Tsein wortgetreues Drama über Antisemitismus entstand ironischerweise aus einem Vorfall von Antisemitismus in dem Theater, das es jetzt inszeniert, und es beginnt mit einem Hinweis auf diese Episode. Ein Mann taucht aus einem knisternden Licht auf und beschwört die Geburt der Menschheit herauf, um zu erfahren, dass er Hershel Fink ist, der versehentlich jüdisch klingende Name, der ursprünglich dem habgierigen Milliardär in dem Stück Rare Earth Mettle gegeben wurde, das 2021 am Royal Court aufgeführt wurde .
Basierend auf einer Idee der Schauspielerin Tracy-Ann Oberman und geschrieben vom Guardian-Journalisten Jonathan Freedland, zielt das Stück darauf ab, den Antisemitismus innerhalb liberaler Institutionen wie diesem Veranstaltungsort und nachdrücklicher die politische Linke zu untersuchen, die sich als aufgeklärte, antirassistische „ gute Jungs“, sondern hegen unbewusste Bigotterie.
Es ist ein spielerischer Beginn einer Produktion unter der Regie von Vicky Featherstone und Audrey Sheffield, die mit mutiger Theatralik, Liedern und ironischen Witzen daherkommt, wenn auch untermauert von einer todernsten Untersuchung, warum diese älteste Form des Hasses immer noch besteht. Juden führt uns von diesem Eröffnungsriff durch Jahrhunderte von Vorurteilen und Verfolgung, so umfassend wie möglich in weniger als zwei Stunden. Freedland hat sorgfältig recherchiert: 180.000 Wörter aus Interviews und 12 Stimmen, die von bedeutenden jüdischen Persönlichkeiten – darunter Margaret Hodge, Howard Jacobson und Oberman – bis hin zu alltäglichen Mitgliedern der britischen Gesellschaft reichen, deren Berichte genauso einflussreich sind, und die alle sind gespielt von sieben flinken Wechseldarstellern.
Es bringt eine Fülle wichtiger, entsetzlicher und zu oft ignorierter Realitäten, Erfahrungen und Argumente auf die Bühne, endet aber eher als ein Galopp über Jahrhunderte von Terrain, der zu viel einpackt, ohne es vollständig genug auszupacken, und so viele Grundlagen berührt einige Teile riskieren, wie Soundbites zu klingen.
Seine Theatralik landet nicht immer und fühlt sich an, als würde es zu sehr versuchen, der wörtlichen Form eine dramatische Note zu verleihen, indem es mittelalterliche Mimen im Mystery-Stil spielt, während Charaktere die Ursprünge antisemitischer Tropen erzählen, vom Mythos des geldverleihenden Juden bis zur grellen Fantasie von Blutverleumdung (die jüdische Rituale mit dem Blut nichtjüdischer Kinder verbindet).
Das Stück gewinnt an Kraft, wenn dies für eine einfachere, stillere Form des Geschichtenerzählens fallen gelassen wird, um einen Tisch herum, eine Figur nach der anderen spricht – von einem Hakenkreuz, das in ihr Familienauto geätzt wird, vom Aufwachsen im Irak und dem Hören von Hörspielen mit Offensive Jüdische Klischees, von beiläufigem, aber abscheulichem Missbrauch in Schulen, Taxis, Büros. Dies sind destilliertere Momente voller Kraft, und wir wünschen uns weniger, damit wir mehr haben können, wobei einem Argument oder einer Erfahrung ihre volle Bedeutung beigemessen wird.
Der größere Rahmen des Stücks untergräbt etwas seinen zentralen Zweck, sich auch auf den linken Antisemitismus zu konzentrieren. Es zeigt uns, wie allgegenwärtig diese Form der rassistischen Bigotterie ist, weit über die Parteipolitik hinaus, obwohl wir sicherlich alarmierende Berichte von Hodge (gespielt von Debbie Chazen) und der ehemaligen Labour-Schattenministerin Luciana Berger (Louisa Clein) über ihre Untätigkeit und Verschleierung erhalten erlebt, zusammen mit abscheulichen Schnittmengen zwischen Frauenfeindlichkeit und Antisemitismus in den sozialen Medien.
