Wir sind alle mit den Grenzen des Hollywood-Happy-Ends des Goldenen Zeitalters vertraut: Liebende in der Ehe vereint, Kriminelle bestraft, Frauen nach Hause und an den Herd zurückgebracht. Früher hatte die Traumfabrik eine viel rasantere Vorstellungskraft. Eine Feier des Pre-Hays Code-Kinos mit dem Untertitel Rules Are Made to Be Broken, startet diesen Monat beim Cinema Rediscovered Festival in Bristol und erinnert an die Zeit, bevor die konservative Zensur das größte Massenunterhaltungsmedium des 20. Jahrhunderts beherrschte. Es war eine viel aufregendere Zeit, eine Frau auf der Leinwand oder im Publikum zu sein, als wir es seit Jahrzehnten erleben würden.
Die Probleme begannen 1922, als Hollywood anfing, einen schlechten Ruf zu bekommen. Nach einer Reihe von Skandalen, an denen A-List-Stars beteiligt waren, engagierten die Studios einen zweifelhaften Presbyterianer, William Hays, um das Image der „Sin City“ zu verbannen. Hays hatte viele Ideen, was auf der Leinwand erlaubt sein sollte und was nicht – er nannte es die „Formel“ – aber es war eine andere Aufgabe, die Studios dazu zu bringen, mitzuspielen. 1929 waren der katholische Redakteur des Motion Picture Herald und ein Jesuitenpriester so empört über die ständige Einbeziehung unangemessenen Materials, dass sie den Studios einen „Kodex“ von Regeln vorlegten, der sicherstellen würde, dass sich das Publikum in jedem Film „durchgehend sicher fühlt dass das Böse falsch und das Gute richtig ist“.
Ehebruch sollte nicht verherrlicht, Autoritätspersonen respektiert und Verbrechen bestraft werden, während Homosexualität und Obszönitäten tabu waren und das, was als „Miscegenation“ bezeichnet wurde, vollständig verboten war. Die Studios schlossen sich an, mehr auf Selbstzensur bedacht als auf Kämpfe mit lokalen Zensoren von Staat zu Staat, aber die Durchsetzung des Kodex war so schwach wie seine Prinzipien streng waren. Als der deutsche Film „Der Blaue Engel“ mit Marlene Dietrich als heißblütige und dominante Kabarettistin ungeschnitten durchgelassen wurde, schuf er einen Präzedenzfall.
Der Code war das Papier nicht wert, auf dem er geschrieben wurde, und das Publikum nach der Prohibition und der Depressionszeit verlangte nach Gangsterfilmen und gewagten Komödien sowie sozialbewussten Dramen, die die harte Realität des amerikanischen Lebens widerspiegelten. Die Drehbuchautoren von MGM arbeiteten auf der Grundlage, dass je unverschämter desto besser, da die Cutter nicht alles schneiden konnten. „Sie würden ihnen fünf Dinge zum Mitnehmen geben, um das Hays-Büro zufrieden zu stellen – und Sie würden mit dem Mord davonkommen, was sie zurückgelassen haben“, sagte einer der Drehbuchautoren des Studios, Donald Ogden Stewart. Warner Bros hingegen hatte eine inoffizielle Quote: „Zwei von fünf Geschichten sollten heiß sein“ und alles wurde verbessert, indem „etwas hinzugefügt wurde, das mit Ingwer zu tun hat“. Fünf Jahre lang trieben die Hollywood-Studios die Grenzen des Codes bis zum Zerreißen, bis 1934 der Hammer fiel. Ein Mann rief an Josef Breen wurde angeheuert, um die Regeln wirklich einzuhalten, und Hollywoods wilde Party ging zu Ende.
In Pre-Code-Filmen haben Frauen den Moralkodex der Gesellschaft gebrochen, ganz zu schweigen von Hollywoods. Es war die Ära der Einzeiler von Mae West und der unverschämten sexuellen Anziehungskraft von Jean Harlow. „Die Art von Frauen, die wir in Pre-Code-Filmen sehen, sind klug. Sie wissen, wie die Welt funktioniert. Sie kennen sich mit Sex aus und sind erwachsen“, sagt Dr. Lies Lanckman, Expertin für den Ruhm des Goldenen Zeitalters von der University of Hertfordshire.
Sie hatten Affären mit gutaussehenden, aber anrüchigen Männern, wie Norma Shearers lüsterne Prominente, die sich in A Free Soul auf Clark Gables Gangster stürzte, oder gingen auf Hochtouren, wie Joan Blondell in Blonde Crazy mit James Cagney oder Kay Francis in Jewel Robbery mit William Powell. In zwei der kühnsten Bilder der Ära verwandelten Jean Harlow und Barbara Stanwyck das Schürfen von Gold in eine militärische Strategie, indem sie versuchten, sich in „Rothaarige Frau“ und „Babygesicht“ an die Spitze zu schlafen.
