Tangerine Dream – Reise durch ein brennendes Gehirn (1970)
Klaus Schulzes erster Auftritt auf Vinyl war als Drummer in der aufstrebenden Tangerine Dream, einer Band, die keinerlei Ähnlichkeit mit den Tangerine Dream hatte, die Mitte der 70er Jahre für ihre beatlosen, beglückenden elektronischen Epen berühmt waren. Der zerzauste, gelegentlich furchteinflößende Inhalt ihres Debütalbums Electronic Meditation klang wie der frühe Pink Floyd, nachdem alle Songs entfernt und die Freiform-Experimente auf 11 erhöht worden waren. Der zweite Track, Journey Through a Burning Brain, bietet atonale Gitarrensolos und gewaltige Drohungen Orgel, jemand, der mit einer Flöte etwas äußerst Nervöses macht, und Schulzes hämmerndes Schlagzeug, das in die Mischung ein- und ausblendet. Wenn das Psychedelia war, dann war es Psychedelia, lange nachdem der Flower-Power-Traum geronnen war, was den turbulenten Zustand Westdeutschlands Ende der 60er Jahre widerspiegelte.
Ash Ra Tempel – Amboss (1971)
Nachdem er Tangerine Dream verlassen hatte, gründete Schulze mit dem Gitarristen Manuel Göttsching und dem Bassisten Hartmut Enke Ash Ra Tempel. Krautrock-Autorität Julian Cope beschrieb Amboss, der 19-minütige Track, der die gesamte erste Seite ihres Debütalbums einnimmt, als „das Power-Trio, das als meditative Kraft spielt … ein systematischer Zusammenbruch all Ihrer Sinne, bis Sie niedergeschlagen und bewusstlos sind“, was es perfekt zusammenfasst unerbittliche Trommelfeuer, Feedback, hypnotisch repetitives Riffing und wilde Gitarrensoli, die von Lautsprecher zu Lautsprecher springen. Schulzes Schlagzeugspiel ist erstaunlich: hektisch, aber präzise, treibend, aber zurückhaltend.
Klaus Schulze – Satz: Ebene (1972)
Schulzes Solo-Debütalbum Irrlicht war keine elektronische Musik, wie wir sie uns heute vorstellen: Es enthielt nicht einmal einen Synthesizer, der aus Klängen bestand, die mit einer kaputten elektrischen Orgel und Musique Concrète-Techniken erzeugt wurden, bei denen er Tonbandaufnahmen eines Orchesters manipulierte . Seltsamerweise könnte es sogar noch vorausschauender sein als die Synthesizer-lastige Musik, die er später machte; Satz: Ebenes gewaltige, anschwellende, bedrohliche Klangwelle fühlt sich bemerkenswert nah an moderner Drone-Musik an.
Klaus Schulze – Bayreuther Rückkehr (1975)
Die erste Seite von Timewind wurde in einem Studio aufgenommen, aber effektiv live – das Ganze wurde in einem Take gemacht. „Bayreuth Return“ basiert auf einer schimmernden Sequenzerpassage, die Schulze endlos manipuliert, sodass sich der Rhythmus des Tracks subtil ändert, überlagert von kühlen elektronischen Tönen. Der Sound von Schulze erreicht den Höhepunkt seines 70er-Jahre-Stils, es ist ein hypnotisierendes, mitreißendes und mysteriöses Musikstück.
Klaus Schulze – Mindphaser (1976)
Schulze hat so viele Alben veröffentlicht, dass es fast unmöglich ist, eines als sein bestes herauszupicken, aber Moondawn von 1976 würde definitiv mit einem Shout dabei sein. Der Track, der seine erste Seite einnimmt, Floating, ist tief und außergewöhnlich schön, aber Mindphaser ist etwas anderes: der Wechsel nach 11 Minuten von beatloser Atmosphäre zu rastlosem Schlagzeug, das die Musik nicht so sehr antreibt, sondern um die Synthesizer tanzt, ist wirklich umwerfend. Ein Meisterwerk dessen, was – dank der Lage seiner Hauptakteure – als Berliner Schule der elektronischen Musik bekannt wurde.
Los – Die Zeit ist da (1976)
Einen größeren Kontrast zwischen den beiden „Supergroups“, mit denen Schulze zu tun hatte, könnte man sich nicht wünschen. Die Cosmic Jokers waren Krautrock-Koryphäen, die Berichten zufolge mit Drogen für das Jammen auf Acid-Partys bezahlt wurden, deren Alben ohne ihre Erlaubnis veröffentlicht wurden; Trotz einer so wenig vielversprechenden Entstehungsgeschichte ist ihr gleichnamiges Debütalbum von 1974 einen Besuch wert. Auf Go jedoch waren Steve Winwood, Jazz-Fusion-Gitarrenmaestro Al Di Meola, Stomu Yamash’ta – am besten bekannt für seine Beiträge zum Soundtrack von The Man Who Fell to Earth – und verschiedene Ex-Mitglieder von Santana, Traffic und Bob Marley und die Wailers spielen komplexen, proggy Concept Rock. Lost to history, Go klingt absolut verrückt: Auf Time Is Here kämpfen gefühlvolle Vocals um Raum mit Meolas geschickter Laubsägearbeit, Reggae-beeinflusstem Drumming und Schichten von Ambient-Synthesizern. Nicht zuletzt ist es eine Kuriosität, die einen zutiefst seltsamen Aspekt von Schulzes Karriere und die Wertschätzung zeigt, die ihm von seinen Mitmusikern entgegengebracht wurde.
