LLange hat ubaina Himid auf eine Show in der Tate Modern gewartet. Sie ist jetzt 67 Jahre alt und hatte 2017 die bittersüße Ehre, als erste schwarze Frau und mit 63 Jahren die älteste Künstlerin aller Zeiten den Turner-Preis zu gewinnen. Bittersüß, weil „Ich wusste ganz genau, wie man es mit 45 nicht unbedingt muss, dass ich mehr Jahre hinter mir hatte als davor. Sie könnten denken, wenn Sie es mit 45 gewinnen, haben Sie vielleicht noch einmal die gleiche Zeit, um Dinge auszuprobieren, zu scheitern, Dinge noch einmal zu versuchen. Um schnell und locker zu leben und große Partys zu feiern. Und ich nehme an, mit 63 dachte ich: ‘Nun, bestenfalls habe ich wahrscheinlich 20 Jahre im Bauen.’“
Wir sind in Preston, der Stadt, in der sie seit ihrem 36. Lebensjahr lebt. Sie hat einen Lehrstuhl an der University of Central Lancashire inne, und ihr Studio, in dem wir sprechen, befindet sich in einem viktorianischen Block über dem Bürgerberatungsbüro, direkt in das Stadtzentrum, mit Blick auf die Markthalle und nur einen Schritt vom großartigen griechischen Harris-Museum. Alles ist sauber und weiß in ihrem Horst, abgesehen von ein paar unvollendeten Leinwänden, die in Blau-, Orange- und Grüntönen leuchten. Auf einem Tisch liegen Dutzende von Acrylfarbentuben, in geordneten Reihen aufgestellt. Ein beträchtlicher Teil der Bodenfläche wird von einem antiken Handwagen eingenommen, mit dem sie irgendwann eine Arbeit machen wird; Es gibt einige alte Holzschubladen, deren Innenräume sie mit männlichen Köpfen bemalt hat.
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War der Sieg nicht ein enormer Ansporn, frage ich? „Das ist natürlich passiert“, sagt sie. „Ich dachte: ‚Habe ich Zeit, so mutig und so aufregend zu sein?’ und dann wurde mir klar, dass ich es einfach tun musste. Und es war fabelhaft.“ Der eigentliche Wendepunkt, sagt sie, war die Aufnahme durch eine Londoner Galerie, Hollybush Gardens, 2013. Bis dahin arbeitete sie stetig und erfolgreich weg, zeigte regional, aber ohne Anerkennung durch die großen metropolitanen Institutionen. Das hat sich jetzt geändert, und seit dem Sieg ist auch ihr internationaler Ruf mit Shows bei gewachsen Wiels in Brüssel und der Neues Museum in New York. Für den Großen, at Tate ModernSie versuche eifrig, „Regeln zu brechen“, sagt sie – keine leichte Aufgabe. Gerade beschäftigt sie sich mit dem Paradox, dass ein Werk, sobald es ihr Atelier verlässt und das Museum betritt, aufhört, provisorisch zu sein – etwas, das sie bearbeitet, verändert, übermalt – und zu einem kostbaren Artefakt wird. „Du willst sagen: ‚Es ist nur Kunst, es ist in Ordnung.’ Aber sie behandeln es mit unglaublichem Respekt. Und dann erwarten Sie vielleicht, dass das Publikum nachlässig damit umgehen wird. Aber ich glaube sehr an das Publikum. Ich versuche, diese Show so zu gestalten, dass das Publikum glaubt, die wichtigste Person im Raum zu sein.“
Die ganze Ausstellung ist wie eine Theaterkulisse angelegt, in der Sie als Besucher der Protagonist sind – und die Werke durch Ihre Anwesenheit vervollständigen, so wie ein Theaterstück in seiner wahrsten Form existiert, wenn es von Schauspielern vor einer Bühne zum Leben erweckt wird Publikum. Es wird ein klangliches Element in der Show geben, komponiert von ihrer engen Freundin und Mitarbeiterin Magda Stawarska-Beavan, die den Klang hervorhebt, den sie als implizit in ihrer Arbeit empfindet – „Es ist nur so, dass es sich um Gemälde handelt“, sagt sie vernünftigerweise, „ man kann es also nicht hören.“ Sie deutet auf eine Leinwand, an der sie arbeitet, eine große Szene mit zwei Frauen auf dem Deck eines Bootes. „Das Meer macht Geräusche, nicht wahr? Die Vögel machen Lärm, das Boot knarrt …“
