Häuptling Keef – 4NEM (2021)
Als jemand, der allgemein der Tatsache abgeneigt ist, dass Albumveröffentlichungen nie mehr langsamer zu werden scheinen, selbst Ende Dezember, gelang es mir, Chief Keefs 4NEM zu verpassen, als es Ende Dezember letzten Jahres veröffentlicht wurde. Der Rapper aus Chicago, der für seinen bahnbrechenden Drill bekannt ist, bevor er sich in tausend verschiedene globale Subgenres aufspaltete, ist beliebt für die Art von harschen Raps mit einfältigem Mundwerk, bei denen ältere Zuhörer die Fäuste schütteln, jüngere Zuhörer jedoch in einen Wahnsinn versetzen.
Das Cover von 4NEM, das eine Bande von Spielzeugsoldaten darstellt, die sich mitten im Kampf befinden, ist ein passender Vorgeschmack auf das, was das Album enthält. Keefs urkomische Einzeiler lassen intensive Gewalt komisch klingen. Auf Hadouken bezieht er sich sogar auf klassische Teenie-Filme: „Du bist eine verdammte Cheerleaderin … her damit.“
Die Produktion ist ebenso verrückt und so konzipiert, dass sie zu Keefs frenetischer Energie passt. Seine Armee von Produzenten mischt Samples von geladenen Waffen, Explosionen und Synthesizern zusammen, die an Opernchöre erinnern. Am auffälligsten ist 4NEMs Einsatz von erdbebendem Bass – ich glaube nicht, dass ich jemals härtere 808er gehört habe. Dies ist Musik, die laute Lautsprecher erfordert; es spaltet die Trommelfelle ebenso wie die öffentliche Meinung. CO
Halber Mann, halber Keks – Bob Wilson, Anchorman (2016)
Weil es so viele Half Man Half Biscuit-Songs gibt – und weil so viele von ihnen beim ersten Hören völlig undurchdringlich erscheinen, entweder weil die lyrischen Referenzen so obskur sind oder weil die Musik wie ein totaler Lärm klingt – finde ich das neue Beispiele dafür Das Genie von Nigel Blackwell offenbart sich mir jedes Jahr langsam. Die diesjährige Wahl: ein Lied, das darüber nachdenkt, wie der verstorbene Arsenal-Torhüter Bob Wilson zu einem unserer prominentesten Sportsender wurde, mit einer völlig tangentialen Strophe über die Kälte in der irischen Stadt Dundalk („It’s raining soup and I’ve got a Fork“) ). Es ist schwer, sich einen Rekord vorzustellen, der 2022 weniger relevant sein könnte, und Gott sei Dank dafür. TJ
Handsome Boy Modeling School und Cat Power – Ich habe nachgedacht (2004)
Anfang dieses Jahres bin ich in ein tiefes Cat Power-Kaninchenloch gegangen, das von ihrer fantastischen (und unterschätzten!) neuen Cover-Kollektion über den Rand gedrängt wurde. Als ich jede Pitchfork-Rezension ihres Katalogs las, wurde ich auf I’ve Been Thinking aufmerksam, eine Zusammenarbeit von 2004 mit der Handsome Boy Modeling School – Dan the Automator und Prince Paul – die sich von allem anderen in ihrem Katalog unterscheidet. Es sind fünf Minuten honigsüße, atmosphärische Soul-Musik, die von Cat Powers üppiger und dezenter Stimme verankert wird, die dahintreibt und mäandert, als wäre sie von einem anderen Song herübergeschwommen. Es ist perfekte Stimmungsmusik, die das Bild von Cat Power als Lounge-Sängerin in einem verrauchten Underground-Jazzclub heraufbeschwört. SD
Kenny Wheeler – Musik für große und kleine Ensembles (1990)
Jazz ist ein Medium voller Kennys: Da gibt es den vielgeschmähten Smoothjazzer Kenny G, Miles Davis-Kollaborateur Kenny Garrett, Bebop-Trompeter Kenny Dorham, den britischen Bandleader Kenny Ball – die Liste geht weiter. Anfang dieses Jahres erwähnte jemand, den ich interviewte, den kanadischen Komponisten Kenny Wheeler als Einfluss, also hielt ich mich an seine Musik für große und kleine Ensembles, als ich mein Stück schrieb. Es hat mich umgehauen. Wie der Titel schon sagt, komponiert Wheeler 15 Tracks für alles, von Orchester-Bigbands bis hin zu Duo-Formationen mit John Taylor am Klavier und Peter Erskine am Schlagzeug. Seine achtteilige Big-Band-Suite kanalisiert den üppigen Swing von Duke Ellington und beginnt mit einer ergreifenden Chorfanfare, während die kleinen Ensembles tief in zarte Melodien versinken, während Wheeler auf seiner Trompete rutscht und quietscht. Es verkörpert das breite Spektrum der improvisierten Musik – was Wheeler möglicherweise zu meinem bisherigen Lieblings-Jazz-Kenny macht. AK
Llwybr Llaethog – Verrückt! (1996)
Neue Throwback-Edits und große Drops sind derzeit in Clubs an der Tagesordnung, also fühlte es sich erfrischend an, Electro-Sian von Llwybr Llaethog diesen Sommer auf einer Tanzfläche zu hören. Es ist eine explosive Electro-Nummer mit verwirrenden Dub-Sensibilitäten und durchgehend durchsetztem Gitarrenkreischen, weit entfernt von den sauberen und eingängigen Publikumslieblingen, die die Runde machen.
