TNach drei Vierteln von John Lennons mitreißender Version von Stand By Me schleicht sich eine Gitarre in die Mischung mit einem Solo, das so geschmeidig und süß ist, dass es sich wie ein Kuss anfühlt. In Bob Dylans „Watching the River Flow“ steht eine schlaue Slide-Gitarre mit einem geistreichen und freien Sound im Mittelpunkt, während in der Mitte von „Doctor My Eyes“ von Jackson Browne ein Gitarrensolo die gesamte Flugbahn des Songs verändert und ihn in die Höhe schnellen lässt von einer tuckernden Ballade bis hin zu einem Vollrocker.
In jedem Fall ist der Gitarrist, der dafür verantwortlich ist, der Musik diese Formen und Farben hinzuzufügen, Jesse Ed Davis. Obwohl sich heute kaum noch daran erinnert, war Davis es das Go-to-Session-Gitarrist für die größten Musikstars der späten 60er bis 70er Jahre. Seine geschmackvollen Licks und chirurgischen Leads tauchten auf Soloalben von drei der vier Beatles (alle außer Paul) auf und landeten auf Aufnahmen von Rod Stewart (einschließlich des Nr. 1-Hits Tonight’s the Night), Eric Clapton, Leon Russell und Bryan Ferry , Willie Nelson, Harry Nilsson, Gram Parsons und viele mehr.
Auf dem Bildschirm ist Davis zu sehen, wie er die Hauptrolle in Taj Mahals wegweisender Band spielt, als sie 1968 im All-Star-Special Rock and Roll Circus der Rolling Stones auftraten. Drei Jahre später war er Teil der Kernband des von George Harrison organisierten epischen Konzerts für Bangladesch. Dann, 1975, wurde er gebeten, auf der letzten Tour von Rod Stewart and the Faces die zweite Gitarre zu spielen. Dazwischen fand Davis irgendwie Zeit, drei eigene Alben aufzunehmen, auf denen Stars wie Clapton, Russell und Dr. John mitspielten ihn. Doch trotz all dieser Bloßstellung und des Respekts hat Davis’ Geschichte eine tragische Seite. Seine Karriere und sein Talent wurden von einer Drogensucht verwüstet, die 1988 im Alter von 43 Jahren zu seinem Tod an einer Überdosis Heroin führte.
Jetzt, 35 Jahre später, ist eine Bewegung im Gange, die Classic-Rock-Fans an die Arbeit von Davis erinnert und sie einer neuen Generation vorstellt. Diese Woche wird das Legacy-Label Real Gone Music Davis’ selbstbetiteltes Solo-Debütalbum von 1970 erneut veröffentlichen. Eine gefeierte Dokumentation mit dem Titel Rumble, in der der Gitarrist zu sehen ist, ist auch auf Netflix zu sehen. Rumble zeichnet den Einfluss auf, den Indianer wie Davis auf die Popmusik hatten. (Der Gitarrist hatte Comanche-, Seminole-, Muskogee- und Cheyenne-Erbe väterlicherseits und Kiowa mütterlicherseits.) Davis wird auch durch ein bevorstehendes Buch gefeiert, das von Douglas K. Miller, einem Gelehrten der Kultur der amerikanischen Ureinwohner, der Indianer schrieb, über ihn geschrieben wurde in Bewegung: Mobilität und Urbanisierung der amerikanischen Ureinwohner im 20. Jahrhundert .
„Hier ist ein Typ, der auf über 100 der größten Alben der Classic-Rock-Ära mitgespielt hat, der mehr Menschen inspiriert hat, als wir zählen können, und doch ist er den meisten Menschen nicht bekannt“, sagte Miller. „Aber selbst wenn du nicht weißt, wer er ist, hast du ihn gehört.“
Während zahllose Zuhörer vielleicht unwissentlich Davis’ Werk gehört haben, haben sich einige große Musikerpersönlichkeiten direkt davon inspirieren lassen, um ihren eigenen Sound zu kreieren. Davis’ Slide-Gitarre auf Taj Mahals Debüt von 1968 inspirierte Duane Allman dazu, die Slide-Gitarre in den Mittelpunkt seines Stils zu stellen. „Die Geschichte besagt, dass Duane mit Gregg Allman einen brüderlichen Streit hatte und dann an einer Erkältung erkrankte“, sagte Derek Trucks, der mehr als 20 Jahre lang die Hauptrolle für die Allman Brothers spielte. „Gregg fühlte sich schlecht und kaufte Duane etwas Coricidin und diese erste Taj Mahal-Platte. Als er einen Tag später zurückkam, sagte Duane: „Bro, du haben um dieses Album auszuprobieren!’ Das war das erste Mal, dass Duane wirklich begeistert davon war, Slide-Gitarre zu spielen.“
Kein Wunder, dass Duane seine Arbeit auf der bahnbrechenden Version des Statesboro Blues der Allman Brothers auf Davis’ Take von Taj Mahals Debüt aufbaute. Davis’ Spiel legte auch eine Vorlage für Aerosmiths Sound fest. „Steven Tyler hat mir einmal erzählt, dass er und Joe Perry, als sie versuchten, den Sound von Aerosmith herauszufinden, mit Jesse zu diesem Taj Mahal-Album gingen“, sagte Gitarrist Stevie Salas, der Rumble produzierte. „Es war ihre Bibel.“
Davis’ Arbeit mit Taj Mahal führte auch dazu, dass der in Oklahoma geborene Spieler mit dem britischen Rockkönigtum in Verbindung gebracht wurde. Nachdem sie die Band von Taj Mahal in Los Angeles den Whiskey spielen sahen, luden die Rolling Stones sie ein, ihr einziger amerikanischer Gast im Rock and Roll Circus zu sein, einer Show, in der von John Lennon über Eric Clapton bis hin zu The Who alle auftraten. „Nach diesem Auftritt wollten alle mit Jesse spielen“, sagte Salas.