Himids Arbeit lädt Sie bewusst dazu ein. Es gibt immer eine Einladung für Sie, auf das Deck des Bootes zu treten, um an der Party teilzunehmen; oder, wenn es sich um eine Arbeit wie The Operating Table handelt, in der drei sitzende Frauen über die Gestaltung einer Stadt zu debattieren scheinen, werden Sie feststellen, dass Himid Platz gelassen hat, damit Sie sich an ihren Tisch setzen können. Die Arbeiten zeigen dramatische Momente, aber nicht im hochtrabenden Sinne: In ihren Bildern wird keine Tschechowsche Waffe eingesetzt, die notgedrungen losgehen muss. Vielmehr zeigt sie uns die kleinen, gestischen Dramen des Alltags, Begegnungen, wie sie sich vor ihrem Atelierfenster abspielen. („Szenen aus Dickens oder Hogarth, wenn Sie in Preston sind: hier ist alles Leben.“) Ihre Bilder zeigen „private Momente an öffentlichen Orten“, sagt sie. Die kleinen Entscheidungen und kleinen Verhandlungen, an denen ganze Leben hängen können.
Konversation ist oft der Schlüssel dazu: Abgesehen von ihren kompetenten Frauengruppen malt sie oft Dandy-Gefährten, von denen jeder „sehr bemüht ist, nicht der dominanteste Mann im Raum zu sein“. Sie weist darauf hin, dass in der Kunstgeschichte oft Männer dargestellt werden, die entweder etwas besitzen oder etwas beherrschen: Ihre Arbeit interessiert sich viel mehr dafür, wie Menschen sind; Leute, die nicht oft gemalt werden. Die Männer, die Marktstände haben, oder die Männer, die Domino spielen, oder der Mann, der gerade gekocht hat, während die anderen essen. Es gibt Drama im Alltäglichen, in den kleinen, scheinbaren Momenten.“
Vieles von diesem dramatischen Impuls stammt aus ihrer frühen Ausbildung am Theater. Himids britische Mutter lernte ihren Vater, der aus Sansibar stammte, als Studentin kennen. Sie ließen sich zusammen auf dem tansanischen Archipel nieder, aber ihr Vater, ein Lehrer, starb kurz nach Himids Geburt an Malaria. „Der Anfang meines Lebens“, wie sie es unverblümt ausdrückt, „war eine schreckliche Tragödie.“ Ihre Mutter, die letztes Jahr im Alter von 92 Jahren starb, brachte ihr vier Monate altes Baby nach Großbritannien und ließ sich in London nieder. Sie war Textildesignerin, die ihr Auge für Muster an ihre Tochter vererbte und den jugendlichen Himid oft in Museen und Kaufhäuser führte (beide auf ihre unterschiedliche Weise Tempel der materiellen Kultur des 19. Jahrhunderts).
Himid erinnert sich daran, Bridget Rileys Gemälde Late Morning aus dem Jahr 1968 auf einer dieser Reisen in der Tate-Galerie gesehen zu haben, das hinter einigen Giacometti-Skulpturen hing. („Ich war dagegen, dass sie Bridget Riley als Kulisse für die Giacomettis benutzten.) kann dich so manipulieren, dass du hinschauen willst, dann kannst du nicht hinsehen – diese Art von: ‚Komm her … dann verpiss dich.’ Sie sind die Art von Arbeiten, die mich wirklich gelehrt haben, was Farbe tun kann.“
Nichtsdestotrotz zog es sie eher zu Theaterdesign als zu bildender Kunst – auch wenn es für sie eher eine Enttäuschung war, da ihre Lehrer in die samtene und vergoldete Welt des Balletts und der Oper investiert waren und nicht in das politischere europäische Theater, das sie war begeistert. (Sie würde jetzt gerne mit einem Theaterdesigner zusammenarbeiten, sagt sie, um Bühnenbilder für eine Oper oder ein Theaterstück zu entwerfen.) Nach dem College machte sie ein bisschen dies und das – als Kellnerin, arbeitete in Galerien und entwarf Restaurants. In Restaurants begann sie, Ausstellungen ihrer und ihrer Kollegen zusammenzustellen. „Ich wusste von klein auf, dass Afrikaner, Schwarze, Kunst machen, aber überall sagten mir, dass wir es nicht tun“, sagt sie.