Aber das Drama zeigt viel überzeugender, wie Antisemitismus die Kultur und Geschichte durchdringt und in die Sprache selbst eingebettet ist. Stephen Bush (Billy Ashcroft) macht einen wertvollen Punkt zum charakteristischen Misstrauen der liberalen Linken gegenüber Geld und Macht – eine belastete Assoziation angesichts lang gehegter antisemitischer Verschwörungstheorien über Juden, die die Medien regieren und allen Reichtum und Macht besitzen. Andere Anti-Links-Argumente klingen jedoch allgemeiner: dass die Linke den Außenseiter unterstützt und deshalb nach Israels Sieg im Krieg von 1967 aufgehört hat, Israel zu unterstützen („Die sentimentale Linke … kann mit niemandem sympathisieren, der gewinnt“). Der Guardian, so wird vermutet, ist des gleichen schuldig.
Bush weist auch darauf hin, dass sich die Linke Juden nicht als Schwarze vorstellt, und angesichts dieser Aussage ist es bedauerlich, dass es hier nur begrenzte Einsichten darüber gibt, ein schwarz-jüdischer Brite zu sein – Bush ist die einzige Figur mit gemischtem Erbe, obwohl es eine gibt die Geschichte eines irakischen Flüchtlings, Edwin Shuker (Hemi Yeroham).
Es gibt einen ungemein kraftvollen, aber allzu kurzen Blick auf vererbte Traumata und das Erbe des Holocaust, mit traurigen Geschichten von gepackten Koffern, die Jahrzehnte nach dem Zweiten Weltkrieg vor der Tür stehen gelassen wurden, und einem Kinderarzt, der für alle Fälle von einer „tragbaren Karriere“ spricht sie muss fliehen, was absolut herzzerreißend ist.
Es führt Israel als Thema ein, vermeidet es aber auch. „Was hat ein ausländischer Konflikt mit mir zu tun?“ sagt eine Figur und andere sprechen davon, wie sie ständig um ihre Meinung zum Nahostkonflikt gebeten werden. Das Stück belebt eine alte Anklage gegen Caryl Churchills umstrittenes Stück Seven Jewish Children aus dem Jahr 2009 wieder, das kurz nach Israels Bombardierung des Gazastreifens (bei dem mehr als 200 palästinensische Kinder getötet wurden) geschrieben wurde. Jacobson (Steve Furst) erinnert sich, es gesehen zu haben und sich gefühlt zu haben, als ob das Publikum „ermutigt wurde, die Juden auszubuhen“. Wir hören, wie das Stück Mythen um Blutverleumdung heraufbeschwört und den Begriff „jüdisch“ mit „israelisch“ vermengt (Churchill und der Regisseur ihres Stücks, Dominic Cooke, haben das Stück energisch gegen diese Anschuldigungen verteidigt).
„Kritisieren Sie, was Sie wollen – den Premierminister, die Siedlungspolitik, diesen Krieg, diese Militärstrategie“, sagt eine Figur. „Die meisten Juden würden Ihnen zustimmen. Aber tun Sie es nicht in einer Weise, die das Judentum Israels kritisiert.“ Die Undurchsichtigkeit dieser Aussage fordert weitere Diskussionen heraus, die wir nicht bekommen, zusammen mit vorläufigen Aussagen über die Schnittmenge zwischen Antisemitismus und Antizionismus, die die Diskussion baumeln lassen. Stattdessen entfernt sich das Drama davon, zu untersuchen, wie Protest und pro-palästinensische Sympathien legitimerweise von jüdischen Stimmen in der Öffentlichkeit und in der Kunst zum Ausdruck gebracht werden können, was laut Cooke der Punkt seines Stücks war.
Letztendlich sind seine Sondierungsabsichten da, aber sein Aufgabenbereich ist einfach zu groß, um zum nächsten Thema und dann zum nächsten überzugehen. Aber selbst darin besteht ein Gefühl einer größeren, berechtigten Besorgnis: Dies fühlt sich an wie ein Stück, dem eine seltene Chance gegeben wird, seine dringenden und verzweifelt wichtigen Themen zu lüften, wodurch es fieberhaft wird, den gesamten Boden in der Zeit abzudecken es wurde gewährt.