Um seinem Titel treu zu bleiben, ist der Rest der Platte genauso verrückt. Neben den Pacier-Cuts sind Downtempo-Stepper mit wackeliger Percussion, Alien-Elektronik und aufgewühlten walisischen Vocal-Samples eingeschleudert. Ambient-Noise-Interludes, härtere Momente (Llandub) und ein Stück stimmungsvolle Cold Wave (Ffanny) fügen dem Chaos eine Schicht unheimlicher Ruhe hinzu .
Mit seiner schmuddeligen Exzentrizität und tiefen, scheppernden Instrumentals ist Mad! ist eine Sammlung von Sounds, die ihren Ursprung durchaus im Deutschland der 80er, im New York der 90er oder in der Londoner Soundsystem-Kultur haben könnten. Sein Ursprung in einer ehemaligen Bergbaustadt in Wales macht es noch spannender. SB
Oby Onyioha – Genieße dein Leben (1981)
Vielleicht war es grimmig vorhersehbar, aber seit meinem 30. Lebensjahr war die „beste neue Musik“, die ich entdeckt habe, neu für mich, aber Jahrzehnte alt. Meine gelegentlichen Ausflüge in die Pop-Charts und Spotify-Trend-Playlists haben dazu geführt, dass ich mich wie ein Anthropologe in einem fremden Land fühle, wo das, was ich unter Musik verstehe, nicht unbedingt schlechter ist, aber sicherlich präziser, metallisch klingend, poliert und auf den Punkt gebracht . Zunehmend sehne ich mich nach dem musikalischen Äquivalent von Satin oder Cord: träge, sogar ausgebeult; kein Hook, der dich an der Halsschlagader packt, sondern ein Vibe, in dem du wie in einem Sitzsack versinken kannst.
Ich bin mir nicht sicher, wie ich zum ersten Mal Enjoy Your Life des nigerianischen Sängers Oby Onyioha gehört habe – vielleicht in einem 6-Musik-Mix, passend zu meinem fortgeschrittenen Alter – aber ich habe es als körperliche Erleichterung erlebt. Dieser Midtempo-Beat, die vorhersehbaren Streicher- und Bläsermotive, die minimale Energiesteigerung über sechs Minuten: Es hat die ganze Lebenslust der Disco, aber es funktioniert immer noch, wenn Ihre einzigen Laster zwei Gläser Rot und ein frühes Schlafengehen sind. Und besser als alles andere, was ich in letzter Zeit gehört habe, fängt es die Notwendigkeit ein, dem Vergnügen nachzujagen, die Wichtigkeit, dem Spaß Priorität einzuräumen, selbst – oder besonders – wenn er schwer fassbar erscheint. Es ist Ihr Recht, Ihr Leben zu genießen – auch in beispiellosen Zeiten. EH
Roy Montgomery – Tempel IV (1996)
Als ich diesen Sommer Dry Cleaning für das Mojo-Magazin interviewte, wurde ich beauftragt, jedes Bandmitglied nach einem Einfluss auf ihr exzellentes neues Album Stumpwork zu fragen. Gitarrist Tom Dowse zitierte den neuseeländischen Gitarristen Roy Montgomery und erwähnte, dass er einmal in einer Band namens Dadamah gewesen sei, die beim US-Indie-Label Kranky unterschrieben sei. Da ich sowohl Dowses Spiel auf dem neuen Album als auch Krankys Output wirklich sehr mochte, speicherte ich das Album hinter seinem beliebtesten Song auf Spotify und vergaß es dann monatelang.
