‘ICH‘ma Tänzerin: a Tänzerin tanzt“, sagt Cassie in diesem dauerhaften Konzeptmusical von 1975 über Castings in einem Broadway-Theater. Aber Cassie hatte seit einem Jahr keinen Auftritt. Sich selbst Tänzerin zu nennen, erfordert mehr Entschlossenheit als früher. Vielen Darstellern wird es nach den Covid-Shutdowns der angeschlagenen Theaterindustrie genauso gehen. Cassies alte Flamme Zach, der Regisseur, der die Versuche für eine neue Show überwacht, ist Schauspieler, Tänzer und Choreograf Adam Cooper. Die Pandemie hinterließ den äußerst erfahrenen Cooper, wie so viele, ohne Bühnenarbeit und auf universelle Kredite war die Konkurrenz nicht in der Lage, einen Job als Lieferfahrer zu bekommen.
Was für ein Nervenkitzel also, die tiefe Curve-Bühne mit talentierten Tänzern überflutet zu sehen, die sich an einer der spannendsten Eröffnungen des Musiktheaters erfreuen. Und 5, 6, 7, 8: Los geht’s, angetrieben von der unwiderstehlich blechernen Attacke der Partitur von Marvin Hamlisch, Jazz- und Ballettkombinationen einstudiert, sich gegenseitig unterstützend. Als die Gruppe zerkleinert wird, fordert Zach die verbleibenden Hoffnungsträger auf, persönliche Wahrheiten preiszugeben, während Cassie darauf wartet, ihn privat mit ihrer zu konfrontieren.
Das Buch zu Michael Bennetts Musical von James Kirkwood und Nicholas Dante stützte sich auf Interviews mit Künstlern über deren Leben. In I Can Do That ist Redmand Rance ein fröhlicher Hufer, der sich an einen Damaszener-Moment beim Tanzkurs seiner Schwester erinnert. Wir hören andere Geschichten über Karrieren, die auf einer Kindheitsliebe für The Red Shoes oder Reisen zum Ballett basieren. Sie haben eine ergreifende, universelle Qualität, selbst wenn Sie noch die eine oder andere der tieferen, verblüffenden Offenbarungen wünschen, die aus den besten Workshops hervorgehen können; A Chorus Line hat eine unterschwellige Gelassenheit, verglichen mit der chaotischeren Rohheit von Alan Parkers Fame. Fast 50 Jahre später klingt vieles von dem, was die Show über das Theatergeschäft aussagt, immer noch wahr, obwohl es sich nur eingeschränkt anfühlt, wenn die Branche längst überfällige Gespräche über Machtmissbrauch und psychische Gesundheit führt.
Aber diese Melodien. Katie Lee glänzt als Kristine Sing! und Chloe Saunders verkauft als Val jedes witzige Couplet von Edward Kleban in Dance: Ten, Looks: Three. Emily Barnett-Salters katzenartige Sheila verkörpert die verführerischen Eröffnungstakte von One und I Hope I Get It wird mit Schwung ausgeführt, auch wenn es nicht ganz die Qual hat, die es könnte. Herausragend ist Ainsley Hall Ricketts als Paul, dessen Geschichte von Missbrauch und Akzeptanz die Show in ihren Bahnen stoppt. Du spürst, wie sein Gesicht vor Scham und Stolz brennt.
Cassie und Zachs Beziehung, die nie wirklich so involviert war, wird trotz starker Leistungen von Carly Mercedes Dyer (so brillant wie der Moll in The Barbican’s Anything Goes) und Cooper nicht gelöst. Dieser Zach ist milder als Michael Douglas’ bullishe Darstellung im Film von 1985 und Cooper hat die richtige Questqualität in der Rolle, Entschlossenheit in seinen Zügen.
Nikolai Fosters Produktion mit einer engen Band und einer knackigen Choreografie von Ellen Kane verwendet ausgiebig Live-Videoprojektionen als Kameramann, der sich zwischen den Tänzern schlängelt. Es steigert die Intimität einiger ihrer Geschichten und betont, wie der Möchtegern-Filmstar Bobby buchstäblich für seine Nahaufnahme bereit ist, aber mehr tun könnte, um die schweißtreibende Heiterkeit einzufangen, in einer Gruppe von Tänzern zu sein.
Die Kameraarbeit zeichnet sich durch optische Täuschungen aus, die an Busby Berkeley erinnern, unterstützt von den vier säulenartigen Spiegeln von Grace Smarts Set und den geometrisch angeordneten Rigs für die Beleuchtung (Design von Howard Hudson). Am Ende von One kann es kein ungenutztes Scheinwerferlicht im Gebäude geben, das zu einem bewegenden Zeugnis all jener Theaterarbeiter wird, die als Chor für ihre gefährdete Industrie mobilisiert haben.