JaSo viel roten Samt haben Sie noch nie gesehen. Purpur hängt über die Decke des Londoner Piccadilly-Theaters, vorbei an den Kristallkronleuchtern, der beleuchteten Windmühle, dem blauen juwelenbesetzten Elefanten und der Leuchtreklame mit der Aufschrift: Moulin Rouge. Auf der Bühne gibt es Netzstrümpfe, Rüschenröcke, Pailletten-Bustiers und extravagante Federkopfbedeckungen. Alles, damit Sie sich fühlen, als wären Sie in die zwielichtige Pariser Pigalle um 1899 versetzt worden. Seien Sie versichert, wenn Sie Baz Luhrmanns Film von 2001 geliebt haben, den mit Ewan McGregor und Nicole Kidman, die Elton John in einer Kollision von Belle Epoque und 20. Jahrhundert Pop, hier werden Sie fündig.
Moulin Rouge! Das Musical erfindet sein Ausgangsmaterial nicht drastisch neu. „Wir waren alle schon bei dieser Adaption, bei der du dachtest: ‚Was hast du mit ET gemacht? Warum ist ET ein Serienmörder?!” sagt Regisseur Alex Timbers. „Unser Ziel ist es, dass in den ersten fünf Minuten“ – die Show beginnt mit einer glühenden Darbietung von Lady Marmelade – „die Schultern nach unten gehen, puh, und man merkt, dass jeder, der das gemacht hat, den Film auch liebt.“
Luhrmanns Film, der an den Kinokassen 179 Millionen Dollar einspielte, war der letzte Teil seiner „Roten Vorhang-Trilogie“ nach Strictly Ballroom und Romeo + Julia und der extravaganteste OTT der drei, ein schnell bearbeiteter Ansturm maximalistischen Glamours. Eine Liebesgeschichte über den mittellosen Songwriter Christian und Kabarettstar/Kurtisane Satine, es ist eine Ode an theatralische Träumer. Es überrascht also nicht, dass sie auf der Bühne landete, 10 Tony Awards am Broadway gewann und jetzt in London und Melbourne eröffnet wurde.
Das Buch, geschrieben vom Dramatiker John Logan, teilt größtenteils die gleiche Handlung wie der Film, aber es gibt kleinere Optimierungen. „Die Anforderungen an das Theater sind andere“, sagt Timbers. „Man braucht Protagonisten mit Handlungsmacht, die immer aktiv Entscheidungen treffen.“ So bekommt Kurtisane Satine etwas mehr Schlagkraft, und die Dreiecksbeziehung zwischen ihr, Christian und dem Herzog wird erschwert. „Das ist alles mit dem Segen von Baz“, fügt Timbers hinzu.
Der Film mag theatralisch sein, aber sein Stil ist geprägt von vielen Dingen, die nur im Schnittbereich möglich sind: Jump Cuts, Nahaufnahmen, Peitschenschwenks und andere Effekte. Das gleiche Gefühl auf der Bühne zu bekommen, war eine Herausforderung. Für Music Supervisor, Arrangeur und Komponist Justin Levine – der damit beauftragt war, 70 Songs aus den letzten 120 Jahren populärer Musik plus Originalmaterial zu einer mit Medleys und Mashups vollgestopften Partitur zusammenzuführen – war Musik ein Weg, dies zu tun. „Sie können zu einem Song springen, Sie können zwischen Songs überblenden, und manchmal hat das Hören von zwei Songs gleichzeitig einen entzückenden schwindelerregenden Effekt, den ich in dem Film so spannend finde“, sagt er.
„Der Song ist die Nahaufnahme“, sagt Timbers – es ist der Moment, in dem wir in die Gefühle einer Figur hineinzoomen. „Und ich denke, Ihr Lichtdesigner [in this case Justin Townsend] ist Ihr Redakteur, der Ihr Auge fokussiert: Schauen Sie hier vorbei! Schau hier her!”
Dann ist da noch die Choreografie von Sonya Tayeh, einer Emmy-Nominierten für ihre Arbeit in der US-Fernsehsendung So You Think You Can Dance, sowie Choreografin für Kylie Minogue und Florence + the Machine. Ihre Arbeit nutzt die Kraft und Schnelligkeit kommerzieller Choreografien neben den reichen lyrischen Möglichkeiten des modernen Tanzes (Twyla Tharp ist eine wichtige Inspiration).
„Ich spiele viel mit Schwung und Federung“, beschreibt Tayeh ihre Experimente mit Tempo und Einfrieren; sie kann die Tricks eines Editors nachahmen, wie eine „Speed Ramp“, mit einer plötzlichen Beschleunigung, oder die Musik untergraben, indem sie auf die Bremse tritt, wenn der Song an Fahrt gewinnt. „Du hast ein Buch, dem du folgst, und du musst es lebendig machen“, fügt die Choreografin hinzu. „In ein Pop-up-Buch verwandeln, die Worte auf eine wirklich farbenfrohe Art und Weise hervorheben.“
Tayeh, die als Teenager in Detroit Clubs verbrachte, nutzt Tanz, um Emotionen zu provozieren und Erzählungen voranzutreiben, nicht nur als hübsche Dekoration. „Diese Besetzung war so eifrig“, sagt sie. “Sie nehmen so große Bissen davon, sie haben so viel Wärme und Energie.”
