EINm Alter von neun Jahren experimentierte Stephen Gill bereits mit Doppelbelichtungen und fertigte mit zwölf Jahren mehrere fotografische Collagen an. In einem Selbstporträt im surrealistischen Stil ist sein Torso ein Blumenkohl, über den eine Kamera drapiert ist. Faszinierenderweise hält seine andere Hand einen Besen, eine frühe Metapher vielleicht für die Arbeitsweise dieses Fotografen – scheinbar zufällige Ideen aufzusammeln und in Bilder zu verwandeln, die überraschen und desorientieren.
Diese frühreifen Bilder – neben einer 1978 von seinem Vater gedrehten Serie, die seinen Großvater beim Yoga zeigt – sind ein faszinierender Auftakt zu Nach Luft schnappen, eine umfangreiche Retrospektive von Gills Werk in der Arnolfini Gallery in seiner Heimatstadt Bristol. Mit 25 Serien, die zwischen 1996 und 2021 entstanden, zeugt die Show von seiner kreativen Unruhe.
Auf zwei Etagen der Galerie werden die Drucke von einer Fülle von Begleitmaterial begleitet, von Audioaufnahmen bis hin zu Vitrinen voller Ephemera, Maquetten, wunderschön produzierten Fotobüchern (Gill veröffentlicht im Eigenverlag unter dem Niemand-Aufdruck) und oft exotische Rohstoffe. Ein Display enthält eine Kamera, die „von Raben demontiert“ wurde, die in einem Wald platziert wurde, um ihre Anwesenheit über Bewegungssensoren aufzuzeichnen. Ein anderes enthält eine Anordnung kleiner Knochen aus seiner Serie Journey Inside a Fish, in der mikroskopische Bilder von Haut, Eingeweide und Fleisch einer Meerforelle vergrößert wurden, um fantastischen Landschaften zu ähneln.
In seiner Schulzeit war Gills Vorstellungskraft so aktiv und seine Unaufmerksamkeit so akut, dass er nicht neben einem Fenster sitzen durfte, damit seine Gedanken nicht aus dem Klassenzimmer wanderten. Damals besuchte er „Sonderunterricht“ und erst 2017 wurde bei ihm ADHS (Aufmerksamkeits-Defizit-Hyperaktivitäts-Störung) diagnostiziert. Es war eine große Erleichterung, sagt er, wenn man bedenkt, wie ausgebrannt er sich aufgrund seines unerbittlichen Zwanges, mehr zu machen, bis dahin ausgebrannt fühlte.
Als Teenager in Bristol fühlte sich Gill von der aufkeimenden einheimischen Hip-Hop-Szene angezogen, die Massive Attack, Tricky und andere produzierte – „Ich habe früher in Beinwärmern außerhalb von Snappy Snaps Breakdance gemacht“ –, war aber auch „besessen von Mikroskopen und den Geheimnissen des Teichs“. Leben”. Die Ausstellung besitzt gewissermaßen die Energie des Breakdancers und den nerdigen Erfindungsreichtum des Wissenschaftlers. Es ist auch eine Reise in den Geist von jemandem, für den Fotografie eine Form des immersiven, sogar therapeutischen Selbstausdrucks war.
„Auch wenn ich das Gefühl habe, die Fotografie erschöpft zu haben, bin ich ihr auch so dankbar“, sagt er und deutet an, dass diese Umfrage, die vier Jahre dauerte, seine letzte sein könnte. „Mit Fotografie habe ich mich artikuliert, auf die Welt um mich herum reagiert und meine überschüssige Energie losgeworden.“
Die früheste Serie hier ist auch die untypischste: Eine Auswahl von Schwarz-Weiß-Fotografien, die er zwischen 1996 und 1998 in Polen aufgenommen hat Am nächsten kommt die Show einem reinen Dokumentarfilm. „Die Bilder sagen mehr darüber aus, dass ich unbedingt Fotograf werden möchte, als über Polen“, sagt Gill. Obwohl sie am Anfang dieser Ausstellung stehen, markieren sie das Ende seiner kurzen Auseinandersetzung mit der traditionellen Fotografie. „Danach“, fügt er hinzu, „musste ich alles, was ich gelernt habe, abbauen und von vorne beginnen.“
Seine Durchbruchserie, Hackney Wick (2003-2005), gibt den Ton an für das, was folgen wird: entschlossen lo-fi, aber intensiv evokative Bilder der unordentlichen Ausbreitung eines Flohmarktes am Sonntagmorgen im Osten Londons. Seit die hektische Neugestaltung des Gebiets im Vorfeld der Olympischen Spiele 2012 in London weggefegt wurde, zog das geschäftige Treiben des Marktes Gill zwei Jahre lang jede Woche dorthin. Die verblassten Farbtöne sind das Ergebnis von Aufnahmen mit einer billigen Plastikkamera, die bei einem Standbesitzer gekauft wurde, aber sie passen perfekt zum Thema. „Ich trat zurück und ließ das Thema Vorrang haben“, sagt Gill über seinen unorthodoxen Ansatz. Er wollte vor allem „einen Weg finden, den Geist und das Gefühl eines Ortes hervorzurufen“.
