ichs ist der Morgen nach der Vorpremiere von Suzanne Lacys neuer Solo-Show im Whitworth und es herrscht große Aufregung. Anscheinend gab es ein Bankett für 150 Personen, einen Chor von Sufi-Sängern und eine Busladung mit Besuchern aus Lancashire. Die Mitarbeiter haben die müden, funkelnden Augen, die zu einem befriedigenden Abend gehören, und Lacy wird auf ihrem Weg zu einem Treffen mit den Ausstellungsmitarbeitern durch die Galerie rasen gesehen. Denn vieles von dem, was der kalifornische Künstler macht, hat wenig mit Kunst an der Wand zu tun. Stattdessen findet Lacys Kunst in Mühlen, Parkhäusern und Gemeindezentren statt, verbindet Menschen und nutzt Kreativität als Vehikel für sozialen Wandel.
Aktivismus steht im Mittelpunkt von Lacys Arbeit, was eine Kategorisierung schwierig macht; „performance“ negiert die nachhaltige Wirkung ihrer kollaborativen Interventionen und „project“ ignoriert den ästhetischen Wert ihrer Präsentationen. In einfachen Worten, Lacy hat die letzten fünf Jahrzehnte damit verbracht, Ungleichheiten und Ungerechtigkeiten mit Kunst zu beseitigen und Brücken zu bauen, wo Schweigen die Menschen gespalten hat. Was für eine Stadt? in der Whitworth and Manchester Art Gallery vereint vier von Lacys Werken aus 30 Jahren von The Oakland Projects (1991-2001) bis hin zu Uncertain Futures (2021).
Across and In-Between eröffnet das Verfahren im Whitworth mit 102 lächelnden Gesichtern, die uns tot in die Augen starren. Die Schwarz-Weiß-Porträts bedecken drei Wände und stellen Menschen dar, die nahe der Grenze leben, die Nordirland von der Republik trennt. Setzen Sie einen Kopfhörer auf, und Sie werden ihre Stimmen hören, die undeutlich und widerhallend sind und ihren Namen, ihre Heimatstadt und die Entfernung von der Grenze angeben. Akzente, Geschlechter und Altersgruppen vermischen sich mit den Klängen der irischen Landschaft und erzeugen eine intrinsische Bindung zwischen Einwohnern und Wohnort.
Im Jahr 2018, während die Brexit-Verhandlungen bereits in vollem Gange waren, reiste Lacy entlang der irischen Grenze, um ein Gespräch darüber zu führen, wie das Leben durch die Kluft geprägt wurde. Erschütternde Geschichten von Kindern, die Flüsse überqueren müssen, um von der Schule nach Hause zu kommen, und Vorfälle von Frauen, die Lebensmittel schmuggeln, um ihre Familien zu ernähren, werden in einem Dokumentarfilm festgehalten. Mit diesen Erinnerungen im Kopf betrete ich einen dunklen Raum mit einer Drei-Leinwand-Projektion gelb gekleideter Teilnehmer, die eine Grenze ziehen. Mit Farbpigmenten, Drachen, Heuballen und Kajaks erscheint eine dicke, helle Grenze über der zerklüfteten irischen Landschaft. Die figurative Nachbildung einer buchstäblichen Grenze eröffnet die Möglichkeit, Grenzen insgesamt zu entfernen – wenn die Landschaft so einfach markiert werden kann, ist dann doch das Gegenteil der Fall?
Aber Grenzen machen sich in unseren Köpfen genauso breit wie auf der Erde. Lacys Kunst greift dieses Thema oft auf und sucht nach Wegen, historische Vorurteile in Frage zu stellen. Und manchmal bedeutet das die Wiedereröffnung einer alten Mühle, die früher eine vielfältige Gemeinschaft zusammenbrachte. The Circle and The Square ist der Höhepunkt von Lacys Arbeit in Pendle, Lancashire, wo sie eine dreitägige Performance in Brierfield Mill orchestrierte, die sich auf das kulturelle Erbe der südasiatischen und Lancastrianischen Bevölkerung stützte, die einst zusammenarbeiteten. Die Performances werden in Film festgehalten und auf sieben Leinwände projiziert, auf denen Personen über ihre Erfahrungen mit dem Leben in Pendle oder der Arbeit in der Mühle sprechen. Ich sitze in der Mitte des Raumes – inmitten der Teilnehmer – während Sufi-Gesänge nahtlos in den wogenden Fluss der Lancastrian-Form-Noten-Melodien übergehen. Eine Kamera bleibt in der Nähe von Gesichtern, Mündern, Händen und Augen und versucht, die undefinierbare Magie einzufangen, die Menschen verbindet, wenn sie gemeinsam singen.
Der Versuch, eine zuvor abgeschlossene Leistung zu zeigen, ist keine leichte Aufgabe. Die Platzierung von Filmen auf durchdacht positionierten Leinwänden in immersiven Räumen trägt viel dazu bei, den dynamischen und integrativen Charakter von Lacys Arbeit einzufangen, aber es gibt Momente in What Kind of City? wo die ursprüngliche Energie des Eingriffs verloren geht. Die Mehrheit der Oakland Projects (eine zehnjährige Initiative, die junge Farbige dazu befähigen soll, Stereotypen in den Medien zu hinterfragen) ist hauptsächlich auf Vitrinen-basierte Artefakte reduziert. Fragebögen, Briefe, Marketingmaterialien und Notizen tragen wenig dazu bei, Begeisterung zu entfachen, und neben einer 14-Kanal-Videoarbeit mit Interviews zieht die schiere Menge an Informationen meinen Kopf in verschiedene Richtungen. Es gibt Momente unglaublicher Einsicht – wie die Skizze emotionaler Gesichter, die in eine Flasche einer Teenager-Mama gequetscht wurden – aber mit vielen textbasierten Details wird die wahre Wirkung und Kraft des Programms gemindert.
Die Welt ist dank Suzanne Lacy ein besserer Ort. Nach ihrer Performance Cleaning Conditions in der Manchester Art Gallery im Jahr 2013 überprüfte die Institution die Löhne des Reinigungspersonals neu; Uncertain Futures (Interviews mit 100 mancunischen Frauen über 50) ist Teil eines Forschungsprojekts, das zu einem besseren Verständnis der Anerkennung von Pflege und unbezahlter Arbeit beitragen soll; und Oakland Revisited lädt junge Leute aus der Region ein, ihre Präsentation in den Medien zu reklamieren. Lacy fragt uns, in welcher Stadt wir leben wollen, und die Antwort ist sicherlich die, in der sie Kunst macht.