Tas Designmuseum muss bei all den erotischen Möbeln in seiner oft wahnsinnigen Ausstellung perversen Designs nach ungeeigneten Handlungen Ausschau halten. Vielleicht sollten sie ein Schild aufstellen: „Kein Sex auf den Sofas, bitte!“
Objekte der Begierde untersucht den Einfluss der surrealistischen Bewegung auf moderne Innenräume und Mode. Es ist eine Feier des aus den Fugen geratenen Designs: Anstelle rationaler Funktionalität infiltrieren die Kreationen hier das Irrationale in das Praktische und greifen die Realität im Namen der Träume an. Eine Stehlampe in Form eines lebensgroßen Pferdes, ein bequemer Sessel aus Kuscheltieren und vor allem diese schlüpfrigen, geschwungenen Samt- und Ledersofas machen diese Ausstellung zu einer entzückenden Orgie des schlechten Geschmacks.
Es beginnt mit einem neuen Blick auf zwei Klischees der modernen Kunst: Salvador Dalís Lobster Telephone und Mae West Lips Sofa, beide 1938 in Zusammenarbeit mit seiner englischen Mäzenin geschaffen Eduard James. Während sie sich in einem hellen Scheinwerferlicht sonnen, das die Straffheit und Fülle dieses riesigen roten Mundes eines Sofas hervorhebt, werden wir ermutigt, sie nicht nur als unverschämte Skulpturen, sondern als echte Möbelstücke zu sehen. James gab bei Dalí nicht weniger als 11 funktionierende Lobster-Telefone für sein Haus in London in Auftrag.
Dalís verträumte Einrichtung ist der Inbegriff der utopischen Ideale der surrealistischen Bewegung, die nach dem Ersten Weltkrieg in Paris ihren Anfang nahm. Dies war ein revolutionärer Versuch, die bürgerliche Gesellschaftsordnung zu zerstören, indem die obsessive, zwanghafte Macht der Träume in den Alltag entlassen wurde. Während Dalí herkömmlicherweise als Verräter der Bewegung angesehen wird, entpuppt er sich hier als einer der großen Schöpfer der modernen Welt, weil er ihre Ästhetik in Mode, Kino und Schaufenster schleuderte.
Es gibt wirklich schockierende Fotos von seinem Freizeitpark-Wunderland, Der Traum von der Venus, einen Pavillon, den er 1939 auf der New Yorker Weltausstellung entwarf. Models in Bondage-Ausrüstung tummeln sich in einem Sleazorama am Meer, das auch heute noch aufreizend hardcore aussieht. Es ist aber auch eine Hommage an den ersten und größten surrealistischen Architekten überhaupt, Antoni Gaudí, dessen Bauten in Barcelona Triumphe der Vorstellungskraft über die Normalität sind.
Es könnte hier mehr über Gaudí und tatsächlich über die breitere Jugendstilbewegung geben, die dem Design des späten 19. Jahrhunderts eine bewusste Dekadenz einbrachte. Was die Show zeigt, ist ein von Gaudí im Jahr 1900 entworfener Stuhl, dessen geschnitzte Holzkurven, lackiert und auf Perlmuttglanz poliert, organische Füße, Augapfelwölbungen, eine herzförmige Rückenlehne und Arme umfassen, die bereit sind, Sie zu umarmen und zu umarmen. Es wäre wahrscheinlich nicht sehr bequem, aber es drückt einen Traum von einem Stuhl aus, der seinen Besitzer wirklich liebt.
Derselbe märchenhafte Zauber nimmt hier sehr bizarre Formen an. Man Rays Bügeleisen mit Nietennägeln ist ein weiteres Objekt, das nur allzu gut als Skulptur bekannt ist – aber in diesem Zusammenhang fällt auf, wie es die Hausarbeit und ihre Hierarchien im Namen der Unvernunft angreift. Marcel Duchamps Bottle Rack von 1914 ist ein weiteres Meisterwerk surrealistischer Besessenheit: Was hat Duchamp dazu bewogen, dieses stachelige Metallobjekt als Kunst auszustellen? Besitzen ist das richtige Wort, denn nicht er hat es gewählt, sondern es hat ihn gewählt. Dasselbe gilt für einen „Slipper-Löffel“, einen kuriosen Holzlöffel mit einem eingeschnitzten Schuh, den André Breton auf einem Pariser Flohmarkt gefunden hat: Er war besessen von ihm und er brachte Man Ray dazu, das ausgestellte Foto davon zu machen hier.
Die Beziehung des Surrealismus zur Welt der Dinge war noch nie seltsamer. Die völlig hemmungslose Art und Weise, wie diese Dichter und Perversen die materielle Welt fetischisierten, liegt in einer intensiven, geistesgestörten Magie. Man Rays Foto des surrealistischen Künstlers Meret Oppenheim zeigt sie nackt neben einem riesigen Industrierad mit schwarzer Tinte, die über ihre Hand und ihren Arm geschmiert ist. Es ist ein Bild von ihr als Schöpferin, als Künstlerin in einem Druckwerk, das so freudig erotisch ist wie ihre eigene Skulptur einer pelzigen Tasse (leider abwesend).
Die Ausstellung argumentiert, dass der Surrealismus in der postmodernen Ära, in der Designer wieder frei mit Formen und Bildern herumtollen, zur Geltung gekommen ist. Doch die Exponate beweisen das Gegenteil. In der Nähe dieser obsessiven surrealistischen Visionen steht ein auf Fahrradrädern montierter Glastisch Gae Aulenti im Jahr 1993. Es ist eine Hommage an Duchamp, sagt das Label. Aber es ist ein Ding ohne Seele. So auch viele der neueren Objekte in der Ausstellung. Diese Horse Lamp von Front Design aus dem Jahr 2006 ist eigentlich nur ein grotesk protziges Möbelstück für das Penthouse eines Oligarchen.
Solche zeitgenössischen Designs werden dem Surrealismus überhaupt nicht gerecht. Das liegt daran, dass sie nicht im geringsten obsessiv wirken. Die Postmoderne ist ironisch, verspielt, gewollt – aber der Surrealismus war nichts davon. Wenn Claude Cahun sich selbst in geschlechtsspezifischen Verkleidungen fotografiert, scheint dies keine Wahl oder Aussage zu sein, sondern eine innere Notwendigkeit.
Das mag diese Ausstellung wie einen Fehlschlag klingen lassen. Im Gegenteil: Es zeigt sehr deutlich, wie extrem und außergewöhnlich diese Bewegung wirklich war und wie schwer sie wieder einzufangen ist. Diese Juwelen des surrealistischen Rausches neben Galliano-Modeaccessoires und Björk-Videos zu sehen, beweist nur, dass der Surrealismus tragischerweise tot ist. Es ist so tot wie der Kubismus – und so herrlich. Es war immerhin eine modernistische Bewegung: nicht der Vater der heutigen Verspieltheit, sondern etwas unendlich Ernsthafteres und Revolutionäreres.