Dieser Impuls untermauert die folgende Serie, Hackney-Blumen (2004-2007), für die er wilde Pflanzen, Samen und Beeren aus der Umgebung sammelte und über Fotos platzierte, die er von Straßen und Menschen gemacht hatte. Dann fotografierte er diese seltsamen, geschichteten Kreationen neu, von denen einige Abzüge zeigten, die eine Zeit lang in der Erde vergraben waren, um ein Gefühl von organischem Verfall zu zeigen. Auch wenn Gills Ansatz extrem erscheinen mag, sind die Ergebnisse immer seltsam überzeugend. Seine Fotografien wirken oft selbst in ihrer Subversion zurückhaltend, aber sie schenken Aufmerksamkeit und gewinnen in Rastern an der Wand eine kumulative Kraft.
In Im Gespräch mit Ameisen (2009-2013), platzierte er Gegenstände, Insekten und Schmutz aus der Umgebung in den eigentlichen Mechanismus seiner Kamera, bevor er auf den Straßen von Ost-London drehte. Die relativ groß gedruckten Ergebnisse verwirren: Gestrandete Asseln schweben in einem blassblauen Himmel; Blätter und Erde scheinen wie im Wind vorbeizutreiben. Der Titel stammt übrigens von einer zufälligen Begegnung mit einem alten Grundschulfreund, der sich Gill vorstellte und sagte: „Ich erinnere mich an dich auf dem Spielplatz – redest du noch mit Ameisen?“
Spuren dieser kindlichen Andersartigkeit finden sich in der gesamten Ausstellung ebenso wie das Gefühl eines Künstlers, der völlig in eine innere Welt der Vorstellungskraft versunken ist. Nach seinem Umzug ins ländliche Schweden im Jahr 2013 vollzieht sich sein Ansatz radikal. Dort, inmitten einer urwüchsigen Landschaft und in unmittelbarer Nähe zur rauen Natur, hat er sich noch weiter von der literarischen Intention des Autors zurückgezogen. „Ich dachte: ‚Wer bin ich, um der Natur meine Vision aufzuzwingen?’ Stattdessen wollte ich, dass die Natur die Arbeit prägt und leitet.“
Für seine Serie Night Procession, die drei Jahre dauerte, wurden die Bilder von nachtaktiven Waldbewohnern manuell erstellt und mit bewegungsempfindlichen Kameras Gill im Unterholz positioniert. „Wenn die Dunkelheit hereinbricht, würde ich in den Wald gehen und denken: ‚Wenn ich ein Reh wäre, woher würde ich dann trinken?’“ Das Ergebnis sind gespenstische Einblicke in eine geheime, nächtliche Welt der Aktivität, die ungesehen neben unserem menschlichen Reich existiert: ein Fuchs, der aus einem Bach schlürft, die undurchsichtige Silhouette eines balancierten Hirsches, die wilde, struppige Präsenz eines drohenden Wildschweins, das ihn, wie er sagt, in Panik in den Wald flüchten ließ.
In einer anderen neueren Serie, The Pillar, sind die entrissenen Porträts von Greifvögeln – Sitzen, Putzen, Landen auf und Abheben von einem aufrechten Holzpfahl – von einer anderen Wildheit. Die Dateien wurden mit einer bewegungsempfindlichen Digitalkamera aufgenommen, in Negative umgewandelt und auf Bromsilberpapier gedruckt. Eine Auswahl, die in einer Reihe um einen Raum in der Galerie angeordnet ist, zeugt von der Kraft einer einzigen inspirierten Idee. Aber sie sind auch viel mehr, wie ein Video-Loop der gesamten Serie zeigt, der sich zu einem düsteren Soundtrack aus wiederholten Cellotönen entfaltet, die von Gills fünfjähriger Tochter gespielt werden. Indem Gill noch weiter zurücktritt und es der Kamera ermöglicht, sich ohne seine aktive Beteiligung direkt und viszeral auf das Motiv einzulassen, ermöglicht es uns Gill, diese Kreaturen in all ihrer wilden und beunruhigenden Andersartigkeit zu sehen.
Coming Up for Air ist eine Show, die so voller Erfindung und Subversion ist, dass ich hier kaum an der Oberfläche gekratzt habe. Und trotz seines zwanghaften Arbeitstempos in den letzten 25 Jahren oder mehr ist es eine ruhige, leise verspielte und dennoch immer einnehmende Erfahrung. „Ironischerweise fand ich nur bei der Arbeit Ruhe“, sagt er. Sollte dies doch Gills erschöpfter Abschied vom Medium sein, wird die Fotografie ein ärmerer, weniger schelmischer Ort sein.