FVöllige Offenlegung: Ich habe Jerusalem beim ersten Mal nicht geliebt. Jez Butterworths Stück über Mythen und Englischsein ist seit seiner ursprünglichen Aufführung im Jahr 2009 selbst so mythologisiert worden – es wurde als das Stück des Jahrhunderts gefeiert und für seine Shakespeare-Qualitäten gefeiert –, dass es wie Häresie erscheint, in irgendetwas anderem als einem Flüstern von Ambivalenz zu sprechen.
Butterworths Sprache enthält große Reichtümer und Johnny „Rooster“ Byron, der Außenseiter, Antiheld, Rebell und Messias des Stücks in einem, ist eine lodernde Schöpfung. Aber was ist mit dem eigentümlich flachen Humor im Stil von Little Britain im ersten Akt? Die peripheren Frauenfiguren und mulmigen Frauenpejorative? Und seine Rückbesinnung auf ein vergangenes England – ein „heiliges Land“ voller uralter Energien, Druiden und Stonehenge-Giganten – das die unangenehme Vorstellung trägt, dass das Englischsein damals eine bessere, reinere Version von sich selbst war?
Diese Produktion bringt einige der Spieler des Originals zurück, darunter den Regisseur Ian Rickson sowie Mark Rylances Rooster und Mackenzie Crooks Ginger (ein arbeitsloser Stuckateur, der sich selbst als DJ bezeichnet), und für mich belebt sie einige wieder von den gleichen Beschwerden. Seine bunte Truppe aus „Ausgestoßenen, Blutegeln, Unerwünschten [and] Bettler“, die sich in einem illegal besetzten Waldgebiet von Wiltshire um Roosters Wohnwagen treffen, um Cola zu trinken und zu schnupfen, sehen im ersten Akt noch immer wie komische Grotesken aus.
Jetzt fragen wir uns, ob sie Brexiter und Populisten im Entstehen sind – die Bedauernswerten und Zurückgebliebenen, die sie heute vielleicht bezeichnen. „Ich verlasse Wiltshire und meine Ohren platzen“, sagt eine Figur, die den Sinn anderer Länder nicht sieht. Wenn dieses Theaterstück vor dem EU-Referendum wiederbelebt worden wäre, wären die Massen in den Metropolen vielleicht nicht so schockiert über das Ergebnis gewesen.
Erstmals zwei Jahre nach dem Untergang von Blairs Großbritannien aufgeführt, klingen seine Anspielungen auf Chumbawamba, Sex and the City, Bin Laden und die Spice Girls altmodisch und geben ihm ein schwankendes Gefühl eines Stücks, das in der jüngsten Vergangenheit angesiedelt ist und einen Blick zurück auf die alte Vergangenheit wirft .
Seine Sprache ist älter als #MeToo und Black Lives Matter – und das sieht man. Da gibt es einen schlappen Witz über das Anziehen einer Burka, einen anderen über nigerianische Verkehrspolizisten. Es gibt Hinweise auf Frauen als „Slapper“, „Schlampen“ und fette Ehefrauen. Byron prahlt mit seinen Eroberungen und spricht davon, Hintern zu kneifen, während Ginger feststellt: „Ich habe eigentlich kein GCSE-Mathematik, aber ich habe einen großartigen großen haarigen Schwanz und Eier.“ Seltsamerweise sorgt dies am Eröffnungsabend für einige Lacher.
Dies sind kurze Referenzen, aber sie fühlen sich wiederholend und andersartig an. Es hilft nicht, dass die wenigen weiblichen Charaktere marginal sind, darunter Roosters Ex-Partnerin Dawn (Indra Ové), der ein paar gute Zeilen bekommt, aber nicht sehr lange auf der Bühne steht. Wo später mehrere männliche Charaktere konkretisiert werden, bleiben die Frauen flach.
Aber nicht der erste eigentümliche Akt bestimmt den Ton dieser Inszenierung, und das Stück ist auch nicht die Summe seiner Anachronismen. Obwohl die größeren ideologischen Themen rund um Frauen und das Engländertum weiterhin durch die drei Akte laufen, ist dies ein kompliziertes und vielschichtiges Stück, das zu seiner Großartigkeit heranwächst, so sprunghaft wie sein widersprüchlicher und komplizierter zentraler Charakter.
Ab dem zweiten Akt weitet es sich zu einem immer gespannteren, mysteriöseren und majestätischeren Drama aus, das in seiner Tragik enorm ist. Vieles davon ist Rylances epischer Leistung zu verdanken, die sowohl körperlich als auch psychologisch tiefgreifend ist. Wenn Rooster als Rohling beginnt, der von einer Geschichte betrunkener Gewalt humpelt, fängt Rylance die Trümmer dieses Mannes makellos ein, von seinem Gang über Katerkopfschmerzen bis hin zu nervösen, zuckenden Augäpfeln.
Das Stück findet am St. George’s Day statt, an dem Waldstück, das von Rooster illegal besetzt wird, da er kurz vor der Räumung steht, obwohl er weiterhin gegen den Rat und die neue Wohnsiedlung in der Nähe protestiert. Er ist sowohl ein heldenhafter Rebell gegen das Establishment als auch einer der Verlierer der Gesellschaft; ein unsterblicher Draufgänger (er behauptet, von den Toten auferstanden zu sein und spricht von den alchemistischen Eigenschaften von „Byron“-Blut) und ein verblendeter Penner oder „Supertramp“, wie Dawn ihn spöttisch nennt, und obendrein ein schlechter Vater.
Sein Charakter gewinnt an Macht, wird größer, bis er fast so groß erscheint wie einer der mythologischen Riesen, mit denen er angeblich in der Nähe von Stonehenge gesprochen hat. Aber auch tragischer – verraten, allein, verleumdet und doch standhaft, gebrochen, aber immer noch trotzig.
Die Ideen des Stücks rund um Mythos und Identität sind lyrisch, aber nicht vollständig kohärent. Ultz’ erstaunliches Set öffnet sich zu bacchanalischen Trümmern außerhalb von Roosters Wohnwagen – leere Flaschen, ein dreckiges Sofa, eine an einen Baum gebundene Discokugel und sogar lebende Hühner. Aber es ist unbequem zu sehen, wie am Anfang das Georgskreuz auf dem Vorhang prangt und dann eine Fahne hinten am Wohnwagen hängt. Diese Flagge wird seit der ersten Inszenierung von Jerusalem im Jahr 2009 weiterhin mit der extremen Rechten in Verbindung gebracht, und die größeren, taufrischen Ideen des Stücks über das Englische haben eine unangenehme Nähe zu der romantisierten Erzählung, die von der Rechten vereinnahmt wurde.
Aber jede Meinungsverschiedenheit über die Behandlung seiner Themen kann nicht von seiner Dramatik und der hochfliegenden zentralen Leistung ablenken. Ist es das größte Theaterstück unserer Zeit? Aus meiner Sicht nicht. Aber Rylance’s Rooster ist sicherlich die größte Aufführung des Jahrhunderts.