Georg Baselitz spricht von Tracey Emin. „Sie hat im Restaurant von De Kooning zu viel Spaghetti gegessen“, sagt der deutsche Maler. Ich verstehe das so, dass ihre Bilder dem Meister des abstrakten Expressionismus zu sehr verpflichtet sind.
„Aber er sagt es mit Bewunderung, ja?“ erklärt der Übersetzer. „Sie hat De Kooning berührt. Es macht Witze, neckt sie.“
Das ist typisch für die Art, wie Baselitz redet: provokativ und paradox – aber mit Humor und Nuancen, die in der Übersetzung verloren gehen können. Er findet tatsächlich Emin“fantastisch, ihre Art des intellektuellen Ausdrucks, ihr Existentialismus – phänomenal“. Und er ist „voller Bewunderung dafür, wie sie mit dem umgeht, was gerade mit ihr passiert“, und bezieht sich auf ihre Genesung von Plattenepithelkarzinomen der Blase.
Aber Baselitz’ kantige Bemerkungen können ihn manchmal in Schwierigkeiten bringen. 2013 wurde er im Spiegel mit den Worten zitiert: „Frauen malen nicht sehr gut.“ Ein paar Jahre später verdoppelte er das und sagte dem Guardian: „Der Markt lügt nicht. Auch wenn die Malklassen an den Kunsthochschulen zu über 90 % von Frauen besetzt sind, gelingt es den wenigsten. Es hat nichts mit Bildung oder Chancen oder männlichen Galeristen zu tun. Es hat mit etwas anderem zu tun und es ist nicht meine Aufgabe zu beantworten, warum das so ist. Das gilt nicht nur für die Malerei, sondern auch für die Musik.“
Diese Worte sind zu einem Mühlstein geworden. So. Ich frage mich, hat er seine Meinung geändert?
Andererseits. Baselitz glaubt, er habe über Frauen in der Kunst „nie eine andere Meinung gehabt“, als die Begeisterung, die er gerade für Emin zum Ausdruck gebracht habe. Einmal habe er zufällig „eine provokative Antwort“ gegeben. Aber er hat gerade deutlich gemacht, wie sehr er Emin schätzt, und er empfindet dasselbe für andere große Künstlerinnen im Laufe der Geschichte: Er „fand Artemisia immer viel besser als Orazio“. Das heißt, er zieht die große Barockkünstlerin Artemisia Gentileschi ihrem Vater vor.
Es ist nicht schwer zu verstehen, warum dieser Künstler sein Recht genießt, zu beleidigen. Baselitz hat unter zwei Diktaturen gelebt. Er wurde 1938 geboren, war sieben Jahre alt, als das Dritte Reich endete, und fand sich auf der unfreien Seite des Eisernen Vorhangs in der stalinistischen DDR wieder. Seit er in den 1950er Jahren in den Westen zog, hat er Kontroversen über Obszönität und die Darstellung des Nazismus geschürt und in seinen Werken urkomische Parodien auf Propagandakunst gemalt Helden (Helden) Serie. Seitdem hat er die nagende Angst des bürgerlichen Lebens im wohlhabenden Westen mit seinen auf dem Kopf stehenden Gemälden eingefangen, auf denen alles so schön und schön aussieht – außer auf den Kopf gestellt.