Elegant Shearer ist aufgrund ihrer Heirat mit dem MGM-Manager Irving Thalberg heute vielleicht am besten als Hollywood-Königin in Erinnerung, aber in der Ära vor dem Code war sie für ihre offene Hot-Screen-Persönlichkeit bekannt. „Sie war eine Art braves Mädchen, das vermeintlich Böses getan hat, es aber überhaupt nicht als schlimm eingestand“, sagt Lanckman. Shearer spielte eine Reihe von alleinstehenden Frauen, die offen nach Sex verlangten. Das ist die Handlung von A Free Soul, die Lanckman als „einen sehr reinen Ausdruck dessen, was weibliche Sexualität in der Pre-Code-Ära sein durfte“, beschreibt. Wie die grinsende Kay Francis hatte Shearer eine gewisse Oberklasse-Haltung, die es ihr ermöglichte, auf ihrem Weg zu einer guten Zeit an Missbilligung vorbeizufliegen.
Andere Stars, wie die Bombe Harlow – die tragisch jung starb, nachdem sie viele der lustigsten Komödien der 1930er Jahre gemacht hatte, sowie Red-Headed Woman, ein ernsthaft hartes Melodram mit sardonischem Witz – hatten diesen Klassenvorteil nicht. Blondell auch nicht, der szenestehlende Kumpel in einigen der unterhaltsamsten Filme der Ära. Stanwyck war ein weiterer, der eine bekannt harte Erziehung hatte – wie Lanckman es ausdrückt: „Joseph Breen würde Barbara Stanwycks Leben zensieren.“ Diese Schauspieler brachten einen gefährlichen Hauch von Realismus in die Freizügigkeit vor dem Code.
Stanwycks Film Baby Face (Slogan: „Sie hatte esund gemacht es zahlen“) wurde von vielen als das Fass zum Überlaufen gebracht für die Pre-Code-Laxheit. Es sorgte für Aufregung, obwohl es der Zensur gelang, entscheidende Änderungen zu fordern, bevor es veröffentlicht wurde. Stanwyck spielt Lily Powers, eine junge Frau, die von klein auf von ihrem Vater ausgebeutet wird; Sie holt sich Rat von einem Schuster, der Nietzsche zitiert, und beschließt, den Spieß umzudrehen. Lily zieht nach New York City und erklimmt die Karriereleiter, einen sexuellen Gefallen nach dem anderen. Stanwycks Auftritt ist atemberaubend, wenn sie Männer mit einem Flattern ihrer Augenlider und einem strahlenden Lächeln um den Finger wickelt. Eines ihrer frühen Opfer ist ein Angestellter, gespielt von einem sehr jungen John Wayne, der von ihrer Zurückweisung völlig niedergeschlagen ist. Eigentlich sollte er sich glücklich schätzen. Die zensierte Fassung mildert den Rat des Schusters und lässt Stanwyck zu Hause zurück und bereut am Ende ihre Missetaten. Erst seit Kurzem ist Baby Face ungeschnitten zu sehen und sorgt dafür, dass die Kinnlade noch einmal herunterfällt.
Das Eintauchen in das Pre-Code-Kino ist, als würde man seinen Hollywood-Kuchen essen, ihn essen und sich die Lippen lecken: Hier ist der ganze Glamour, Witz und die erzählerische Dynamik des amerikanischen Filmemachens, aber mit einem weitaus aufgeschlosseneren Umgang mit Moral, Sexualität und dem Buchstaben des Gesetzes. Auf diese Weise wirken diese Filme deutlich moderner als die Filme, die dicht hinter ihnen folgten. Diese wunderschön gekleideten Diebe, gespielt von Francis und Powell, rauchen Marihuana, während sie ihren wohlhabenden Opfern Juwelen abnehmen. Die Kameradschaft in Baby Face zwischen Stanwycks Lily und ihrem Dienstmädchen Chico, gespielt von der wunderbaren schwarzen Schauspielerin und Sängerin Theresa Harris, ist viel subtiler auf die Unterschiede in ihrem sozialen Status und die Solidarität abgestimmt, die sie verbindet, als Hollywood es später zulassen würde.
Der Code war alles andere als neutral. Es verkörperte eine sexistische, homophobe und rassistische Ideologie, die die Branche jahrzehntelang beherrschte. Magazin Freiheit schrieb 1936, dass Breen „mehr Einfluss auf die Standardisierung des Weltdenkens hatte als Mussolini, Hitler oder Stalin“. In einer Zeit, in der der amerikanische Konservatismus das Leben von Frauen im wirklichen Leben wieder einschränkt, ist es lehrreich und äußerst unterhaltsam, auf eine Zeit zurückzublicken, in der wir größer träumen durften als ein Hollywood-Happy-End.