TSchlauchwedel in der Tate Modern! Sie sagen 21 Jahre lang, dass die figurative Malerei tot ist: 21 Jahre Filmprojektionen, Tanz und schreiende Typen auf Monitoren. Dann geben sie einem figurativen Maler der alten Schule eine Retrospektive und erzählen uns, wie die Moderne heute aussieht.
Lubaina Himids Ausstellung im Blavatnik-Gebäude des Museums, in dem normalerweise zeit- und leistungsbasierte Kunst regiert, ist voller fröhlicher postmoderner Pops, die man normalerweise bei der Sommerausstellung der Royal Academy sieht. Die Atmosphäre, die dieses Museum projiziert, ist schwer und apokalyptisch, im Einklang mit seinem einschüchternden industriellen Maßstab. Aber dieser Künstler ist ganz launisch. Sie beginnt ihre Retrospektive mit einer Reihe von Gemälden über DIY. Sicherheitshinweise aus einem Handbuch sind neben Bildern von Zahnrädern, Nägeln und Werkzeugen ausgeschrieben. Auf Lautsprechern in der Nähe, in einem von mehreren Klangkunstwerken, die Himid mit Magda Stawarska-Beavan, werden diese Anweisungen wiederholt. Es ist wie eine sehr, sehr weiche Version von Jasper Johns. Und es stellt sich heraus, dass diese ganze Show ungefähr so gefährlich ist wie ein Gemälde eines Hammers. Es entkommt nicht der Kunst ins Leben.
Die Klangarbeit, so früh, scheint uns zu versichern, dass Himid perfekt in die Tate Modern passt. Aber sie ist nicht moderner als David Hockney – obwohl er auf seine Art sehr modern ist. Der Vergleich ist nicht zufällig. Als Himid in den 1980er Jahren ihr Kunstleben begann, war sie anscheinend ein großer Hockney-Fan. Sein Einfluss ist in frühen Gemälden sichtbar, wie z Knöcheltief (1991), mit seinen zwei Paar nackten Füßen, die auf einer spritzigen Wolke blau-weißer Pinselstriche ruhen, die direkt aus einem seiner frühen 1960er-Jahre-Bilder stammt.
Hockney selbst erscheint mit den blond gefärbten Haaren, die er noch in den 1980er Jahren trug, und sitzt mit einem Mann auf seinem Schoß in Himids Installation von 1984-6 Eine modische Ehe. Als dieses von Hogarth inspirierte Tableau beim Turner-Preis 2017 (den sie gewann) in Hull gezeigt wurde, wirkte es wütend und satirisch. Hier, inmitten all ihrer Bilder, ist es gezähmt.
Es erweist sich als Ausdruck von Himids Faszination für die narrative Malerei. Ihr Zyklus Le Rodeur aus dem Jahr 2016, benannt nach einem französischen Sklavenschiff, verwendet Hogarths Idee eines „Fortschritts“, einer visuellen Geschichte, die in mehreren Bildern erzählt wird. Le Rodeur: The Cabin ist besonders hogarthisch, auf einem Schiff, wo ein Musiker im Kostüm des 18. Jahrhunderts Pfeife und Trommel spielt, während ein Kellner ein Gelee serviert.
Die Crew von Le Rodeur 36 gefesselte Westafrikaner über Bord geworfen im Jahr 1819. Himids Bilder ärgern sich nicht über diesen Vorfall. Stattdessen ist es ein dumpfer Schmerz im Hintergrund, eine Tatsache, der ihre Charaktere möglicherweise ausweichen oder schweigend darüber grübeln. Wenn dies ein Theaterstück wäre, wäre es voller Pausen.
“Was ist ein Denkmal?” fragt Himid in einem gemalten Text neben einer Sammlung von Töpfen, die auf Geleeformen basieren und mit historischen Porträts, Emblemen und Stilen bemalt sind. Es ist eine gute Frage. Ihre Kunst beschäftigt sich mit Erinnerung, aber auf eine seltsam mäandernde Art und Weise. Historischer Schmerz verfolgt ihn, aber die ruhigen Figuren und fröhlichen Farben bewahren ihre Fassung.
Nach einer Weile wollen Sie eine Explosion. Ich wollte ein Video, das mich anschreit, ein Darsteller schlägt mir ins Gesicht. Das ist alles zu einfach und zu höflich. Die Kluft zwischen den politischen und historischen Themen von Himids Kunst und ihrer Eleganz könnte sehr effektiv sein. Stattdessen wird Bedeutung auf einen dünnen Allegoriefaden reduziert. OK. Ich verstehe, dass das Meer in allen Szenen von Le Rodeur unheimlich ist, die Ruhe der Charaktere unnatürlich, wenn man weiß, dass es um Sklaverei geht. Auf den tatsächlichen Bildern sieht man das aber nicht.
Es gibt auch Gemälde von utopischen Gebäuden, von Teppichen und fast abstrakten Mustern. Himid genießt ihre Farben. Eine Klangarbeit wiederholt das Wort „blau“ in verschiedenen Sprachen, in einem Raum voller konstruktivistischer Arrangements von Musikinstrumenten, Zeitung (dieser) und Bucheinbänden, allesamt mit blauen Schnürungen durchzogen.
Als Koloristin zischt sie, aber als Malerin von Menschen und Orten ist sie zu vage. Wir sehen formell komponierte, stilvoll gekleidete Gruppen, die sich in Bars oder Wohnzimmern treffen, aber jedes Detail ist wie ein Zitat eines Zitats.
Wenn Tate Modern der Meinung ist, dass Malerei heute modern ist, muss sie sich überlegen, warum einige Gemälde nur dekorativ sind, während andere tiefgründig sind. Es gibt hier nichts zu zeigen, warum diese besonders talentierte und eigenwillige, aber nicht besonders weltbewegende Malerin in die Tate Modern gehört, wenn andere ihrer Generation für eine Ausstellung in der weniger glamourösen Tate Britain dankbar sein müssen. Ich habe mich immer gefragt, was dieses Museum mit „modern“ meint. Es stellt sich heraus, was immer modisch ist, und wenn der Wind in Richtung Malerei weht, dann soll nicht gesagt werden, dass die Tate Modern nicht auch weht.