Wir sprechen über seine aktuelle Arbeit, die außergewöhnlich ist. Die Vorstellung, dass Künstler einen „späten Stil“ haben, ist ein Klischee: Viele werden einfach müde und wiederholen sich. Aber Baselitz in seinen 80ern hat eine feurige und rücksichtslos ausdrucksstarke Spätblüte und verfeinert das, was er seinen „Existentialismus“ nennt, in Werken, die einfangen, wie er sich jetzt in seinem Körper fühlt. Seine Sofabilder (Sofabilder), die gerade bei zu sehen waren White Cube Hongkong, sind Akte seiner Frau Elke Kretzschmar, mit der er seit 1962 verheiratet ist. Sie zeigen ihren Körper als wilden milchigen Klecks im Dunkeln. Seine künstlerische Wildheit behält Baselitz aber auch im Atelier: „Mein Privatleben ist sehr gut organisiert“, sagt er. „Seit 60 Jahren verheiratet, zwei Söhne.“
Seine rohen Bilder des Alters beinhalten nicht nur Nacktheit, sondern auch eine Reihe von körperlosen Händen, die Nosferatus Krallen sein könnten. Ich sage ihm, dass es diese Bilder menschlicher Zerbrechlichkeit waren, die mich tiefer in seine Kunst hineingezogen haben. Ich meine das als Lob, aber weit davon entfernt, es zu beschönigen, stellt er mich mit einer Frage auf den Punkt: „Würden Sie zustimmen, dass es von Anfang bis jetzt die Zeit gebraucht hat, um an diesen Punkt zu gelangen? Oder meinst du, es hätte schneller gehen können?“
Das heißt, wenn ich seine verletzlichen Bilder des 21. Jahrhunderts so mag, ist seine frühere Karriere nur ein Umweg? Hätte er diese krasse Wahrheit früher finden sollen? Es ist ein ziemlicher Gedanke an eine Karriere, die aus der Asche des Nachkriegsdeutschlands hervorgegangen ist und dazu beigetragen hat, eine ganze Kultur wiederzubeleben.
Hans-Georg Kern wurde 1938 in der kleinen Landgemeinde Deutschbaselitz, deren Namen er später annahm, geboren. Als Kind lebte er im Dritten Reich. Dann wurde Deutschbaselitz Teil des Ostblocks Deutsche Demokratische Republik (DDR). Kommunistische offizielle Kunst, fand er, als er zur Kunstschule ging, war unehrlich und tot. „In der DDR oder in der Nazizeit waren alle Künstler Staatskünstler“, sagt er. „Das sieht man an den Ergebnissen. Du wirst in diese Situation hineingeboren.“
Er spricht von einem engen, verschlossenen Weltbild, in dem die Verachtung Amerikas – der Heimat des „entarteten“ Jazz für die Nazis, des kapitalistischen Feindes der DDR – eine Konstante war. „Bis ich ungefähr 20 Jahre alt war, wusste ich nicht, dass es in den Vereinigten Staaten so etwas wie Kultur gibt. Basierend auf den Informationen, die ich von meinem Vater und der Gesellschaft um meine Eltern bekam, waren Amerikaner komische Leute. Sie hatten keine Kultur und keine Kunst, nur gute Waffen. Dann sah ich 1958 die Ausstellung New American Painting von Pollock und seiner Schule, und es war, als würde mir jemand mit einem großen Baseballschläger auf den Kopf schlagen. Plötzlich erfuhr ich, dass die Amerikaner nicht nur die besten Waffen, sondern auch die besten Maler hatten.“
Das war kurz nachdem er von Ost-Berlin – wo er wegen „gesellschaftspolitischer Unreife“ von der Kunsthochschule geflogen war – in den Westsektor der Stadt übergewechselt war. Warum in Westdeutschland Kunst des Abstrakten Expressionismus zu sehen war, war für ihn nicht naiv: „Es war eine rein ideologische Ausstellung. Die CIA hat es finanziert. Und es war die beste Kunst, die man damals sehen konnte.“
Es hat ihn umgehauen, aber er reagierte nicht, indem er „neben den Amerikanern ging, wie ein Kind mit seiner Mutter“. Stattdessen beschloss er: „Ich mache genau das Gegenteil und gehe zurück zu meiner deutschen Geschichte.“ Das ist der Kern des künstlerischen Wunders Westdeutschlands nach dem Zweiten Weltkrieg. Aus verbitterter britischer Sicht waren die wohlhabenden Deutschen nun Europas Amerikaner – alles große Autos und langweilige Städte. Sie hatten auch die besten Künstler und Filmemacher. Künstler wie Baselitz, Josef Beuys, Anselm Kiefer und Werner Herzog begründeten die deutsche Kunst neu, indem sie ihre romantischsten, erhabensten Traditionen wiederbelebten – etwas, von dem Sie vielleicht dachten, dass es von Hitler unwiederbringlich vergiftet wurde.
