ichEs ist unmöglich, Max Websters modern gekleidete Inszenierung von Heinrich V. zu sehen, ohne in seinem Maschinengewehrfeuer, Bombenexplosionen und anderen pointierten Szenen der Gewalt Blitze des russischen Krieges gegen die Ukraine zu sehen. Kit Haringtons King Harry ist kein Tyrann in Putins starker Manier, sondern ein scheinbar vernünftiger Anführer, obwohl wir mit einem kurzen Rückblick auf seine Prinz-Hal-Tage beginnen: Er schnupft Koks und übergibt sich, bevor diese ausschweifende Erinnerung dahinschmilzt.
Der reformierte König erscheint wie ein Vorstandsvorsitzender und sein Hof wie eine Wirtschaftsprüfungsgesellschaft – alle in stahlgrauen Anzügen und Hemden –, sodass sein Vorschlag, in Frankreich einzumarschieren, eher einer Firmenübernahme gleicht. Es ist ein krasser Moment, wenn die Uniformen der Armee und die automatischen Gewehre auf der Bühne erscheinen und die Realität des Krieges beginnt.
Jede Darbietung ist ausgefeilt, aber Harington sticht absolut hervor: Er beginnt leise und während er die Lautstärke nie erhöht, ist seine Verwandlung im Sieg monströs und bricht in manisches Gelächter aus, als er hört, dass England in Agincourt triumphiert hat.
Als Soldat hat er keine Spur von einem Machiavellisten, der seine Truppen vor Harfleur aufhetzt („Lehre sie, wie man Krieg führt“) und sich in seiner großartigen Rede zum St aber ein gleichberechtigter Kämpfer unter ihnen. Als Eroberer zeigt er sich jedoch als Geschäftsmanntyrann. Er erzwingt die Heirat mit Katherine, der Tochter des besiegten französischen Monarchen (Anoushka Lucas, ausgezeichnet darin, ein zurückhaltendes Trauma auszustrahlen), in der Art eines schnell vermittelten Geschäftsarrangements, das er mit einem flüchtigen Händedruck und einem erzwungenen Kuss besiegelt.
Es gibt noch andere kraftvolle Momente: Bardolphs Hängen ist schmerzhaft in die Länge gezogen, punktuell beleuchtet, während er schwingt (Lee Currans Beleuchtung als Ganzes ist hervorragend). Englische Soldaten wirken wie ausschweifende Barbaren, wenn der Sieg erklärt wird, und zermahlen sich bei einer Art After-Party zu einem dröhnenden elektronischen Beat.
Aber dies ist letztendlich eine überorchestrierte Produktion, die so viele Elemente von Fly Davis Goldset zusammenbringt, dass es sich wie ein theatralischer Overkill anfühlt. Besonders die erste Hälfte ist überfüllt: Eine Rückwand mit projizierten Bildern (von dynastischen Stammbäumen bis hin zu Nahaufnahmen, entworfen von Andrzej Goulding) zerfällt ebenfalls und bildet das St.-Georgs-Kreuz. Die verschiedenen visuellen Effekte sind fesselnd, aber insgesamt überwältigend. Es gibt auch Chorgesang, wiederum kraftvoll, aber dieser kommt zu häufig vor und untergräbt die Kraft von Shakespeares Worten, besonders nach der Rede zum St. Crispin’s Day. Es gibt einen fast ständigen Bewegungswirbel, wenn Schauspieler auf beiden Seiten der Bühne die Gangways betreten und verlassen, und Soldaten im Krieg bewegen sich mit sorgfältig choreografierter Anmut, die im Wesentlichen dem hässlichen Durcheinander der Schlacht widerspricht.
Die zweite Hälfte ist meditativer und reduzierter und bringt Momente von immenser Kraft. Französisch wird in viele Szenen eingefügt, wobei eine Übersetzung auf einem Bildschirm neben der Bühne läuft. Während Shakespeares ursprüngliches französisches Gespräch zwischen Katherine und ihrer Hofdame Alice (Marienella Phillips) wegen seiner Verspieltheit gut funktioniert – die Frauen trainieren in Boxhandschuhen, während sie sich unterhalten – fühlt sich das zusätzliche Französisch unnötig und entfremdend an.
Der Refrain hingegen ist ein grünhaariger Millennial (Millicent Wong), der in schrillen Tönen deklamiert, vielleicht mit dem Ziel der Ironie, und gelegentlich etwas Mandarin hinzufügt. Es ist verwirrend und knirschend – einer von zu vielen Schnickschnack in einer Produktion, in der weniger viel mehr gewesen wäre.