden von Marienbad, oder an die Pracht der Eisenbahnzeit, vielleicht an den Franz-Josef-Bahnhof in Prag, wo Dvořák als engagierter Trainspotter Stunden verbrachte und den Fahrplan auswendig kannte. Eine kreisförmige Plattform erhebt und senkt sich manchmal alarmierend, um die Tiefen zu enthüllen, in denen Vodnik, der Wassergeist, herrscht (gespielt mit gequälter Großartigkeit vom Bassbariton Musa Ngqungwana). Dvořák erschafft in seiner unruhig wogenden und melodischen Partitur eine Unterwasserwelt mit tiefen Holzbläsern und Blechbläsern: Gurgeln von Englischhorn, Bassklarinette, Bassposaune und Tuba werden zum Standard-Orchestermix hinzugefügt, alles lebhaft gespielt von den Solisten der Philharmonia Under Boyds prägnante Richtung.
Rundum wurden körperliche Anforderungen gestellt. Der eingespielte Chor muss barfuß im Wasser stehen („Ist es geheizt? Werden die extra bezahlt?“ Das waren dringende Pausenfragen in einer der kältesten, nassesten Nächte des Sommers.) Rusalka selbst schwingt wagemutig hin und her auf einem Seilzug. Mit Natalya Romaniw, der in Wales geborenen Sopranistin, die zwei Jahre später als beabsichtigt in der Rolle debütierte, hat Garsington eine ideale Darstellerin. Romaniw bewältigt die mächtige Gesangslinie mit Leichtigkeit, skaliert die vollen und ausdrucksstarken Kräfte des Orchesters und klingt niemals angestrengt. Auch agiert sie überzeugend. Ihr Charakter, der musikalisch durch das Kräuseln einer Solo-Harfe identifiziert wird, ist ein Gewirr von Komplexitäten. Als sie mit der lustvollen Umarmung des Prinzen, den sie liebt, konfrontiert wird, fühlt sie sich entsetzt, gejagt. Er wiederum, energisch gesungen von Tenor Gerard Schneider, nennt sie seine „weiße Hirschkuh“. Tierbilder ziehen sich durch diese Produktion, an einer Stelle baumeln sieben tote Tiere von den Dachsparren. Dvořák aus einer Metzgerfamilie hätte sich wohlgefühlt. Alle Solisten glänzten, von Christine Rice’s gruseliger Hexe Ježibaba über Sky Ingrams spröde, glänzende Foreign Princess bis hin zu den drei Waldnymphen (Marlena Devoe, Heather Lowe, Stephanie Wake-Edwards) und dem gesamten unterstützenden Ensemble. Erleben Sie es beim Edinburgh Festival (6., 8. und 9. August).
Dies ist Hochsaison für Country-Opernfestivals, mit etwa zwei Dutzend Repertoireoptionen allein in diesem Monat, ein Hinweis auf die post-Covid-Gesundheit der Kunstform. Es ist leicht, über die Verwüstung der letzten zwei Jahre für das Musikleben nachzudenken, aber wir sollten auch lautstark den unglaublichen, entschlossenen Aufschwung bejubeln. Jeder Musiker in der Londoner Kammerorchester hatte es geschafft, am ersten Tag des nationalen Eisenbahnstreiks (der einige Veranstaltungsorte wie das Royal Opera House zur Absage zwang) zum St. John’s Smith Square zu gelangen. Ihr Konzert mit dem finnischen Violinisten und Dirigenten Pekka Kuusisto war das letzte der Saison. Trotz des zwangsläufig erschöpften Publikums herrschte Partystimmung.
Kuusisto, zu dessen Starqualitäten Standup-Fähigkeiten gehören, schaffte es, einen Witz darüber zu machen Top Gun während Mozart, Haydn und eine Uraufführung von Freya Waley-Cohen, LCO Composer in Residence in dieser Saison, vorgestellt werden. Ihre hochwirksam Pocket-Kosmos – sie zitiert die Romanautorin Ursula K. Le Guin und die Dichterin Rebecca Tamás als Ausgangspunkte – bewegt sich von einer sprudelnden, knallenden, gefiederten Reihe von Orchesterklängen zu einer stillen, unheimlichen Innenwelt. Jetzt sollen es mehr Leute hören.
Für alle, die komplizierte Reisen unternommen hatten, um dort zu sein (die Leute hinter mir überprüften ihre Apps, um herauszufinden, wie sie nach Hause kommen würden), schuf Kuusistos herzlicher Empfang einen großartigen Gemeinschaftsgeist. Dies scheint nichts mit der Darbietung zu tun zu haben, die zufällig erstklassig war: Kuusisto war ein schwebender, tadelloser Solist in Mozarts Violinkonzert Nr. 5; er dirigierte von der Violine aus Haydns fröhliche, energisch gespielte Symphonie Nr. 88 in G. Tatsächlich ist diese Gemeinschaftlichkeit ein wesentlicher Bestandteil. Übersehen Sie es auf eigene Gefahr. Das Publikum muss noch dazu überredet werden, das Haus zu verlassen. Ein lächelndes Orchester, seltsam selten, ist ein Stärkungsmittel.
Londoner Festival für zeitgenössische Musik, gegründet 2013, bietet wilde und farbenfrohe Früchte, die nicht leicht an einem Ort zu finden sind, von Musik über Film, Rap und Poesie. Unterschiedliche Stimmen, grenzwertig und wesentlich, drängeln auf eine Weise zusammen, die Sie dazu einlädt, als Appelle zu sampeln. Die diesjährige Veranstaltung, die fünf Tage lang in Woolwich Works (einer ehemaligen Feuerwerksfabrik neben der Themse) stattfand, hieß The Big Sad. Wie das Programm es ausdrückte, spiegelte der Titel die gebrochene Stimmung unserer jüngsten Vergangenheit wider, obwohl das Geschäft des Hörens in diesem schönen, luftigen Raum alle Melancholie verbannte. Stücke, die an dem Tag, an dem ich ging, auffielen, waren Requiemeine überzeugende Improvisation von Solo-Schlagzeugerin Crystabel Riley, und Eclipse-Gefieder der italienischen, in Berlin lebenden Komponistin Clara Iannotta, in der Elektronik, Klavier und Streicher mittels Magnetfeldern (nein, ich weiß es auch nicht) eine geflüsterte Klangwelt heraufbeschworen.
Im Mittelpunkt stand die UK-Premiere von Staub II (2018/20) von Rebecca Saunders. Für zwei Schlagzeuger, Christian Dierstein und Dirk Rothbrust, und eine Reihe von Instrumenten ist der Ausgangspunkt Samuel Becketts Diese Zeit, in der er sich eine Bibliothek vorstellt, in der sich alle Bücher zu Staub aufgelöst haben. Das Stück beginnt so leise, dass man nicht sagen kann, dass es begonnen hat, und wird langsam klirrender, wobei mehrere große Glocken und hängende Dreiecke verwendet werden, die sich drehen und nachhallen, lange nachdem sie angeschlagen wurden. Beckett dachte an das Buch Genesis: „Denn Staub bist du, und zum Staub sollst du zurückkehren“. Eine aufmerksame Menge, sehr lebendig, saugte es auf.
Sternebewertung (von fünf)
Russalka ★★★★
LCO ★★★★
LCMF ★★★★