ichWenn die Theaterbranche eine interne Prüfung dessen durchführen würde, was seit der Wende von #MeToo 2017-18 erreicht wurde, wie würde sie abschneiden? Es gab sicherlich große Zeichen, die unmittelbar nach dem Fall Harvey Weinstein eine neue Epoche einläuteten. Eigenkapital aufgelegt Sichere Räume, eine immer noch aktive Kampagne zur Verringerung von Belästigung am Arbeitsplatz; künstlerische Leiter programmierten neue Arbeiten, die sich direkt mit den Themen befassen; und weibliche Praktizierende wurden sichtbarer. Sogar der Aufruhr über die fehlende weibliche Vertretung in a Spielzeit 2019 am Nationaltheater markierte einen düsteren Fortschritt, insofern jeder mehr Ausgewogenheit bemerkte und forderte. Und der National hat fairerweise seitdem eine ermutigende Anzahl von Werken von Frauen gezeigt. In Bezug auf die realen, berechenbaren Zahlen rund um die Geschlechterungleichheit sitzt die Optik jedoch ziemlich weit von den kalten Fakten entfernt. Letztes Jahr stellte ein Bericht fest, dass in der Branche nur minimale Fortschritte erzielt wurden, und Untersuchungen nach der Sperrung werfen noch besorgniserregendere Zahlen auf.
Wann immer es Fortschritte gibt, gibt es Rückschläge von denen, die sich am meisten bedroht fühlen. Wir sehen derzeit eine Gegenreaktion, die weit über das Theater hinausgeht, von einem Anstieg männlicher sexueller Gewalt gegen Frauen bis hin zu einer größeren politischen Kontrolle über reproduktive Rechte. Aber die Gegenreaktion ist auch im Theater und anderen kulturellen Darstellungen von Frauen sichtbar.
Ein Film namens My Name is Andrea, der im Juni auf dem Sheffield DocFest gezeigt wurde, dokumentiert das Leben und Werk der verstorbenen radikalen Feministin Andrea Dworkin, die in den 1980er und 90er Jahren von Vergewaltigung, Pornografie und der „Rückeroberung der Nacht“ sprach. Was war so auffallend in Pratibha Parmars Film, der Aufnahmen von Dworkins Reden und Interviews von vor Jahrzehnten enthielt, war, dass sie so leicht über heute sprechen könnte. Während sie damals als Kontroversistin galt, scheinen ihre Ideen heute äußerst vernünftig und erschreckend relevant.
Ich habe in den letzten Shows, die aus der Zeit vor #MeToo wiederbelebt wurden, einige hautkriechende Anzeichen von Regression gesehen, in denen Frauen objektiviert oder beiläufig verspottet wurden. Erstens die musikalischen Adaptionen der Filme Pretty Woman und Indecent Proposal, in denen die zentrale weibliche Figur eine durch und durch romantisierte Sexarbeiterin ist, die einen Millionär bzw. einen sexuellen Verhandlungschip gewinnt. Dann, in der Schokoladenfabrik Menier, Alan Bennetts Komödie Habeas Corpus von 1973, deren Schmutz sich hauptsächlich in kindischen Brustwitzen manifestiert. Viele lachten herzlich – die meisten im Saal, bei der Aufführung, die ich besuchte – aber einige von uns waren verwirrt: War das mit einem ironischen Augenzwinkern inszeniert? Die Produktion schien es gerade zum Lachen zu spielen.
David Mamets 1977er Kampf der Geschlechter, The Woods, wurde Anfang dieses Jahres im Southwark Playhouse aufgeführt und brachte veraltete Debatten über Frauen und Biologie heraus. Sally Rogers’ neues Stück The Still Room dramatisierte die zügellose räuberische Männlichkeit der 1980er Jahre und zeigte uns, wie barbarisch sie war, aber ihre Komödie segelte so nah an Benny Hill-artigem Hohn und hormonalem Schuljungenhumor vorbei, dass es eher wie eine unbequeme Wiederholung als eine Kritik wirkte. auch wenn das nicht beabsichtigt war.
Es ist schwer zu sagen, ob die Branche nur einen abschätzenden Rückblick auf die Geschlechterpolitik der Vergangenheit wirft oder ob all dies die Legitimierung von Sexismus unter dem Deckmantel von Ironie und wissendem Humor ist. Ist der Humor von gestern der Schmäh von heute – oder umgekehrt? Wie sollen wir es empfangen? Und ist es weniger anstößig, wenn im Rahmen des Dramas sexuelle Pejorative aus den Mündern der Charaktere sprudeln, wie es bei Rooster und seiner Crew in Jez Butterworths kürzlich wiederbelebtem Jerusalem der Fall ist, die sich auf anschauliche und erniedrigende Weise auf Frauen beziehen?
Diejenigen, die so denken, werden als scheinheilig, zensierend oder Teil einer „aufgeweckten“ Brigade mit einem ernsthaften Sinn für Humorversagen gebrandmarkt. Verteidiger sprechen von künstlerischer Freiheit und der Freiheit zu beleidigen. In Bezug auf Jerusalem würden sie beispielsweise darauf hinweisen, dass nicht Butterworth spricht, sondern dass er eine Welt zeichnet, in der diese grob behauenen Charaktere existieren und in der sie jedes kreative Recht haben, zu sagen, was sie sagen.
Einige Verteidiger vergleichen solche Witze mit Shakespeares Unzüchtigkeit und sexueller Anzüglichkeit. Der Unterschied besteht jedoch darin, dass Shakespeare in und für die elisabethanische Ära schrieb. Jeder aufgeklärte zeitgenössische Regisseur, der seine sexistischen (oder antisemitischen) Szenen jetzt inszeniert, würde sie sicherlich auf intelligente Weise untergraben oder unterminieren. Eine aktuelle Produktion von Measure for Measure im Sam Wanamaker Playhouse tat genau das, indem sie den Themen Raub und Vergewaltigung des Stücks ein 1970er-Makeover verpasste und dadurch die frauenfeindlichen Normen dieses Jahrzehnts hervorhob.
Über Shakespeare hinaus gibt es viele Beispiele revisionistischer Nacherzählungen, die einer Geschichte die Bigotterie entziehen, wie zum Beispiel Lucy Moss’ Legally Blonde. Oder diejenigen, die seinen Chauvinismus unterstreichen, wie Daniel Fish und Jordan Feins Oklahoma! und Marina Carrs Mädchen auf einem Altar.
Natürlich müssen wir Dramen, die nicht mehr zu retten sind, nicht in den Mülleimer werfen – obwohl Habeas Corpus meiner Meinung nach einer sein sollte. Aber Erweckungen wie diese weisen auf eine deprimierende Realität in der Post-#MeToo-Ära hin, indem sie uns zeigen, dass manche Leute immer noch Witze über Brüste, weibliche Jungfräulichkeit und obszön sexualisierte Pejorative für lustig halten.
Humor auf der Bühne kann einer Form von psychischer Gewalt oder Mobbing nahekommen. Was die Gesellschaft lacht oder als Unterhaltung betrachtet, ist ein Indikator dafür, wer und wo wir sind. Mit dem Finger auf Theaterstücke zu zeigen, die Schattierungen von sexistischer Sprache verwenden, mag wie eine Spitzfindigkeit erscheinen, wenn man sie mit der wachsenden Zahl von Arbeiten, die sie kritisieren, konfrontiert. Aber die Idee, dass wir gute Sportler sein und diesen Chauvinismus abschütteln, mitlachen oder schweigen sollten, klingt für mich sehr nach 1970er Jahren.