ADer Abstrakte Expressionismus, dieser rein amerikanische Jungenclub, wird aufgelöst. In der jüngsten Überarbeitung des überwiegend weißen und männlichen Kanons der Kunstgeschichte hat die Whitechapel Gallery im Osten Londons eine Sammlung von rund 80 Künstlerinnen aus der ganzen Welt zusammengestellt.
Viele der Werke könnten leicht mit den bekanntesten Meisterwerken des abstrakten Expressionismus verwechselt werden, der Ende der 1940er Jahre in New York entstand und Persönlichkeiten wie Jackson Pollock, Willem de Kooning und Mark Rothko zu internationaler Berühmtheit machte. Obwohl sie nie eine offizielle Gruppe bildeten, teilten diese Künstler die Überzeugung von den emotionalen Ausdrucksmöglichkeiten der Abstraktion und ihren grundlegenden Elementen: Farbe, Farbe und Geste.
Aber sie waren nicht allein. In der Whitechapel ist die jüdisch-ukrainische Janet Sobel zu sehen, die 1908 in die USA auswanderte. Es wird angenommen, dass ihre Technik, mit Pipetten und einem Staubsauger Farbe auf die Leinwand zu spritzen und zu verteilen, Pollocks Drip Paintings direkt inspirierte. Zur gleichen Clique an der Ostküste gehört auch Elaine de Kooning, die ihre energischen, anspielungsreichen Abstraktionen mit ihren Initialen signierte, um sexistischen Vergleichen mit ihrem Ehemann zu entgehen.
Unter denen, die weiter entfernt arbeiten, gibt es Vertreter aus Afrika, Asien, Europa und ganz Amerika, die jeweils ihre eigenen Traditionen und Perspektiven einbringen. Der in Taiwan geborene Li Fang beispielsweise, der in Frankreich und der Schweiz arbeitete, malte von der Natur inspirierte Ölfarben mit kalligrafischen Pinselstrichtechniken.
Ausgangspunkt für diese Show war a wegweisende Ausstellung 2016 im Denver Museum of Art, das Malerinnen zeigte, die in den 1940er und 50er Jahren an der Ost- und Westküste der USA arbeiteten. Die Whitechapel wollte diesen Auftrag erweitern. Wie die stellvertretende Kuratorin Candy Stobbs erklärt, haben in den Jahrzehnten nach dem Zweiten Weltkrieg „Künstler auf der ganzen Welt darüber nachgedacht, wie sie die Welt nach einer solchen Zerstörung darstellen könnten; wie fange ich neu an“. Auch wenn sie die Arbeit des anderen noch nie gesehen hatten, tendierten viele zu einer „malerischen Sprache der gestischen Abstraktion“.
Um die manchmal überraschenden Zusammenhänge zu betonen, ist die Schau nicht chronologisch oder geografisch, sondern in fünf thematische Cluster gegliedert. Eine Gruppe befragt Künstler, deren Arbeiten sich mit Mythen, Symbolen und Ritualen auseinandersetzen, wie etwa die in Mosambik geborene Malerin und Bildhauerin Bertina Lopes, die afrikanische ikonografische Formen abstrahierte. An anderer Stelle gibt es Arbeiten zum Thema „Material, Prozess und Zeit“; „Umwelt, Natur und Wahrnehmung“; „Sein, Ausdruck und Empathie“; und „Performance, Gestik und Rhythmus“.
Viele der Künstler leben nicht mehr und sind wenig bekannt. Um sie zu identifizieren, arbeitete das Kuratorenteam mit einem 13-köpfigen Beirat aus Kuratoren, Kunsthistorikern und Sammlern zusammen. Sie haben auch Kataloge von verwandten Ausstellungen durchforstet.