Klaus Schulze – Georg Trakl (1978)
Schulze hat sein zehntes Album X als eine Reihe von „musikalischen Biografien“ verschiedener herausragender Persönlichkeiten, von Friedrich Nietzsche bis Ludwig II. von Bayern, in Rechnung gestellt. Es hat einen epischen Umfang und enthält abwechselnd Schlagzeug, Gitarre und ein Orchester neben Schulzes Bataillon von Synthesizern. Aber der Track, der dem expressionistischen österreichischen Dichter Georg Trakl gewidmet ist, arbeitet effektiv im Miniaturformat, indem er seine Herangehensweise in etwas mehr als fünf Minuten destilliert, die dank leicht jazzigem Drumming allmählich an Dynamik gewinnen. Wenn Sie Ihre Electronica in mundgerechten Stücken bevorzugen, ist Schulzes 70er-Jahre-Ouvre wahrscheinlich nichts für Sie, aber er war – gelegentlich – bereit, Ihren Wünschen nachzukommen.
Richard Wahnfried – Druck (1981)
Als ob sein sintflutartiger Solo-Output nicht genug wäre, nahm Schulze auch gemeinsame Werke unter dem Pseudonym Richard Wahnfried auf. Tonwelle brachte ihn ab 1981 wieder mit Ash Ra Tempel-Gitarrist Manuel Göttsching zusammen: Gerüchte besagten, dass der andere Gitarrist, der als Karl Wahnfried bezeichnet wird, tatsächlich Carlos Santana war. Wer auch immer daran beteiligt war, Druck befindet sich auf einem anderen Planeten als Schulze und Göttschings Ash Ra Tempel-Arbeit. Ein wunderschöner, sonnendurchfluteter Drift aus Synthesizer- und Gitarrensolos, der auf seine Weise so balearisch ist wie Göttschings wegweisendes Album E2-E4 von 1984 (die Quelle, damit es nicht vergessen wird, von Sueño Latinos gleichnamigem Dancefloor-Klassiker).
Klaus Schulze, Pete Namlook, Bill Laswell – Three Pipers at the Gates of Dawn Teil 5 (1996)
„Ich habe meine Musik gemacht, als Elektronik, Synthesizer, Computer, Trance und Techno nicht in der Musik, nicht in Mode waren“, bemerkte Schulze einmal. „Endlich wird meine Musik jetzt von einer neuen Generation akzeptiert und erfüllt, die nicht die Vorurteile ihrer Eltern hat.“ Wenn Sie nach Beweisen dafür suchen, wie Schulze von der Post-Acid-House-Generation akzeptiert wurde, dann ist die Reihe von Alben, die er mit dem verstorbenen Ambient-Künstler und Gründer von FAX Records, Pete Namlook, der behauptete, Schulze sei sein größter Einfluss, gemacht hat, genau das Richtige ein Ort, um anzufangen. Es gibt 11 Bände der Dark Side of the Moog-Reihe mit dem witzigen Titel, die durchgearbeitet werden müssen, und die Qualitätskontrolle ist nicht immer auf dem neuesten Stand – ein Dauerproblem mit dem produktiven Namlook – aber der knallende Techno, der hier gezeigt wird, zeigt, wie einfach Schulzes Vision ist wurde an eine neue Ära angepasst.
Klaus Schulze & Lisa Gerrard – Loreley (2008)
Abgesehen von der schieren Qualität ihrer Musik kann man verstehen, warum Schulze ein langjähriger Fan von Dead Can Dance war: Der Einfluss seiner atmosphärischen Elektronik lag eindeutig in der DNA des Duos. Seine Zusammenarbeit mit der Sängerin Lisa Gerrard muss gefunkt haben: Die zweieinhalb Stunden Musik, die ihr erstes gemeinsames Album Farscape ausmachten, wurden anscheinend an zwei Nachmittagen aufgenommen. Loreley vom Live-Album Rheingold fängt das Duo auf der Bühne ein, Gerrards eindringlicher Gesang schwebt über einer Schulze-Kulisse, die sich von pazifisch zu pulsierend und wieder zurück bewegt. Fast 40 Minuten lang ist es eine Musik, in die man eher eintaucht als zuhört: Das könnte man wiederum über fast alle großen Werke von Schulze sagen.