Dabei ist Baselitz’ Deutschtum zutiefst ambivalent. Als ich frage, was die deutsche Nachkriegskunst so ursprünglich gemacht habe, sagt er, sie sei in ein Ödland hineingeboren worden: „Wenn du nur Mist und Mist geerbt hast, musst du viel schneller laufen als alle anderen. Sie haben keine Zeit zum Nachdenken. Alle Ihre Entscheidungen werden spontan getroffen.“
Baselitz, dessen sechs Jahrzehnte Kunst in einem monumentalen neuen Taschen-Buch gefeiert werden, enthüllte mit seiner ersten Ausstellung im Jahr 1963 den zugrunde liegenden Konservatismus eines vermeintlich freien Westdeutschlands. Sie enthielt ein Gemälde einer verkrüppelten Figur in Militärshorts, die Haare platt auf seinem klebten Kopf im Hitler-Stil, einen steifen lila Penis in der Hand haltend, masturbierend. Es heißt The Big Night Down the Drain. Die Polizei durchsuchte die Galerie und beschlagnahmte dieses und ein weiteres Gemälde.
In meinem Essay im Taschen-Buch argumentiere ich, dass der junge Baselitz gemacht hat entartet kunst, „entartete Kunst“, in Anlehnung an die deutschen und internationalen Künstler der Moderne, die von den Nazis mit diesem Etikett versehen wurden. Jetzt sagt mir Baselitz, dass es schon immer das gewesen sei, was die deutsche Kunst ausmacht, ein „entarteter“ Künstler außerhalb der Gesellschaft zu sein, der sich gegen Autoritäten stellt. Er spricht offensichtlich aus persönlicher Erfahrung als lebender Zeitzeuge sowohl der DDR als auch des Dritten Reiches, denkt aber auch in einem größeren Zeitrahmen, wenn er Kaiser Wilhelm erwähnt: „Die deutsche Gesellschaft war in der Geschichte immer nicht sehr frei. Es war nie demokratisch.“
Das schließt auch die Gegenwart ein: Baselitz behauptet, die moderne deutsche „Demokratie“ habe ihren eigenen tiefen Konformismus, der die Kunst töten könne. Der einzige Weg, Widerstand zu leisten, ist, sein eigener Kunstdiktator zu sein: „Kunst muss dominieren. Der Künstler muss sich so verhalten, als wäre er selbst die einzige potentielle intellektuelle Macht: Alle anderen um ihn herum sind dumm. Damit ein Demokrat, ein Kanzler oder Finanzminister oder was auch immer wütend und nervös wird über das, was der Künstler sagt.“
Als Baselitz und Anselm Kiefer 1980 den deutschen Pavillon auf der Biennale in Venedig teilten – indem sie die Architektur des Dritten Reichs mit der Aufschrift GERMANIA über der Tür ausnutzten und ihre Geschichte in Werken wie Baselitz’ geschnitzter Holzfigur aufgriffen, die offenbar einen Hitlergruß machte – wurden sie von einigen beschuldigt Flirten mit dem Faschismus. In Wirklichkeit zerstörten sie natürlich Tabus, wenn es darum ging, über die Schrecken des 20. Jahrhunderts zu sprechen, und fanden eine visuelle Sprache, um die Asche anzusprechen.
Außerdem ist Baselitz kein Diktator, wie ich finde, wenn er sich plötzlich laut über den Wert seines ganzen Lebenswerks wundert. Was er ist, ist ein Künstler mit einem scharfen Wissen über die deutsche Geschichte, einer, der sein Leben damit verbracht hat, eine visuelle Sprache zu finden, um die Asche anzusprechen.