Tiese diesjährige Shortlist-Show für den Fotopreis der Deutschen Börse ist wie immer eine Studie dramatisch gegensätzlicher Herangehensweisen an das Medium. Auf einer Etage der Photographers’ Gallery weichen Deana Lawsons kunstvoll konstruierte Tableaus schwarzer Erfahrungen, die sich auf Studioporträts, dokumentarische und einheimische Traditionen stützen und diese geschickt untergraben, Gilles Peress’ viszeraler Reportage über die Unruhen in Nordirland. Die beiden scheinen Welten voneinander entfernt zu sein.
Ebenso gibt es auf einer separaten Etage einen ruckartigen Wechsel von den lebendigen Farben und verwirrenden Kompositionen von Anastasia Samoylovas Miami zu Jo Ractliffes strengen südafrikanischen Landschaften. Während sich traditionelle und zeitgenössische Strategien durchgehend unwohl aneinander reiben, gibt es eine Art Einheit in den Themen Gemeinschaft und Zugehörigkeit, Kampf und Selbstdefinition.
Wenn jeder Raum eine kleine, in sich geschlossene Ausstellung ist, die dazu bestimmt ist, ein viel größeres Werk zu beleuchten, kommen Samoylova und Ractliffe hier am besten zur Geltung. Ersteres in Arbeit, Flutzone, entführt Sie in eine ballardische Zukunftswelt, die sich bereits in Echtzeit entfaltet. Ihre großformatigen, fast traumhaften Konstruktionen zeigen die hyperreale Ikonographie von Miamis Tourismus- und Immobilienindustrie, wie sie neben den ominösen Vorboten einer bevorstehenden Ökokatastrophe existiert: überflutete Keller, entwurzelte Palmen, die prekär an Art-Deco-Fassaden lehnen, rissige und bröckelnde Betonpflaster unter riesigen Anzeigen für High-End-Strandgrundstücke.
In einem aquamarin gestrichenen Raum nimmt das babypuppenfarbene Rosa von Miamis Wänden und Bürgersteigen einen noch kränklicheren Aspekt an – feuchtfleckig, schimmelbedeckt und auf dem Rückzug von einer Macht, die unaufhaltsam mächtiger ist als Kapital und Handel.
Im Gegensatz dazu sind Ractliffes Räume luftig und leicht, ihre monochromen Fotografien strahlen eine sofort spürbare Ruhe aus. Für mich ist dies die am besten realisierte Ausstellung hier, sorgfältig konzipiert und geschickt kuratiert, um diese kargen, verwunschenen Landschaften für sich selbst sprechen zu lassen. Ractliffes Thema ist das ländliche Südafrika nach der Apartheid, das sie über 40 Jahre hinweg fotografiert hat. Ihr offensichtlichster Vorläufer ist der verstorbene David Goldblatt, aber die Landschaften von Ractliffe sind schwer fassbarer: weite, trockene Ebenen, die von Spuren der kolonialen Vergangenheit übersät sind: die verstreuten Ruinen von Betonrohrleitungen, Industriegebäuden und ehemaligen Elendsvierteln. Aus ihrer jüngsten Monographie ausgewählt, Fotografien 1980er – Jetzt, Es ist die Arbeit, die am meisten Aufmerksamkeit verdient, ihr ruhiger beobachtender Ansatz, der von subtilen visuellen Rhythmen und Echos gekennzeichnet ist, die von einer tiefen und geduldigen Auseinandersetzung mit dem Land, seinen Menschen und seinen Geistern sprechen.
Im Erdgeschoss Deana Lawsons Zentropie ist so ehrgeizig konzeptionell, wie der Titel vermuten lässt, ihre großformatigen konstruierten Porträts mit Spiegelrahmen existieren irgendwo zwischen Porträtmalerei und Mythos, ihre Symbolik ist oft in den häuslichen Traditionen der schwarzen Erfahrung angesiedelt. In einem markanten Tableau, Monetta Passing, ein älterer Mann, sitzt neben einer toten Frau, die in ihrer Pracht auf einer halb erhöhten, mit Seide drapierten Couch unter goldenen Vorhängen aufgebahrt wurde. Sein Blick ist direkt, streng und stoisch. Neben ihm steht ein kunstvolles Blumenarrangement über einem Trainingsgerät – ein Blick auf das Funktionale inmitten des Ausgefeilten. Der Maßstab und die satten Farbtöne verbinden sich mit zufälligen Details – ihre behandschuhten Hände, sein tätowierter Kopf – um eine Szene zu schaffen, die sowohl dramatisch verbessert als auch trotz all ihrer Kunstfertigkeit authentisch ist.
