EDas tägliche Leben wird von Liedern unterbrochen. Da ist der Unsinn, den Sie singen, um das Baby auf der Wickelauflage zu unterhalten, der Ohrwurm, den Sie beim Abwaschen summen, der aktuelle Favorit, den Sie im Stau rauspusten, und das unhörbare Gemurmel, das aus den Kopfhörern eines Fremden dringt. Dann gibt es die Lieder, die wir gemeinsam bei religiösen Zeremonien, königlichen Veranstaltungen und mit den Armen umeinander am Ende von Partys singen. Ohne es zu merken, verdauen und würgen wir ständig Erzählungen, erinnern uns an Geschichte und finden unseren Platz in der Welt durch Worte, die auf eine Melodie gesetzt sind.
Was Let the Song Hold Us wissen will, ist, was mit uns passiert, wenn der Song aus seinen gewohnten Grenzen gelockert wird – wenn seine Konventionen verändert werden oder die Texte Identität hinterfragen, anstatt sie zu bekräftigen? Larissa Sansour und Søren Lind sind zwei der Künstler, die das herauszufinden versuchen, indem sie palästinensische und europäische Musikpraktiken verschmelzen, um eine Oper in arabischer Sprache zu schaffen. An anderer Stelle erschaffen Korakrit Arunanondchai und Alex Gvojic eine Erzählung aus Tatsachen und Fiktion, während Rae-Yen Songs Chorechos vom Verstehen zum Fühlen übergehen.
Für die meisten Arbeiten dieser Gruppenausstellung wird ein Transkript online veröffentlicht. Das ist wichtig, weil es – abgesehen von Untertiteln – ungewöhnlich ist, dass der Text von Künstlerfilmen so leicht zugänglich gemacht wird. „Transkript“ könnte eigentlich durch „Liedblatt“ ersetzt werden, denn so wie es die Worte sind, die einem Lied seine Bedeutung verleihen, so steht der Text in diesen Stücken als zentrales Motiv. Es ist von entscheidender Bedeutung, dass wir die Wörter so gut aufnehmen, dass wir zurückgehen können – selbst nachdem wir das Kunstwerk nicht mehr sehen können – und sie erneut lesen können.
Sansour und Linds Drei-Kanal-Video As if No Misfortune Had Occurred in the Night folgt der palästinensischen Sopranistin Nour Darwish, die durch einen zerfallenden Tempel streift. Die dramatische Kinematografie ist fesselnd, aber es ist der Inhalt des Songs, der das Stück erhebt. „Jede Tragödie, die mit den noch Ungeborenen geteilt wird / Mein Blut liefert die Worte / Ich verbiete mir zu sprechen“, singt Darwish und spielt die Rolle einer palästinensischen Mutter, die ihre Tochter verloren hat. Der Verweis auf „Blut“ betont die enge Bindung zwischen Eltern und Kind und auch die Art und Weise, wie Traumata von einer Generation zur nächsten weitergegeben werden.
Aretha Franklins Version von Bridge Over Troubled Water spielt über Zinzi Minotts Erkundung der Windrush Generation in Merseyside. Plötzlich hört der Gesang auf und wird durch einen fröhlichen Track ersetzt, der Menschen begleitet, die in einer modernen Küche tanzen. Wie die unzusammenhängende Musik sind auch die visuellen Elemente fehlerhaft, schaffen ein Flickenteppich aus Erfahrungen und Einflüssen und spiegeln die Veränderung einer kulturellen Identität wider, wenn sie verdrängt und an den Rand gedrängt wird. Aufnahmen von fröhlichem Tanzen werden durch Diskussionen über die ungewisse Zukunft eines karibischen Gemeindezentrums und heftig rauschendes Wasser ausgeglichen, wodurch ein Werk entsteht, das sowohl die Ausdauer als auch die Unsicherheit einer Gruppe von Menschen feiert.
„Es stimmt, dass die Reichweite der Erinnerung theoretisch unendlich ist“, sagt Tessa Norton in ihrer Installation Dark Circles. „Aber in der Praxis ist seine Kapazität auf nur drei Generationen begrenzt. Die vierte Generation zurück könnte genauso gut die vierzigste sein.“ Wie Minott verwendet Norton Lieder – oder gesprochene Worte – um nach einer Identität zu suchen, die vom britischen Imperium beeinflusst wurde. Norton erkundet die Mehrdeutigkeit des anglo-indischen Erbes und setzt ihr eindringliches Stück in die Schwebe eines traditionellen Warteraums einer Eisenbahn. Wir sitzen auf einer Bank unter flackernden Lichtern und beobachten drei weibliche Darsteller, die in Schwarzweiß knistern, während Norton zu uns über unsere Unfähigkeit spricht, die Natur von Zeit und Raum und unseren Platz darin vollständig zu verstehen. „Die Natur dessen, wer wir sind und wo wir hineinpassen, ist nur so solide wie ein Lichtstrahl“, betont sie.
Nortons Gesprächston ist beruhigend, aber der Inhalt ist eindringlich und unterstreicht das Unbehagen, das durch die Unterdrückung über Generationen hinweg entsteht. „Manchmal muss man einfach wissen, wann man leise sein muss. Weißt du was ich meine?” fragt sie am Ende, was wirklich auf jedes der Werke in Let the Song Hold Us zutreffen könnte. Die Show fordert uns auf, all die Lieder, die wir in uns tragen – all die Vorstellungen, die wir über unsere Identität und Geschichte haben – für einen Moment beiseite zu legen, um die Erfahrung eines anderen zu betrachten. Sogar „Following the Gourd“ von Ebun Sodipo, eher eine interaktive Website als ein stereotypes „Lied“, bietet der schwarzen Trans-Community die Möglichkeit, ihre eigenen Geschichten durch eine Sammlung von Soundschnipseln und Collagen aus der Popkultur zu diktieren. Wenn es wieder laut wird und ich anfange, im Zug nach Hause Musik zu hören, bleiben die Songs von Let the Song Hold Us bei mir, fügen meinem zuvor geistlosen Konsum eine neue Dimension hinzu und hinterfragen die Erzählungen, die ich aufnehme, und die Welt Ich stimme zu.