PBeizen wird normalerweise nicht als Kunstform angesehen. Aber zwei der drei Künstler des Künstlerpreises Vasseur Baltic gären: Ima-Abasi Okon die probiotischen Vorteile der Fermentation zu erforschen und Fernando Garcia-Dory um die Beizfähigkeiten eines lokalen Unternehmens von gemeinnützigem Interesse zu demonstrieren. Okons getrockneter, vakuumverpackter Haufen Ochsenschwanzeintopf mit Scotch Bonnet, Ashwagandha, Löwenmähne und Tulsi ist auf einem Rohrstuhl aufgetürmt, während Gläser mit Produkten aus The Pickle Palace die Holzkonstruktionen von García-Dorys Installation säumen.
Vermutlich stand das Beizen nicht ganz oben auf der Agenda von Künstlern, weil es optisch nicht viel hergibt. Sicherlich ist Okons sitzender Stapel ein faszinierender, saftiger, viszeraler Klumpen aus Fleisch und Eingeweiden, aber García-Dorys Gläser erinnern an ein Wochenende, das sich um Sainsbury’s schlängelt. Künstlerpreis Vasseur Baltic – ein zweijährlicher Preis in Höhe von 25.000 £ (plus 5.000 £ Künstlerhonorar), der drei aufstrebenden Künstlern angeboten wird und von drei anderen Künstlern bewertet wird – platzt vor Ideen aus allen Nähten. Wunderbare, provokative Ideen, die hinterfragen, wie sich Kultur und Natur überschneiden, wie Land Gemeinschaften vereinen kann, wie Leben erhalten werden kann. Es ist interessant, aber es ist nicht fesselnd.
Interessant ist jedoch immer noch ein wichtiges Wort beim Betrachten von Kunst. García-Dory leistet hervorragende Arbeit, indem er uns eine Farm im Lake District vorstellt, die nach Wegen zur Diversifizierung und Ausbildung gesucht hat; eine segelnde Universität für interdisziplinäre Künste, die die üblichen städtischen Orte der künstlerischen Produktion herausforderte; und die Freemen, die das Town Moor schützen, eine Grünfläche im Zentrum von Newcastle upon Tyne.
2009 wurde García-Dory gegründet Inland, ein Kollektiv, das sich der landwirtschaftlichen, sozialen und kulturellen Produktion verschrieben hat und bei dem die Ausstellungsgestaltung ebenso wichtig ist wie die Käseherstellung. Folglich ist die Präsentation des Künstlers ein Museum von Organisationen, die das Herstellen nutzen, um mit der natürlichen Welt zu interagieren und eine Gemeinschaft aufzubauen. In den Regalen stehen Seifenstücke von einer Farm in Nordengland, gestrickte Lampenschirme von einem lokalen Kreativschaffenden und botanische Illustrationen des Naturforschers John Hancock. Daneben gibt es Fotografien von grasenden Schafen im Zentrum von Madrid, einen Bus, der gleichzeitig als Kunstgalerie dient, und das mobile Theater von Federico García Lorca. Trotzdem werde ich das Gefühl nicht los, in einem trendigen minimalistischen Laden zu sein.
Im Gegensatz dazu hat Okon einen großen, leeren Raum. Leer bis auf die Zertifikate der Künstlerin in Lebensmittelhygiene, manueller Handhabung und Sensibilisierung für Lebensmittelallergien, die Musiklizenz für ihr Klangstück und den knochenbewegenden Bass, der von a ausgeht Leslie-Sprecher im folgenden Raum. Die Dokumentation erlaubt es der Künstlerin, den erwähnten Ochsenschwanz als Futter zu servieren und eine verschraubte Tonspur abzuspielen.
Von den schnellen Beats angezogen, betreten wir Okons zweiten Raum, wo der mit Ochsenschwänzen gestapelte Drehstuhl aus Rohrgeflecht dem Lautsprecher aus dekorativen Harthölzern gegenübersteht. Überall Spuren von unsichtbaren Menschen: die Arbeitszeugnisse im ersten leeren Raum, der Stuhl, als wäre plötzlich jemand hinausgetreten, die Titelkarten, die sich wie stumme Abschriften lesen. Okon hat Palliativpflegemethoden erforscht und die gespenstischen Gestalten bringen mich dazu, an meinen eigenen fleischigen Kokon und seine Fermentationsfähigkeiten zu denken, wenn auch ich verschwinde.
Manchmal möchte ich jedoch von einem Kunstwerk überfahren werden, das so hart auf den Kopf geschlagen wird, dass meine Augen weit aufgerissen sind und mein Gehirn still ist, und genau das passiert in der Gegenwart von Laleh Khorramian‘s Arbeit im letzten Raum. Riesige Stoffbahnen erheben sich, geschichtet mit Drucken und Materialien und tanzen mit der Farbe. Schmale Leuchtkästen mit leuchtenden Filtern gleiten durch die Wand und ein riesiger durchscheinender Druck erzeugt ein Buntglasfenster. Unter dem Titel Fontanelle wurde nach der weichen Lücke im Schädel eines Neugeborenen der große Monotypiedruck auf einer ehemaligen Rückwand platziert und entfernt, um ein Fenster freizulegen. Khorramian schafft Monotypien, indem er Ölfarbe auf Polypropylen oder Glas aufträgt und auf Papier überträgt. Der Effekt ist organisch und überraschend und erzeugt ein Kaleidoskop ungewohnter Formen.
Während der Pandemie stellte Khorramian Tausende von Masken für Bedürftige her, und die Stoffreste kletterten wie Stacheln ihre Wandteppiche hinauf. Und mit Namen wie Glass Person, Jag Lady und Totem of a Deity verwandeln sich ihre vom Boden bis zur Decke reichenden Banner in verehrte Personen in einer futuristischen Ruhmeshalle, in der unsere Helden Upcycling betreiben und Kleider tragen. Schließlich erscheint Khorramian und bietet mir ein Stück dunkle Schokolade an. Vielleicht war er die Post-Covid-Welt, von der ich geträumt habe.