Auf der Bühne bereitet sich die Besetzung auf einen Tech-Run vor, und Christian (gespielt von dem von Rada ausgebildeten amerikanischen Schauspieler Jamie Bogyo) und seine Bohème-Freunde Santiago und Toulouse-Lautrec proben eine Szene, in der sie eine Version des Credos der Show in Liedern vertreten – “ Freiheit, Schönheit, Wahrheit und Liebe“ – bevor er in T Rex’s Children of the Revolution übergeht. Das ist typisch für die musikalischen Kurven, die die Show macht.
Neue Musicals, die bestehende Popsongs verwenden, sind mittlerweile überall zu finden, von Jersey Boys bis & Juliet, aber sie waren noch nicht allgegenwärtig, als der Film vor 20 Jahren herauskam. Es ist ein Gerät, das der Geschichte gut dient. Christian ist angeblich ein begnadeter Songwriter. „Sie haben Theaterstücke gesehen, richtig, in denen jemand sagt, dass er das größte Gedicht oder Buch oder Lied geschrieben hat“, sagt Timbers, „und irgendwann im zweiten Akt müssen sie es lesen und Sie sind wie, hmm, ich gebe ihm ein B+. Hier ist die unverschämte Einbildung, dass Christian all die großartigen Lieder geschrieben hat, die du liebst.“
Der Effekt bekannter Musik ist natürlich eine sofortige Verbindung mit dem Publikum (und all seinen damit verbundenen Emotionen und Erinnerungen an diese Lieder). „Der Ohrwurm ist sofort da“, wie Timbers es ausdrückt. Levine hat den Soundtrack mit Songs aus den letzten 20 Jahren aktualisiert, wie zum Beispiel Katy Perrys Firework und Lady Gagas Bad Romance. Anstatt nur Hits aneinanderzureihen, näherte er sich den Songs als Material zum Komponieren, änderte die Reihenfolge der Texte, um die Geschichte zu erzählen, oder schnitt zu einem anderen Song ab, wenn der erste seinen Zweck erfüllt hat. „Oft ist großartige populäre Musik kein Gespräch“, sagt er, „es ist ein einzigartiger Ausdruck. I Can’t Get No Satisfaction – von der Minute an, in der das Lied beginnt, wirst du nicht mehr viel lernen.“
Es gibt ein Argument, dass der Jukebox-Ansatz eine Art Verdummung ist und es schwieriger macht, ganz originelle Musicals zu machen. Levine sagt, dass es heutzutage schwer ist, ein Musical zu machen, aber „Ich denke, Shows wie Hamilton und Dear Evan Hansen beweisen, dass es absolut Appetit auf Originalmaterial gibt.“ Es habe schon immer eine durchlässige Grenze zwischen der Bühnen- und der Popmusikwelt gegeben, sagt er und weist darauf hin, wann die Popstars ihrer Zeit Broadway-Songs von Cole Porter oder den Gershwins aufgenommen haben. „Damals gab es eine viel symbiotischere Beziehung zwischen populärer Musik und Musiktheater“, sagt er, aber es geht weiter. „Jay-Z scheint ein großer Fan von Annie zu sein“, sagt Levine in Bezug auf die Rapper-Version von Hard Knock Life. „Und als ich das letzte Mal nachgesehen habe, 7 Rings by Ariana Grande [based on My Favourite Things] hatte 1,5 Milliarden Streams auf Spotify.“ Als Luhrmann Moulin Rouge machte, kehrte er diese Tradition einfach um.
Luhrmann selbst war an der Entstehung des Bühnenmusicals nicht beteiligt. Er und seine Frau, die Designerin Catherine Martin, besuchten einen frühen Workshop und teilten ihre Gedanken. „Und ich war wirklich demütig, wie konstruktiv und liebenswürdig sie waren“, sagt Levine. Am Broadway angekommen, koproduzierte Luhrmann jedoch das Besetzungsalbum mit Levine und dem Produzenten Matt Stine. „Er ist ein sehr musikalischer Mensch“, sagt Levine. „Baz hört und nimmt alles wahr. Er hat einen hyperaktiven Denkprozess. Es würde all diese kleinen Hinweise geben, von denen einige vielleicht nur zu meinem und Matts Vorteil waren und Baz würde sie einfangen.“
„Für zwei dämliche Amerikaner im Piccadilly-Theater zu arbeiten, das eine so reiche Geschichte hat, ist wirklich toll“, sagt Timbers und sieht Tayeh an, während wir hinter den Kulissen auf Samtstühlen sitzen. Und sie sind aufrichtig darüber, wie sehr sie die Show lieben, mehr als man für ein lärmendes, unterhaltsames Knie-oben erwarten könnte, das einige New Yorker Kritiker mehr für ihren Stil als für ihre Substanz applaudierten. „Es ist eine schöne Botschaft von Familie und Gemeinschaft und Stolz darauf, wer Sie sind und wirklich für etwas zu leben, an das Sie glauben“, sagt Tayeh. „Es ist eine Feier der Individualität und des Selbstausdrucks, der Opfer für die Kunst und der Opfer für die Liebe.“
Sie nähern sich ihm aus allen Blickwinkeln mit großer Leidenschaft. „Es ist wie eine gemischte Version von Traviata, Bohème, Romeo und Julia und dem Orpheus-Mythos, also muss man auf dieser Ebene agieren“, sagt Timbers. „Es geht darum, große Kühnheiten zu wagen, kühn zu glauben und blind zu lieben.“