Schließlich, in den 1980er Jahren, machte sie einen Master in Kulturgeschichte am Royal College of Art und suchte andere schwarze und asiatische Künstler auf. „Und natürlich arbeiteten sie im ganzen Land: Eddie Chambers, Chila Kumari Singh Burman, Sonia Boyce, Veronica Ryan, Sutapa Biswas … verschiedene von uns versammelten diese Leute auf unterschiedliche Weise und begannen, Shows zu veranstalten.“
Diese und andere Farbkünstler, wie Himid selbst, sind in letzter Zeit mit bedeutenden Ausstellungen und Projekten ins Rampenlicht gerückt; Sonia Boyce zum Beispiel ist zu vertritt Großbritannien im nächsten Jahr auf der Biennale in Venedig; letzten Winter beleuchtete Berman die Fassade der Tate Britain mit Lichtinstallation. „Sie waren immer Künstler von hoher Qualität“, sagt Himid. „Ich denke, manche Leute sagen vielleicht: ‚Oh, wir zeigen sie jetzt, weil sie jetzt wirklich gut sind.’ Ja, aber selbst ich, der keinen Abschluss an der Courtauld hatte, konnte vor 30 Jahren sagen, dass sie wirklich gut waren.“
Himid befürchtet, dass diese aktuelle Prominenz eher ein modischer Moment als ein solider Fortschritt ist, aber sie findet auch, dass “es sehr gut ist, dass viele der Künstler, die in den 1980er Jahren in den Zwanzigern waren, von jüngeren gesehen werden”. [Black and Asian] Künstler, die es noch schaffen. Ich denke aber, dass auch jüngere Künstler denken: „Ja, was auch immer. Ich kann etwas Interessanteres, Besseres, Experimentelleres, Dynamischeres machen.’ Ich würde hoffen, dass diese Dynamik jetzt nicht mehr aufzuhalten ist.“
Himid möchte, dass ihre Ausstellung ein Ort der Begegnung ist, ein Ort, an dem Aktionen beginnen können. Das hat sie in erster Linie zum Theater gelockt: „Es schien ein Ort zu sein, an dem Dinge geschehen können, wo sich Dinge ändern, Kostüme ändern, Bühnenbilder wechseln, Orte wechseln, Emotionen sich ändern.“ Wenn ihre Arbeiten in der Tate Modern gezeigt werden, können Sie die Rückseiten ihrer lebensgroßen bemalten Ausschnitte sehen, schätzen die Tatsache, dass ihre Arbeiten oft aus bescheidenen Dingen bestehen, die aus alltäglichen Kleinigkeiten (Schachteln, alter Karton, Scherben aus Holz, alte Kommoden). Ihre Arbeit zeigt – und erfreut – ihre eigene Kunstfertigkeit. „Ich möchte“, sagt sie, „dass die Leute sehen, dass man zum Beispiel aus einer Geleeform ein Modell für einen Pavillon machen oder einen Stuhl auf die Rückseite eines Ausschnitts stellen kann, um ihn aufzurichten.“ . Dass es tatsächlich möglich ist, etwas von diesem auf das zu verschieben.“
Und diese Art von Verschiebung, schlägt sie vor, könnte für die Fähigkeit stehen, Veränderungen im Allgemeinen zu bewirken – oder Teil davon sein. „Nicht dass es einfach wäre; Es ist nicht leicht, ein Gemälde zu machen, es ist tatsächlich sehr schwierig. Aber es ist möglich, etwas an sich selbst oder an seiner Umgebung oder an der Welt zu ändern. Ich möchte, dass die Leute denken: „Wenn sie das kann, dann muss es mir auch möglich sein.“
Lubaina Himid ist in der Tate Modern, London, aus Thur bis 3. Juli 2022.