Jean Cocteaus Stück aus dem Jahr 1930 ist ein Monolog, getarnt als eine Reihe von Telefongesprächen, in denen wir den Schmerz einer Frau hören, die von ihrem Partner verlassen wird. Mit dem Telefon als Metapher – die geschnittenen oder gekreuzten Linien als Spiegel der emotionalen Trennung des Paares – ist es nicht nur ein dramatisches Stimmexperiment, sondern ein schmerzlich menschliches Spiel darüber, verzweifelt, hektisch und verliebt in jemanden zu sein, der kühl weggeht. Es gab sehr unterschiedliche Versionen der zentralen, gequälten Figur, von Ingrid Bergmans zitternder Kettenraucherin im Jahr 1960 bis zu Tilda Swintons gebieterisch verwundeter Frau in Pedro Almodóvars Film von 2021. Entscheidend ist der Griff des emotionalen Dramas.
Dieses Drama wird hier nicht eingefangen, noch seine Spannung. Auch Regisseur Ivo van Hove adaptiert Cocteaus Drehbuch und schafft es, ihm seine rohe emotionale Kraft und Dynamik zu nehmen. Es wird so nüchtern und steril wie der leere Glaskasten eines von Jan Versweyveld entworfenen Sets, das uns mit seiner klinischen Abgründigkeit auf Distanz zu halten scheint.
Ruth Wilson spielt als verschmähte Liebhaberin in Trainingshosen und einem Tweety-Pie-Oberteil das Leiden ihrer Figur auf verschiedene Weise herunter und übertreibt es. Es gibt gruselige Momente offenkundiger Theatralik, wenn sie den Hund des Paares imitiert, die Schuhe ihres Geliebten umarmt und wild mimt, manchmal mit zusätzlichen Tanzbewegungen, in musikalischen Zwischenspielen mit Beyoncé und Radiohead. Es gibt einen schmerzhaft passiven Moment, in dem sie mit dem Rücken zu uns an die Wand genagelt ist, während wir uns Radioheads How to Disappear Completely von Anfang bis Ende anhören, was nicht nur Langeweile mit sich bringt, sondern auch den entmenschlichten Eindruck eines toten gefangenen Insekts vermittelt auf Fliegenpapier.
Wilson scheint Zeilen zu überspringen, die die Machtlosigkeit ihrer Figur darstellen (sie fühlt sich schuldig und weigert sich, ihrem Partner die Schuld für den Schmerz zu geben, den er ihr zugefügt hat). Diese Segmente, so schwierig sie für ein modernes Publikum auch sein mögen, sind offen ehrlich und mutig in ihrer Verletzlichkeit, klingen oder fühlen sich hier aber nicht so an. Vielleicht versucht Wilson, dem Teil Kraft zu verleihen, aber am Ende klingt es künstlich und distanziert. Als sie sich entwirrt, gibt es Hinweise auf eine Psychose – ist ihr Geliebter nur eine Stimme in ihrem Kopf? – aber diese interessante Entwicklung hält nicht an.
Cocteau sagte, er habe dieses Stück geschrieben, nachdem sich sein Stall weiblicher Schauspieler darüber beschwert hatte, dass ihre Rollen zu stark von Autor und Regisseur dominiert seien. Ironischerweise scheint genau das das Problem dieser stilisierten Inszenierung zu sein; Wilsons Charakter ist Teil einer größeren Regievision.
Die Glashülle, die sich von ihrem Balkon aus als Blick in Wilsons Haus entpuppt, hätte vielleicht eine voyeuristische Intimität geschaffen, wie es 2018 in einer kleineren, weitaus wirkungsvolleren Produktion im Londoner Gate mit Leanne Best der Fall war. Aber Wilson sieht immer nur wie ein in Glas gehülltes Exponat aus, das den weiblichen Schmerz dramatisiert, anstatt ihn zu bewohnen.
Ein traditionell als Telefongespräch inszeniertes Drehbuch verwandelt sich hier in einen dramatischen Monolog, was ein innovativer Zug ist, aber das Stück unterbricht seine eigene Neukonzeptualisierung, indem es gegen Ende zum dramatischen Mittel des Telefongesprächs zurückkehrt.
Am beunruhigendsten ist, dass es einen Hauch des alten Klischees um den selbstmörderischen Herzschmerz von Frauen gibt, der diese Figur zu einem Anna-Karenina-Fatalismus verurteilt. Hier sehen wir jedoch diese depressive, verzweifelte Frau, die in einem selbstmörderischen Moment ihre Absätze und ein Killerkleid anzieht – sie sieht einem Model aus einer teuren Parfümwerbung nicht unähnlich – was an frauenfeindliche Fantasie grenzt. Und bei aller Theatralik bleibt das Stück behäbig ruhig; ein 65-minütiger Monolog, der zu Ende geht.