Miller glaubt, dass die Crème de la Crème der klassischen Rocker von Davis angezogen wurde, zum Teil wegen des Sinns für Geschichte, der in seiner Arbeit zum Ausdruck kommt. „Jesse verstand die frühen Rock-, Blues- und Jazz-Platten, die diese Jungs alle liebten, zutiefst“, sagte er. „John Lennon war besonders beeindruckt, dass sein Gitarrenstil an eine frühere Ära erinnerte, zu einer Zeit, als schnellere, aggressivere Gitarristen auftauchten. Jesses Stil war nicht einfach, aber etwas sensibler. Es gab mehr Platz und Platz zum Atmen.“
„Was für mich auffiel, war sein Ton und sein Gefühl“, sagte Trucks. „Es war etwas so Cooles in der Art, wie er spielte. Er war nie in Eile. Und sein Spiel hatte etwas Durchdringendes und Klares.“
„Er wollte einen saubereren Blues-Sound“, sagte Salas. „Er hat nicht viel Verzerrung verwendet. Für einen Gitarristen ist das der schwierigste Sound, weil er am unversöhnlichsten ist.“
Salas glaubt, dass ein weiteres Element in Davis’ Arbeit aus dem Erbe der Ureinwohner stammt, das er mit dem Musiker teilt. „Die Ureinwohner haben dieses Gefühl“, sagte er. “Es ist ein Rhythmus, der nicht wie jeder andere ist.”
Gleichzeitig sagte Miller, Davis habe widersprüchliche Gefühle in Bezug auf seine Herkunft – zumindest im Umgang mit Außenstehenden. „Er war sehr stolz darauf, ein amerikanischer Ureinwohner zu sein, aber er hat nicht viel darüber gesprochen“, sagte er. “Er wollte damit nie führen.”
Als Kind war Davis als einer der wenigen amerikanischen Ureinwohner an seiner Schule mit erheblichen Vorurteilen konfrontiert. Er schrieb über diese Erfahrung in einem Song aus seinem dritten Soloalbum Ching, Ching, China Boy. Der Titel ahmte den Namen nach, mit dem er von Kindern verspottet wurde, die ihn für einen Asiaten hielten. „Es war selten, dass Davis diesen Schmerz anerkennt“, sagte Miller. „Mein Gefühl ist, dass er es viel schwerer hatte, als er zugeben wollte.“
Zu Hause feierten die Eltern von Davis ihre Kultur und förderten die musikalischen Bestrebungen ihres Sohnes. Sein Vater war Grafikdesigner für das Militär sowie bildender Künstler. Seine Mutter, die als erste Kiowa-Frau einen Bachelor-Abschluss an der Oklahoma State University erwarb, unterrichtete Klavier. „Jesses Gitarrenspiel wurde stark von der Tatsache beeinflusst, dass er mit dem Klavier angefangen hat“, sagte Miller. „Er hat auch viele seiner Gitarrenlicks gelernt, indem er zu Count Basie-Platten mitgespielt hat – insbesondere zu den Bläserparts. Deshalb war seine Arbeit so melodisch.“
Ein trauriges Ereignis in Davis’ Familie zementierte schließlich sein Engagement für die Gitarre. Als er 15 wurde, starb sein Großvater. Die Familie ehrte die Kiowa-Tradition, ein Jahr der Trauer zu begehen, und Davis nutzte diese ruhige Zeit, um seine Fähigkeiten zu verbessern. Später erweiterte er seinen Sound, indem er mit zahlreichen lokalen Bands spielte. “Das gab ihm eine Grundlage dafür, mit vielen Leuten in vielen verschiedenen Stilen zu spielen”, sagte Miller.
