ÖEines der Probleme, die ich mit dem deutschen Neo-Expressionismus habe, ist, dass es so viel davon zu geben scheint. Aber vielleicht erklärt das ein wenig, warum ich es wider Erwarten ziemlich genoss Jungen Wilden? im Ashmolean Museum in Oxford. Diese Ausstellung, die hauptsächlich aus Werken der Sammlung des Museums besteht, ist nicht nur winzig genug, um selbst für jemanden, der ausgesprochen skeptisch gegenüber den Talenten eines Künstlers wie AR Penck oder Salomé ist, ziemlich schmerzlos zu sein; Es ist auch leicht belebend, seine sprudelnde Kürze arbeitet daran, das Gefühl des berauschenden historischen Moments zu reproduzieren, in dem einige dieser Stücke entstanden sind. Es hat eine Explosivität – aufrührerische Farbe; ein intensiver Widerstand gegen die Umstände – das wird Sie, wenn nicht für den Rest des Tages, dann zumindest in einige der größeren und kontemplativeren Galerien des Ashmolean mitnehmen.
Die erste Hälfte ist jenen Künstlern gewidmet – Penck, Georg Baselitz, Markus Lupertz – die in den 1980er Jahren als Junge Wilde bekannt waren, obwohl sie natürlich bereits auf dem Weg ins mittlere Alter (Penck und Baselitz wurden Ende der 1930er Jahre geboren, Lupertz 1941). Die zweite konzentriert sich auf Zeichnungen und Druckgrafik jüngerer Künstler, die mit der Bewegung in Verbindung stehen und alle in den 1980er Jahren in West-Berlin tätig waren: Elvira Bach (geb. 1951), Salomé (geb. 1954), Rainer Fetting (geb. 1949), Luciano Castelli (geb. 1951). In jedem Fall ist die Atmosphäre insgesamt unerbittlich jugendlich. Körper stürzen. Die Beine sind gespreizt. Genitalien (sorry) baumeln. Es ist eine Show, die einen unaufhörlichen Rhythmus zu schlagen scheint (und vielleicht ist das nicht überraschend: Penck und Lupertz spielten in einer Jazzband; Castelli und Salomé standen auf Punk). Der einzige Moment der Ruhe, wenn auch etwas düsterer Art, kommt über Lupertz’ Radierungs-Trio Landschaft I, II, III (1998), in denen Gruppen blattloser Bäume brückenartige Kompositionen bilden, die nicht die Landschaft suggerieren, sondern die halbgrünen Grenzflächen am Stadtrand.
Die älteren Künstler arbeiteten gerne in Serien, spielten mit einem Thema und gingen an die Grenzen ihrer gewählten Medien. In den 1960er Jahren entwickelte Penck Standart, ein Bildalphabet, das Elemente von Graffiti, Kalligraphie und Symbolen wie Strichmännchen enthält. Ohne Titel (Standard), die um 1973 entstand, ist eine Serie weitgehend abstrakter Arbeiten auf Papier, die aus alltäglichen Materialien wie Folie und Zeitungspapier hergestellt wurden (Künstlermaterialien waren in der DDR, wo Penck bis 1980 lebte und arbeitete, rar). Aber obwohl es auf seine Weise vollkommen erfreulich ist, ist es schwer, das Gefühl abzuschütteln, dass Sie die Bemühungen eines preisgünstigen Kurt Schwitters sehen. Überzeugender ist Berliner Suite (1990), eine Serie von 10 primärfarbenen Aquatintas, in denen jede Figur, ob mit Stock oder ohne, im Spiel ist und selbst in ihrer einfachsten Form den Optimismus und die Möglichkeiten ausstrahlt, die dem Fall der Berliner Mauer folgten. Jeder wohlhabende internationale Bankier sollte (und tut es wahrscheinlich) ein Set besitzen.
