hWie hat sich das Publikum verhalten, als Sie das letzte Mal auf ein Konzert gegangen sind? Waren die meisten Leute auf den Beinen, tranken in der Hand, tanzten oder sangen sie vielleicht mit? Oder waren sie – waren Sie – ruhig und still sitzen? Ihre Antwort wird wahrscheinlich davon abhängen, welche Art von Musik gespielt wurde und in welcher Art von Veranstaltungsort. Ein Verhalten, das bei einem Heavy-Metal-Auftritt als völlig akzeptabel angesehen wird, wird heute in einem Opernhaus wahrscheinlich nicht gerne gesehen. Und die Art der Teilnahme, die Sie an einer intimen Folk-Session schätzen, würde Sie wahrscheinlich aus einem Konzertsaal entfernen.
Tatsächlich wird seit weit über einem Jahrhundert vom Publikum bei den meisten Aufführungen klassischer Musik erwartet, dass es sich an bestimmte Verhaltensnormen hält: Unbeweglichkeit, Konzentration (oder zumindest ihre äußere Erscheinung) und vor allem Schweigen.
Anfangs wurden diese „Ideale“ von den Veranstaltungsorten selbst gefördert, die darauf bedacht waren, eine Atmosphäre bürgerlicher Seriosität zu schaffen, als neu verdiente Bürger der Mittelklasse Zugang zu ehemals aristokratischen Räumen erhielten. Mitte des 19. Jahrhunderts wurde stille Achtsamkeit als moderne, gebildete Art des Kulturkonsums gefeiert – was dem immer scharfen Komponisten Hector Berlioz erlaubte, das zu beschimpfen, während das italienische Opernpublikum nur „Sorbets isst, spielt und schwatzt“, Pariser Opernbesucher wie selbst wollte eigentlich „sehen und hören“. Kein Wunder, dass bei der Eröffnung eines neuen Opernhauses im damaligen Konstantinopel im Jahr 1840 den Zuschauern ein Flugblatt mit den Regeln ausgehändigt wurde: „Kein Kampf um Plätze, kein Rauchen und kein Lärm“.
Heutzutage wird das Publikumsverhalten eher von anderen Konzertbesuchern kontrolliert. Überlautes Flüstern wird mit einem lauten „Shhh!“ beantwortet, Rascheln zieht böse Blicke an und sogar das richtige Timing von Applaus provoziert immer wieder Debatten. Um es ganz offen zu sagen: Die Welt der klassischen Musik des 21. Jahrhunderts ist eine Welt, in der die Vorstellungen vom Kulturkonsum des 19. Jahrhunderts weiterhin die Annahmen über die Beziehung zwischen Interpreten und ihrem Publikum prägen.
Es gibt natürlich Ausnahmen. Die klassischen „Clubnächte“, die im Osten Londons von der Musikveranstalter und Plattenlabel Nonclassical, zum Beispiel, wo Orchesterstücke neben DJ-Sets auftreten, während Getränke und Gespräche im Hintergrund fließen. Oder die sogenannten „entspannten Aufführungen“, die für kleine Kinder, ein neurodiverses Publikum und Menschen mit sensorischen Sensibilitäten zugänglicher sein sollen, die jetzt von klassischen Hauptstützen wie dem Bournemouth Symphony Orchestra und der English National Opera angeboten werden. Sie sind ein wesentlicher Schritt, um klassische Musik für mehr Menschen einladender zu machen. Doch ENOs Werbung dafür „Während dieser Aufführungen gehen wir entspannt mit Geräuschen und Bewegungen aus dem Publikum um.“ spricht Bände darüber, was den Rest der Zeit noch zu erwarten ist.
Das kreative Potenzial der Beziehung zwischen Interpreten und Publikum hat den in Berlin lebenden australischen Komponisten beschäftigt Cathy Milliken für Jahrzehnte. Ein Gründungsmitglied des Kraftpakets für zeitgenössische Musik Ensemble Modernhat Milliken zahlreiche Konzertwerke, Installationen und Hörspiele für die Aufführung durch professionelle Musiker komponiert. Aber sie hat auch einen großen Katalog partizipatorischer Stücke und kollaborativer Kompositionen produziert, in denen Laienmusiker oder Zuschauer als Performer und Schöpfer mitwirken.
„Wie viel mehr kann Musik in Konzertsälen werden sogar mehr erhöht, sogar mehr das Beste vom Besten?” Milliken drückte es aus, als ich mit ihr über Zoom sprach (ihr australischer Akzent wurde gelegentlich von der deutschen Wortstellung beeinflusst). Es ist wunderbar, wenn mehr Menschen Zugang zu Veranstaltungsorten für klassische Musik haben, sagt sie – aber sie ist auch überzeugt, dass solche Institutionen „weiterhin einen so aktiven, praktischen und partizipativen Ansatz wie möglich haben müssen“. Auf diesem Weg liegt das, was Milliken als den heiligen Gral der Musik von heute ansieht: „Neugier beim Publikum wecken“.
Eine Einladung, genau diese Neugier anzunehmen, liegt ihrer jüngsten partizipativen Arbeit Night Shift zugrunde. Premiere letztes Jahr in Berlin, wird das Stück in einer neuen Version am 10. März in der Londoner Queen Elizabeth Hall uraufgeführt, aufgeführt von der London Sinfonietta, professionellen Gesangssolisten, zwei Gemeindechören (CityLit Inclusive Choir und Sing Tower Hamlets) – und seinem Publikum. Jeder im Saal erhält eine „Wundertüte“ voller Klangobjekte, von Papierbögen über Steine bis hin zu kleinen Glöckchen. Das daraus resultierende Stück ist nicht nur ein Free-for-all: „Was das Publikum spielt und wo, steht auch in der Partitur“, sagt Milliken. Und es ist Sache des Dirigenten und der Vokalsolisten, die verschiedenen musikalischen Kräfte zu koordinieren. „Ich mache einfach mit den anderen mit“, grinst sie.
Publikumsbeteiligung ist auch in der klassischen Musik nichts Neues. Vor zwei Jahrhunderten kletterten aristokratische Zuschauer regelmäßig auf die Bühne, um an Opernballszenen teilzunehmen. Aber sie kehrten trotzdem zu ihren Logen zurück, als die Tanznummer zu Ende war. Millikens Night Shift hingegen löst die vierte Mauer, die Publikum und Interpreten so lange trennte, weitgehend auf – und damit auch die relative Bedeutung der einen Gruppe gegenüber der anderen: „In der Einladung an das Publikum zum Spielen wird sehr deutlich, dass bei in dem moment, in dem sie papier spielen, spielen die musiker auch papier. Es gibt keine Materialhierarchie oder ähnliches.“
An anderer Stelle hat Milliken betont, dass es bei Night Shift darum geht, „dass alle im Saal zusammen Musik machen, eine riesige Demokratie“ – eine Vision, die weit entfernt ist von der vertrauten Anordnung von Künstlern, die physisch von einem stillen, passiven Publikum getrennt sind. Aber Millikens energischste Herausforderung für die Konventionen der klassischen Musik von heute ist vielleicht ihre eigene unbändige Neugier als Zuhörerin: ihre Faszination für alternative, zugänglichere Formen musikalischer Verzauberung, jenseits derjenigen, die von den Hörbedingungen abhängig sind, die durch die soziale Etikette des 19. Jahrhunderts geschaffen wurden. „Ein bisschen Alufolie, die ganz langsam knittert“, sinniert sie, „das ist für mich eine ganz himmlische Sache.“