Ich glaube nicht wirklich an kosmische Kräfte, aber ich denke, dass Musik einen manchmal findet, wenn sie es soll, und in einer Zeit persönlicher Trostlosigkeit – ganz zu schweigen von einer Minus-Woche in Berlin – traf mich sein 1996er Album Temple IV die richtige Zeit. Es ist eine dichte, instrumentale Tundra aus Gitarrenspiel, abwechselnd scharf und mit weißen Knöcheln, Fleisch von Knochen scherend, und locker, klirrend und suchend: Musik, in der man sich verlieren kann, um die Statik seines Geistes zu überwinden. Es ist schnell zu einem absoluten Favoriten geworden. Ein Beweis dafür, dass man den menschlichen Algorithmus nicht schlagen kann – obwohl Spotify mein obsessives Hören zur Kenntnis nahm und mich auf sein neues Album hinwies, das ich sonst verpasst hätte, habe ich die Privilegien meines Redakteurs genutzt, um ein Interview mit ihm für unsere Seiten in zu beauftragen die Hoffnung, noch mehr neue Montgomery-Fans zu prägen. LS
Takeshi Terauchi – Nippon Guitars (Instrumentaler Surf, Eleki & Tsugaru Rock 1966-1974) (2011)
Die Arbeit von Takeshi Terauchi in diesem Jahr zu entdecken, war ein Segen. Zu Recht als einer der Gitarrenpioniere Japans gepriesen, wurden Terauchis Einfluss und Arbeit vom britischen Plattenlabel Ace Records ordentlich katalogisiert. Seine Compilation Nippon Guitars aus dem Jahr 2011, die Terachis Karriere vom Surfboom der 1960er über groovige Instrumentals bis hin zu Fuzz-Freak-Outs und Funkrock der 70er aufzeichnet, hat mich von den ersten druckvollen Gitarren-Licks an verzaubert. Terauchis Instrumentierung führt Sie durch ein Jahrzehnt voller Ausgelassenheit und Spaß und ist immer bitter und knisternd. Es ist ein willkommener Weg, um hinunterzuwandern. DB
Tangerine Dream – Netzwerk 23 (1981)
Paul Hartnoll von Orbital verwies mich auf diesen Song auf Tangerine Dreams 1981er Album Exit, nachdem ich angedeutet hatte, dass die Berliner Elektronik-Giganten das beste Werk bereits Ende der 70er Jahre hinter sich hatten. Network 23 (das später dem Plattenlabel von Spiral Tribe einen Namen gab) ist fantastisch, ein sich allmählich aufbauender, hypnotischer Trance-Track. Der Motorik-Rhythmus erinnert leicht an deutsche Kollegen Neu! aber es weist auch deutlich den Weg zu House und Techno an einem Punkt, an dem beide Jahre entfernt waren. Die ätherische Synthesizerlinie, die plötzlich bei etwa drei Minuten und 20 Sekunden ausbricht, ist einfach herrlich. Ich halte mich für gesagt. DS
Taylor Swift – Heute war ein Märchen (2010)
Als Taylor Swift 2012 Red veröffentlichte, setzte sie mich in einen Schwitzkasten, dem ich noch entkommen muss. Ihre früheren Veröffentlichungen hatten mich nicht gefesselt – ich hatte sie fälschlicherweise als zu skurril, zu mittelamerikanisch mit einem leichten Hauch von Anfang der 2000er-Jahre eingeschätzt Sache mit dem Silberring Energie. Unter diesen frühen Platten war eine Nicht-Album-Single namens Today Was a Fairytale vergraben, von der ich seit kurzem besessen bin. Es ist nicht Swifts anspruchsvollster Song, aber seine Arglosigkeit macht seinen Charme aus. Irgendetwas an seiner Einfachheit verdrahtet mein Nervensystem und erzeugt Nostalgie für eine unschuldige Jugend, die ich als queere Person nie wirklich erlebt habe. Dreimal lauscht er seinem hochfliegenden Refrain und ich könnte durch eine Mauer gehen. Die Kampagne für Taylor, es in ihre Eras-Tour-Setlist aufzunehmen, beginnt hier. JS