Nach seinem College-Abschluss war Davis erster professioneller Auftritt mit Conway Twittys Band, die Rockabilly-Country spielte. Diese Gelegenheit führte ihn nach Los Angeles, wo er Leon Russell kennenlernte, der bereits ein wichtiger Akteur in der Session-Szene war. Davis’ Vielseitigkeit und Erfahrung ließen ihn genau dazu passen. Die besondere Art und Weise, wie Amerikaner wie Russell und Davis sich später mit britischen Stars wie Clapton und Harrison verbanden, verkörperte einen kontinentübergreifenden Trend, der einen Großteil des Rock der frühen 70er Jahre prägte, was durch Projekte von Derek und den Dominos belegt wird Mad Dogs und Engländer.
1972 wurde Davis’ Spiel zu Jackson Brownes Song Doctor My Eyes für den Sänger ebenso wichtig wie für den Gitarristen. Davis’ Solo, das er in einem Take zusammenschnitt, nahm die Hälfte des Songs ein, was erklärt, warum Browne ihm oft zuschreibt, ihm zu seinem Top-10-Durchbruch verholfen zu haben. „Die Leute wollen immer noch dieses Solo spielen, wenn sie diesen Song spielen“, sagte Browne in Rumble.
Über seine Arbeit an der Gitarre hinaus war Davis als Produzent von Gene Clarks zweitem Soloalbum „White Light“ tätig, und er erfüllte diese Pflicht auch bei seiner eigenen Soloarbeit. Auf diesen Alben lieferte Davis auch Klavierparts, schrieb die meisten Songs und sang sie mit einer gedehnten Stimme voller Soul. Das Cover seines Debüts zeigt ein Gemälde seines Vaters, das den Gitarristen in indianischer Tracht zeigt. Das war eines der wenigen Male, in denen er sein Erbe in den Vordergrund stellte. Auf seinem zweiten Soloalbum „Ululu“ nahm er einen starken politischen Song mit dem Titel „Alcatraz“ über Probleme der Ureinwohner auf, aber dieser Song wurde von Leon Russell geschrieben. Miller glaubt, dass Davis wegen seines Erbes oft fetischisiert wurde, besonders in einer Zeit, in der es üblich war, die Hippie-Kultur mit verschiedenen Stereotypen der Kultur der Ureinwohner zu verschmelzen. „Die Leute sagten zu Jesse: ‚Oh, darf ich deine Haare anfassen?’“, sagte Miller. „Manchmal musste es schrecklich sein.“
Sein zunehmender Drogenkonsum trug nicht zu seinem Wohlbefinden bei. Dieser Teil seines Lebens wurde auf der letzten Tour der Faces viel ernster. Salas sagte, der Session-Bassist Bob Glaub habe ihm einmal gesagt, dass „der Jesse, der zu dieser Tour gegangen ist, nicht derselbe Jesse war, der zurückgekehrt ist. Er kam als Junkie zurück.“
In den 70er Jahren starb auch Davis’ Vater und seine langjährige Freundin verließ ihn. An seinem Tiefpunkt „lebte Jesse in einer winzigen Wohnung am Venice Beach und verbrachte viele Stunden in der Dunkelheit, aufgereiht“, sagte Miller.
Einige berühmte Freunde versuchten, seine Karriere wieder in Gang zu bringen, darunter Dylan und Clapton, sagte Miller. Gegen Ende seines Lebens feierte Davis sogar ein Comeback, indem er mit dem indianischen Dichter und Aktivisten John Trudell in der Graffiti Man Band zusammenarbeitete. „Er traf sich wieder mit alten Freunden, spielte ziemlich viel live und verbrachte mehr Zeit mit den Ureinwohnern Amerikas“, sagte Miller.
Am 28. Juni 1988 starb Jesse Ed Davis jedoch mit frischen Nadelstichen im Arm. Während Miller anerkennt, dass „Jesses Tod eine Tragödie war“, betont er, dass „sein Leben es nicht war“.
Das gilt insbesondere angesichts der tiefen Regale großartiger Arbeit, die er hinterlassen hat. Für diejenigen, die es zu schätzen wissen, besteht das Ziel jetzt darin, dafür zu sorgen, dass mehr Menschen davon erfahren. „Die Leute nennen Billy Preston oft ‚den fünften Beatle’“, sagte Salas. „Aber Jesse hat mit fast allen Beatles gespielt, aber er ist unsichtbar. Wir versuchen, ihn sichtbar zu machen.“