Baselitz ist weniger verlogen als Penck. Aber nicht viel weniger. Seine Provokationen sind so offensichtlich. So fertigte er 1998 eine Serie von acht Radierungen nach einem Detail von Arkady Plastov an Ein Faschist flog vorbei (1942-47), in dem ein Hirtenjunge von einem Nazi-Flugzeug verletzt oder getötet wird. Baselitz stellt diesen Knaben immer wieder gekonnt dar, mal farbig, mal schwarz-weiß, mal stark umrissen, mal durch Schattierungen halb verdeckt. Natürlich steht er auf dem Kopf (wenn wir eines über Baselitz wissen, dann dass er seine Sujets seit 1969 auf dem Kopf gestellt hat, um die Konzentration sowohl bei sich selbst als auch bei seinem Publikum besser zu fördern). Diese Bilder sind zwar nicht gerade ergreifend, haben aber sicherlich etwas über die Art und Weise zu sagen, wie Kriegsopfer entmenschlicht werden können. Das fragliche Etwas scheint mir jedoch weder subtil noch furchtbar suchend zu sein.
Was ist mit den jüngeren Künstlern? Elvira Bachs Werk ist lächerlich grob und reduktiv; Die Ausstellung umfasst vier Selbstporträts aus den frühen 1980er Jahren, darunter eines, in dem die Künstlerin „ihre Sexualität feiert“ mit einem heftigen Klecks roter Gouache neben dem traurigen Gekritzel, das sie darstellt. Aber ich stand einige Minuten vor Salomés Pastellen und Drucken. Rote Punkte (1978-95), basierend auf einem großformatigen Gemälde, in dem der Künstler in Koffern posiert, ist seltsam leblos; seine Serien-Homoerotik ist in all ihrer plastischen Ungeschicklichkeit in der Lage, weder Freude noch Sinnlosigkeit zu vermitteln (vielleicht ist es Langeweile, die er anstrebt). Aber ich konnte nicht anders, als mich zu erwärmen Dusche III (1987), in dem eine Gruppe abwesender Männer unter einer Dusche steht (und in einem Fall kniet). Ihr prickelndes Rosa zwischen den bunten Blautönen von Kacheln und Wasser ließ mich an den britischen Maler denken Keith Vaughan; wie anders seine Arbeit gewesen wäre, wenn er 40 Jahre später geboren worden wäre. Es versteht sich von selbst, dass ich seine schlammige Wehmut der übertriebenen Freiheit Salomés vorziehe; er ist der tausendmal bessere Maler. Aber die Verbindung war dennoch erfreulich: ein stiller Moment inmitten all dieser fruchtbaren Energie.
Sie haben vielleicht das Gefühl, dass Sie genug von präraffaelitischen Shows haben. Aber der Ashmolean ist riesig Präraffaeliten: Zeichnungen und Aquarelle – seine zweite Ausgabe nach der Absage der Juli-Ausstellung des Museums, Russland! Ikonen und Avantgarde, bedingt durch den Krieg in der Ukraine – lohnt sich wirklich ein ausgedehnter Abstecher, und das nicht nur, um die von Young & Wild gerüttelte Netzhaut zu beruhigen? Wenn Sie so wollen, huschen Sie an Dante Gabriel Rossettis „Wundern“ vorbei, alle mit Wangenknochen und roten Haaren; sausen Sie durch alle Ruskins, Holman Hunts und Waterhouses. Betrachten Sie stattdessen die Dinge, die Sie vielleicht noch nie zuvor gesehen haben. Dazu gehörte für mich Elizabeth Siddalls herrlich scharfe und sparsame Zeichnung Zwei Männer in einem Boot und eine Frau beim Punting (1853-5) und Thomas Seddons atemberaubendes Aquarell Die Große Sphinx bei den Pyramiden von Gizeh (1854).
Vor allem aber war ich unbeschreiblich begeistert, Henry Wallis’ Skizze von Mary Ellen Meredith (1858) zu sehen, der Frau, mit der er 1857 auf skandalöse Weise durchgebrannt war (Mary Ellen war mit dem Schriftsteller George Meredith verheiratet). Wallis bewahrte diese winzige Bleistiftzeichnung bis zu seinem Tod im Jahr 1916 auf, und wenn Sie ihre Geschichte kennen – sie wird wunderbar in Diane Johnsons kürzlich neu aufgelegtem Buch erzählt Die wahre Geschichte der ersten Frau Meredith – es ist unmöglich, sich davon nicht bewegen zu lassen. Hier ist die Liebe, denkst du, während du den Hut aus dunklem Haar und ihre mandelförmigen Augen betrachtest. Findet es trotz aller Widrigkeiten nicht immer einen Weg?
Sternebewertung (von fünf)
Jungen Wilden? ★★★
Präraffaeliten ★★★★