In den letzten Jahren gab es eine bemerkenswerte Zunahme von Initiativen zur Wiederentdeckung und Wiedereinführung übersehener Künstlerinnen. Aber, sagt Stobbs, „es war manchmal immer noch schwierig, veröffentlichtes Material zu finden. Viele der Künstler waren damals sehr aktiv, sind aber aus der kunsthistorischen Erzählung herausgerutscht. Auch wenn sie teilweise wahrgenommen wurden, war es immer noch ein männlich dominiertes Umfeld. Sie konnten ihre Karrieren nicht immer so entwickeln wie männliche Künstler.“
Es gibt Debatten über den Wert von Projekten, die darauf abzielen, Frauen einfach in den Kanon aufzunehmen oder ein separates Werk „nur für Frauen“ zu schaffen. Ist es nicht besser, die Bedingungen zu untersuchen, die historisch zum Ausschluss von Künstlerinnen geführt haben, oder den Begriff des Kanons insgesamt abzubauen?
In ihrem Katalogessay zu dieser Ausstellung räumt die feministische Kunsthistorikerin Griselda Pollock diese Fragen ein, kommt aber zu dem Schluss, dass solche Ausstellungen „taktisch notwendig“ sind – um sicherzustellen, dass unser Verständnis von Künstlerinnen „so reichhaltig und verständlich ist wie das ihrer männlichen Kollegen. Schöpfer der modernen Kunst“. Warum die Jungs den ganzen Ruhm einheimsen lassen?
Der weibliche Blick: Fünf Künstlerinnen in der Schau
Behjat Sadr (1924-2009)
Ohne Titel, 1956
Der im Iran geborene und ausgebildete Behjat Sadr begegnete dem abstrakten Expressionismus erstmals auf einer Studienreise nach Rom in den 1950er Jahren. „Die Darstellung der Realität war mir nie wichtig“, sagte sie. „Die Realität war ein Vorwand, um Formen und Farben zu erschaffen.“
Wook-kyung Choi (1940-1985)
Ohne Titel, 1960er (Hauptbild)
„Wook-kyung Choi war eine Entdeckung für uns“, sagt Stobbs. In den 1960er Jahren zog die koreanische Künstlerin in die USA, wo sie begann, ihren unverwechselbaren Zugang zur Abstraktion zu entwickeln. „Ich stürze in die Leinwand und entwickle verschiedene Situationen ohne Konzept oder Plan, wobei ich auf fast spontan auftretende Formen achte“, sagte Choi einmal. Dann „wähle ich aus, organisiere und schaffe Ordnung“.
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Lee Krasner (1908-1984)
Weißkopfseeadler, 1955
Dieses Gemälde besteht aus zerschnittenen Zeitungsfragmenten, Sackleinen und weggeworfenen Zeichnungen von Krasner und ihrem Ehemann Jackson Pollock. Krasner erlangte zu Lebzeiten Anerkennung, aber ihr Geschlecht blieb ein Hindernis. „Es ist ganz klar, dass ich nicht hineinpasste“, sagte sie über die abstrakten Expressionisten. “In Bezug auf die Gruppe, wenn Sie sie eine Gruppe nennen wollen, gab es keinen Platz für eine Frau.”
Li Fang (1933-2020)
Ohne Titel, 1969
Li Fang war das einzige weibliche Gründungsmitglied der Fifth Moon Group, einem 1957 in Taiwan gegründeten Kollektiv von Avantgarde-Künstlern. Zwei Jahre später reiste sie nach Paris und ließ sich schließlich in der Schweiz nieder. „Ihre Werke sind Abdrücke der Natur“, sagt Stobbs. „Aber sie war immer noch daran interessiert, die kalligraphischen Techniken anzuwenden, mit denen sie in Taiwan aufgewachsen war. Sie hat diesen Kontext mit nach Europa gebracht.“
Janet Sobel (1893-1968)
Illusion der Solidität, c1945
Janet Sobel wird manchmal als „die Großmutter der Tropfmalerei“ bezeichnet. Ihr Einfluss auf den abstrakten Expressionismus erstreckt sich auf ihr Interesse an „all-over-Komposition“, sagt die stellvertretende Kuratorin der Ausstellung, Candy Stobbs. „Da ist dieses Maßwerk, das die ganze Oberfläche bedeckt. Auf der Leinwand ist nichts privilegiert – es ist das Ganze.“
Aktion, Geste, Farbe: Künstlerinnen und globale Abstraktion 1940-70 ist bis zum 7. Mai in der Whitechapel Gallery, London.