An anderer Stelle wurde ein Familienfoto von einer Mutter und ihrer Tochter, die lässig posieren und in die Kamera strahlen, vergrößert und vielleicht behandelt, um ihre Abnutzungserscheinungen hervorzuheben: oberflächlicher Schmutz, Erosion, Kratzer. Der Maßstab verleiht einem gewöhnlichen, ungekünstelten Porträt einen noch tieferen Charme, aber der degradierte Zustand des Drucks lässt die Gedanken unweigerlich an die Zeit zwischen damals und heute und all das, was dazwischen geschehen sein könnte, schweifen.
Lawsons ambitionierte Bilder, die Hologramme beinhalten, lassen dem Betrachter immer viel Raum für eigene Interpretationen, lassen aber gleichzeitig etwas zurück. Dieses Etwas – eingebettet, komplex und schwer fassbar – ist entscheidend für die Resonanz dieser Fotografien. In seinem Katalogaufsatz mit dem pointierten Titel Against Simplicity, Schriftsteller und Fotograf Stanley Wolukau-Wanambwa schreibt: „Lawsons Porträts zeigen, wie es kommt, dass Blackness … nicht beides sein kann genau und einfach beschrieben“. Auch nicht interpretiert.
In letzter Zeit hat Peress hart daran gearbeitet, sein riesiges Archiv mit Bildern von den Unruhen in Nordirland neu zu interpretieren – oder neu zu positionieren. Die hier ausgestellten Arbeiten, die vom Boden bis zur Decke in ungerahmten monochromen Rastern angeordnet sind, sind nur ein Bruchteil der riesigen Bilderflut, die sein 2021 erschienenes episches Buch Whatever You Say, Say Nothing ausmachen. Sein Ziel war es, eine „dokumentarische Fiktion“ zu schaffen, die die „spiralförmige“ Natur der Zeit in einem Konfliktgebiet heraufbeschwört – Tage, die sich um Rituale des Protests, des Widerstands, des Aufmarschs, der Gewalt und der Trauer winden und wiederholen.
Der naheliegendste Weg, dies in einer Galerie zu tun, wären Multiscreen-Projektionen anstelle von Drucken – und Collagen – an der Wand, die in diesem relativ kleinen Raum nicht den Ehrgeiz des Projekts hervorrufen können. Die Bilder selbst sind jedoch viszeral und erinnern oft auf unheimliche Weise an die Zeit, die Gegenüberstellung des Gewöhnlichen – spielende Jugendliche, knutschende Teenager – mit dem Fesselnden – ein Mädchen, das Glasscherben von ihrem Vorgarten fegt, während ein Soldat ein paar Meter entfernt steht, Schlagstock in der Hand, hinter einem Schutzschild.
Peress fängt den Tumult der Troubles wie kaum ein anderer ein: die Wände ein wahnsinniger Bilderreigen: sektiererische Graffiti, maskierte junge Menschen, republikanische und loyalistische Utensilien, Freudenfeuer, Randalierer und die menschenleeren nächtlichen Straßen von Belfast in einer Zeit ständiger Paranoia. In diesem Zusammenhang ist jedoch die Kraft eines einzelnen Bildes, montiert und gerahmt an einer Wand, in der Überlastung verloren gegangen.
Wie immer ist es schwer zu sagen, nach welchen Kriterien man aus so unterschiedlichen Künstlern einen Gewinner auswählen würde, aber angesichts der Zeit, in der wir leben, und der früheren Vorliebe des Preises für Fotografie, die „das Medium befragt“, ist Lawson or Samoylova. Ich würde auf ersteres tippen.